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La magie de l’heure dorée

Le golden hour, ou l’heure dorée, est un outil formidable pour les photographes.  

En effet, l’heure dorée nous facilite la vie de nombreuses façons. Elle nous permet de retrouver de magnifiques tons chauds dans nos images, d’avoir plus de textures et de longues ombres, en plus de pouvoir contrôler plus facilement la direction de la lumière et le contraste de nos photos.  

Dans cet article, nous allons discuter de l’heure dorée, ou golden hour, pour vous aider à en tirer le maximum et faire de magnifiques photos.  

Prêts? C’est parti!  

Planifier une séance au Golden hour


La première étape pour réussir vos photos à l’heure dorée est de bien planifier la prise de vos photos. Typiquement, l’heure dorée, ou golden hour, a lieu pendant l’heure suivant le lever du soleil et l’heure précédent le coucher du soleil.  

Une façon simple de savoir à quel moment de la journée l’heure dorée aura lieu est de consulter votre application de météo préférée pour y trouver l’heure du lever coucher du soleil à l’emplacement choisi.  Vous pourrez donc choisir le bon moment pour vous rendre sur les lieux de la prise de photo.  

L'application Accuweather ainsi que Yahoo Météo indiquent toutes les deux l'heure du lever et du coucher du soleil de la journée.

Mais, l’heure de la séance n’est pas le seul élément à prendre en compte. Il faut aussi pouvoir estimer si l’emplacement du soleil conviendra à la composition et à l’éclairage que vous souhaitez obtenir.

Pour mieux prévoir la direction de la lumière, il existe des applications mobiles créées spécifiquement pour les photographes. 

L’une des plus populaires est probablement Sunseeker, disponible sur iOS et Android. Cela dit, c’est une application payante. Sur iOS, l’application Lumos est une des meilleures alternatives gratuites à Sunseeker que j’ai testé. Grâce à l’application, vous pourrez prévoir l’emplacement exact du soleil dans votre environnement lors de votre repérage. C’est juste fantastique!  

L'application Lumos vous permet de prévoir exactement où sera le soleil à un moment précis. Dans la première image, jai utilisé la fonction de prévision pour voir si l'application avait raison, et les prévisions était vraiment exactes! Sur la deuxième image, l'application montre l'emplacement du soleil sur une vue aérienne.

Le matériel à prévoir pour une séance photo au golden hour

Le matériel à avoir avec vous dépend de ce que vous souhaitez photographier. Voici toutefois mes suggestions pour la photo de paysage et la photo de portrait. 


Le matériel à privilégier pour les photos de paysage au golden hour

Le matériel à privilégier pour les photos de paysage à l’heure dorée 

Apportez votre appareil photo et votre trépied, afin de pouvoir travailler votre composition et votre cadrage le plus précisément possible, ou faire du HDR

Vous pouvez aussi apporter un sac de plastique vide dans lequel vous pourrez placer des pierres ou un autre objet lourd pour stabiliser votre trépied si le vent se mettait de la partie. 

Privilégiez un objectif fixe ou un zoom à courte focale, comme l’objectif de kit 18-55mm, un  20mm fixe, un 11-16mm, 10-20mm, 14-24mm ou 24-70mm, pour ne nommer que ceux-ci.  

N’oubliez pas le pare-soleil de votre objectif. Lorsque le soleil se rapproche de l’horizon, celui-ci peut se réfléchir dans votre objectif et créer un effet de voile indésirable. Le pare-soleil de l’objectif aidera à éviter le problème. 

L'angle du soleil par rapport à mon objectif a créé un énorme reflet. Cela a aussi créé un gros voile dans l'image, qui aurait pu être évité si j'avais simplement placé le pare-soleil sur mon objectif.

Le cheval de la photo du haut semble avoir d’étranges proportions : sa tête semble énorme en relation avec le reste de son corps. C’est à cause de la focale utilisée (environ 16 à 18 millimètres). Pour réussir à photographier la grue en entier sur l’image du bas sans introduire d’éléments superflus, il fallait avoir recours à une très grand angle tout en restant près du sujet. Focale utilisée : 20 millimètres.

Le matériel à prévoir pour une séance de portrait au golden hour

Pour faire une belle séance de portrait au golden hour, apportez votre appareil et votre objectif préféré pour le portrait, que ce soit un 50mm fixe, un 85mm fixe, ou encore un 24-70mm ou 70-200mm.  

Assurez-vous d’avoir le pare-soleil de votre objectif pour éviter l’effet de voile. 

Si vous prévoyez intégrer le soleil dans vos photos, apportez un linge microfibre pour nettoyer votre objectif. Vous éviterez ainsi les taches qui pourraient apparaître dans vos photos.  

Un diffuseur et un réflecteur sont aussi très utiles à avoir, au cas où vous devriez contrôler un peu mieux l’éclairage dans votre photo.  

Dans cette photo, j'ai placé notre modèle de dos au soleil. Puis, pour avoir l'éclairage exacte que je désirais, j'ai utilisé un réflacteur argent pour réfléchir la lumière du soleil sur mon sujet, et ainsi obtenir un éclairage plus uniforme.

Dans ces deux images, j’ai utilisé une focale d’environ 24mm. Dans les deux cas, le grand angle m’a permis de donner de l’information au spectateur sur le contexte de chaque situation. En haut, le tournage d’un vidéoclip. En bas, une séance de signature d’autographes.

Les réglages à utiliser pendant l'heure dorée

L’heure dorée comporte ses propres défis techniques. Voici quelques points à considérer.  

La balance des blancs


Au golden hour, la lumière est particulièrement jaune orangé. Ainsi, si vous utilisez la balance des blancs automatique, votre appareil risque de supprimer complètement la couleur chaleureuse de l’éclairage.  

Essayez plutôt de faire vos photos en mode de balance des blancs ombragé ou nuageux pour des photos très jaunes, ou ensoleillé pour un effet plus subtil.  

Pour plus de détails concernant la balance des blancs, vous pouvez consulter cette vidéo : 

Les réglages de l'appareil

Comme l’intensité de la lumière diminue rapidement à l’heure dorée, préparez-vous à garder un oeil sur le posemètre de votre appareil et ajuster vos réglages souvent.  

Un bon point de départ pour vos réglages serait, par exemple, f/4 - 1/500sec - ISO 100 ou équivalent. Les réglages vont changer selon l’effet souhaité. Utilisez une grande ouverture pour un bel arrière-plan flou, ou une petite ouverture pour un effet de rayons de soleil. Nous y reviendrons plus loin! 


Le mode de mesure de l'exposition


Comme l’éclairage peut varier énormément lors de l’heure dorée selon l’emplacement de votre appareil par rapport au sujet, vous serez confrontés à certains défis pour mesurer votre exposition.  

En effet, si votre appareil ne lit pas la lumière de la bonne façon pour l’effet que vous voulez, il sera très difficile d’avoir la bonne exposition.  

Pour avoir une bonne exposition globale, privilégiez le mode de mesure matriciel ou évaluatif. Ce dernier permet à l’appareil de vous donner les bons réglages selon une moyenne de la photo en entier. 

Pour un sujet à contre-jour bien exposé, utilisez le mode pondéré central ou spot.  

Pour un effet de silhouette, le mode de mesure spot vous aidera, à condition de mesurer votre exposition aux endroits dans l’environnement qui sont les plus éclairés, comme dans le ciel ou près du soleil. 

Pour plus de détails concernant les modes de mesure de l'exposition, vous pouvez consulter cette vidéo :

Les effets d'éclairages possibles à l'heure dorée

La beauté de l’heure dorée est que non seulement vous avez de superbes couleurs, mais il y a aussi une panoplie d’effets de lumières possibles. Voici les principaux.  

L'éclairage frontal 

Avec ce type d’éclairage, votre sujet est éclairé directement par le soleil qui se trouve devant lui.  Il sera éclairé avec une lumière égale, évitant de trop faire apparaître la texture. Cet éclairage n’est pas possible au soleil de midi, alors pourquoi ne pas en profiter?  

Pour obtenir cet éclairage, il suffit de vous placer afin d’avoir le soleil directement derrière vous. Si la lumière est trop dure, vous pouvez la diffuser à l’aide d’un diffuseur.  

Dans la première photo, le soleil était de plus en plus bas et près de l'horizon, ce qui a créé une belle direction de mon éclairage. Par chance, le ciel était un peu voilé ce jour là, ce qui a diffusé la lumière du soleil. Dans la deuxième photo, le soleil n'était pas diffusé par les nuages, ce qui explique l'ombre très découpée. Toutefois, comme le soleil est moins fort durant l'heure dorée, le contraste est beaucoup plus raisonable qui si la photo avait été prise au soleil de midi. De plus, la lumière bien dirrigée est convenable pour notre modèle.

L'éclairage de derrière

Si vous placez votre sujet de dos au soleil, vous obtiendrez une belle séparation entre votre sujet et l’environnement. Votre sujet aura alors un beau contour doré et lumineux.  

Vous devrez toutefois augmenter votre exposition pour vous assurer que vos sujets ne sont pas trop sombres. Pour vous aider, utilisez le mode de mesure d’exposition pondérée centrale ou spot. 

Si vous faites un portrait, il serait sage d’utiliser un réflecteur pour rendre l’éclairage plus uniforme et de la même couleur partout. 

Pour ces deux photos, je n'ai pas eu besoin d'un réflecteur pour obtenir un bel éclairage uniforme. Dans la première image, la neige agissait comme un réflecteur géant. Dans la deuxième image, c'est le béton de couleur pâle qui a créé une lumière douce sur mon sujet. 

L'effet de voile

L’effet de voile réduit le contraste de l’image et donne un effet plus lumineux à l’image. Il peut être indésirable dans certains cas, ou intéressant dans d’autres situations. 

Pour l’obtenir, il faut enlever le pare-soleil de l’objectif. Puis, il suffit de placer votre appareil face au soleil, et de cadrer pour que le soleil se retrouve très près du rebord du cadre, mais sans être dans l’image.  

Pour cette photo, mon sujet était de dos au soleil. Ce dernier était au dessus des arbres, juste un peu plus haut que le bord suppérieur du cadrage. C'est ce qui a créé l'effet de voile qui brille par dessus le chapeau de Nikki. 

Rayons de soleil et reflets d'objectif (Lens flare)

Ajouter le soleil dans votre photo peut donner un effet très intéressant. En effet, lorsqu’une source de lumière forte entre directement dans l’objectif, celle-ci se réfléchit sur les lentilles, créant des reflets.  

Si vous souhaitez tester cet effet, assurez-vous d’avoir bien nettoyé votre objectif.  

Vous pouvez aussi créer un effet de rayons de soleil en utilisant une petite ouverture comme f/11 ou plus petit.  

Le soleil entrera alors dans l’objectif et se faufilera à travers les lamelles du diaphragme, créant des rayons bien définis. Cet effet est encore plus apparent lorsque le soleil est partiellement caché par le sujet.  

L'effet de silhouette

Lorsque le soleil est plus bas et que le ciel se remplit de belles couleurs, le moment est idéal pour une photo en silhouette.  

Pour obtenir cet effet, placez votre sujet de dos au soleil. Puis, avec le mode de mesure d’exposition spot, faites une lecture de posemètre dans le ciel. Ajustez vos réglages pour exposer le ciel correctement.  

Votre sujet sera alors en silhouette. 

Pour cette image, j'ai utilisé une petite ouverture pour créer les rayons de soleil en plus d'attendre que le sujet passe devant le soleil pour accentuer l'effet. J'ai également sous exposé volontairement mon image pour obtenir une silhouette du piéton.  

Même si la taille du kiwi est restée la même dans ces 4 photos, la taille des bananes a beaucoup changé entre la première et la dernière image. Je vous promet qu’aucun des objets n’a bougé! En fait, ces différences sont entièrement créées par la focale utilisée. De haut en bas : 24mm, 35mm, 50mm, 200mm. 

Pour terminer

Bref, le golden hour, ou heure dorée, est un moment idéal pour jouer avec la lumière et faire de superbes photos.  

Selon votre emplacement par rapport à votre sujet au moment de prendre la photo, vous aurez une foule d’effets d’éclairage possibles.  

Pour réussir votre prise de vue, il suffit de bien la planifier, d’avoir le bon équipement à votre disposition, et surtout, d’être créatif!  

Dans cet article, je vous ai partagé une foule de trucs et astuces pour vous permettre de réussir vos photos au golden hour à toutes les fois!  

Maintenant, c’est à vous de jouer!  

Pour relever le défi golden hour, faites vos plus belles photos pendant l’heure dorée et partagez-le sur le Lab des Photographes inspirés!  

J’ai hâte de voir vos oeuvres! 

À bientôt!  

Votre inspiratrice 


à propos de moi

Plusieurs années après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Couleurs complémentaires : on vous a menti!

Les couleurs complémentaires sont un outil formidable en photographie. 

Elles permettent de faire ressortir des éléments, rendre les photos plus harmonieuses et vives, et même de nous aider à mieux maîtriser le traitement d'image. 

Mais pour cela, encore faut-il connaître quelles sont véritablement les couleurs complémentaires. 

Si vous avez répondu que les complémentaires sont rouge-vert, bleu-orange et mauve-jaune...on vous a menti. 

Dans cet article, je vous donne enfin la vérité sur les couleurs complémentaires et comment mieux les utiliser dans vos photos! 

Qu'est-ce que les couleurs complémentaires? 


Les couleurs complémentaires sont des couleurs qui sont contraires, opposées sur la roue des couleurs. 

Bon, jusque là, si vous avez une roue des couleurs d'artiste peintre, vous verrez probablement les mauvaises couleurs. 

Et oui! 

La roue des couleurs qu'on nous apprend à l'école primaire est un modèle fondamentalement erroné qui a été transmis à travers le temps.

En vérité, un couple de couleurs complémentaires est un couple de  couleurs qui, mélangées, annulent la perception de couleur, produisant un gris neutre.

Si vous essayez de mélanger du rouge avec du vert, vous n'obtiendrez pas du gris, mais bien du brun. Mauve et jaune...brun. Bleu et orange...encore brun. 

Mais alors, quelles sont les vraies couleurs complémentaires?

Les couleurs complémentaires selon la science


Si les peintres d'une époque lointaine avaient tout faux, quelle est finalement la VRAIE roue des couleurs sur laquelle on doit se fier? 

Il y a deux réponses possible : la synthèse additive et la synthèse soustractive. 

La synthèse additive : couleurs de la lumière


Avec le temps, les scientifiques ont découvert que nos yeux perçoivent les couleurs grâce aux cônes rouge, verts et bleus. À partir de ces 3 couleurs, nous sommes capables de percevoir toutes les couleurs. 

Nos appareils photos créent toutes les couleurs à partir de cellules rouges, vertes et bleues sur leur capteur. 

Gros plan des photosites d'un capteur d'appareil photo numérique.

Les écrans de nos appareils électroniques fonctionnent également avec des pixels rouge-vert-bleu pour afficher toutes les couleurs. 

Gros plan des pixels d'un écran.

Dans cette image, on voit clairement la lampe à DEL utiliser des ampoules rouges et vertes pour obtenir l'éclairage jaune sur la scène.

Ainsi, dans la synthèse additive, on peut produire toutes les couleurs à partir de la lumière rouge, verte et bleue. Les couleurs secondaires obtenues en mélangeant ces primaires sont le cyan (bleu+vert), le magenta (rouge+bleu) et le jaune (vert+rouge). 

La roue des couleurs de la synthèse additive ressemble finalement à ceci :

Et les couples de couleurs complémentaires principaux sont rouge-cyan, magenta-vert et bleu-jaune.

LA SYNTHÈSE sousTractIVE : couleurs de l'encre, de la peinture et de la teinture


Si on peut produire toutes les couleurs avec de la lumière rouge, verte et bleue, il nous faut aussi un moyen de créer toutes les couleurs sur les matériaux avec de la peinture, de l'encre ou de la teinture. 

Vos cartouches d'encre d'imprimantes sont cyan, magenta et jaune. Grâce à ces trois couleurs, toutes les autres couleurs (à l'exception du blanc) peuvent êtres créées. 

Si on mélange les trois couleurs primaires en quantité on obtient du noir. 

Si on mélange le cyan et le magenta, on crée du bleu. Le magenta et jaune donnent du rouge. Finalement, le jaune et le cyan donnent du vert. 

Pour créer cette image, j'ai utilisé des gouttes d'encre pour imprimante magenta, jaune et cyan sur du papier absorbant pour démontrer le résultats des mélanges de couleurs dans la synthèse soustractive. 

La roue des couleurs de la synthèse soustractive ressemble donc à ceci : 

Et le plus intéressant est que les couples de couleurs complémentaires principaux sont encore rouge-cyan, magenta-vert et bleu-jaune.

Couleurs primaires différentes. Même roue des couleurs. Mêmes complémentaires.

Intégrer les couleurs complémentaires dans vos photos


Si vous observez bien votre environnement, vous trouverez facilement des harmonies de couleurs complémentaires. 

L'une des plus courantes est l'harmonie complémentaire orange-turquoise. 

Vous pouvez la trouver dans les plumes d'un oiseau...

Dans les vêtements ou les cheveux de votre sujet...

Au golden hour...

Ou vous pouvez la créer avec des gélatines de couleur!

La seule limite est votre imagination!

L'importance des couleurs complémentaires en retouche Photo


Corriger et modifier les couleurs devient un jeu d'enfant lorsqu'on connaît les couleurs complémentaires, surtout pour corriger les dominantes de couleur, ou faire du color grading.

Corriger les dominantes de couleur grâce aux couleurs complémentaires


Il arrive qu'une photo ait une dominante de couleur, c'est à dire qu'il semble y avoir un filtre de couleur par dessus. 

Cela peut arriver lorsque la balance des blancs n'a pas réussi à la prise de vue, ou qu'un élément dans l'environnement réfléchisse de la lumière de couleur sur le sujet. 

Une bonne façon de contrer les dominantes de couleur est d'ajouter de sa couleur complémentaire pour la neutraliser. 

L'outil balance de couleur de Photoshop est très intéressant pour démontrer cet effet.  

La première image a une dominante de vert, puisque j'ai ajouté le maximum de vert avec l'outil balance de couleur. La deuxième image a reçu le maximum de magenta. Mais lorsque les deux filtres sont appliquées en même temps, il n'y a plus aucune dominante : les complémentaires s'annulent.

En passant, vous allez remarquer que le curseur part de magenta à vert pour vous aider à mémoriser les couleurs complémentaires. 

Utiliser les couleurs complémentaires en color grading


Pour obtenir un fini intéressant dans vos photos, vous pouvez faire une colorisation, qu'on appelle également color grading.

J'ai d'ailleurs fait un tutoriel complet à ce sujet pour Lightroom et Photoshop, que vous pouvez lire en cliquant ici. 

J'ai découvert récemment un truc infaillible pour créer un color grading de couleur complémentaire facilement et rapidement.

Il s'agit du mode de fusion exclusion. 

Voici comment l'utiliser. 

Au bas du panneau des calques, cliquez sur l'icône demi-lune pour aller chercher le calque d'ajustement de couleur unie. 

Lorsque le panneau de couleurs s'ouvre, choisissez la couleur que vous souhaitez utiliser dans les ombres.

Convertissez le calque de couleur unie dans le mode de fusion exclusion dans le menu déroulant en haut du panneau des calques 

Pour un effet mat, réduisez simplement l'opacité du calque. Si vous voulez un effet plus contrasté, passez à l'étape suivante sans toucher à l'opacité.

Créez un nouveau calque contenant tous les changements faits jusqu'à présent avec le raccourci clavier command+option+shift+E sur mac (control+alt+shift+E sur PC).

Convertissez le nouveau calque en mode de fusion incrustation, lumière tamisée ou lumière vive, au goût. Modifiez l'opacité au besoin.

Conclusion


Si vous avez lu jusqu'ici, vous êtes devenu un vrai pro des couleurs complémentaires! 

Nous avons non seulement mis un terme à la fausse croyance que le jaune-violet, vert-rouge et jaune-bleu sont des harmonies complémentaires, mais nous avons aussi découvert les véritables complémentaires!

Je vous ai aussi amené à en savoir plus sur les technologies qui nous entourent pour produire les bonnes couleurs, comment trouver les harmonies de couleurs complémentaires dans votre environnement, et finalement, comment utiliser les couleurs complémentaires en retouche photo. 

Vous aimeriez vous aventurer dans le merveilleux monde des couleurs complémentaires? 

Faites votre meilleure photo en utilisant ce que vous avez appris et partagez-là dans le Lab des photographes inspirés! 

Pas encore membre? Il suffit de vous inscrire ici et de répondre aux 3 questions!

J'ai hâte de voir vos belles photos! 

À bientôt!

Votre inspiratrice.


à propos de moi

Plusieurs années après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Des portraits envoûtants grâce à l’éclairage Rembrandt

La lumière. C'est l'un des éléments les plus importants à maîtriser pour devenir un photographe accompli. Pas pour rien que le mot photographie vient des mots grecs photos (qui utilise la lumière) et graphien (peindre, dessiner, écrire).

Bien avant la photographie, l'art de l'éclairage permettait déjà aux artistes visuels d'atteindre des sommets de célébrité. Parmi ceux ci, on retrouve l'un des peintres les plus connus de l'époque Baroque : Rembrandt.

Imaginez maintenant connaître et maîtriser les secrets de ce peintre portraitiste célèbre pour élever la qualité de vos portraits, même sans avoir d'équipement de studio.

C'est exactement ce que je vous propose dans cet article, dans lequel nous allons voir comment utiliser la lumière comme Rembrandt!

C'est qui, Rembrandt?

Rembrandt (1606-1669) est un artiste peintre néerlandais. Il est connu comme l'un des plus grands peintres de l'histoire de la peinture, particulièrement de l'époque Baroque

Il a réalisé au cours de sa vie plus de 400 peinture, en majorité des portraits et  autoportraits, ainsi que des scènes bibliques.

Rembrandt est reconnu spécialement pour son usage d'un éclairage contrasté et ses jeux d'ombre et lumière, ainsi que sa façon de montrer la compassion et l'humanité, qui ressortent dans l'expression de ses personnages.

autoportrait de rembrandt

Autoportrait aux deux cercles est une peinture à l'huile du peintre hollandais Rembrandt réalisée entre 1665 et 1669 et aujourd'hui exposée à la Kenwood House de Londres.

Comment Rembrandt éclairait-il ses portraits?


Rembrant est particulièrement reconnu pour sa façon d'éclairer ses sujets. Tellement que type d'éclairage qu'il utilisait porte maintenant son nom et est reconnu par quiconque s'intéresse à l'étude de la lumière. 

Mais comment éclairait-il ses sujets? À quoi ressemble l'éclairage Rembrandt? Comment fait-on pour le reconnaître? 

Caractéristiques de l'éclairage Rembrandt


En observant les peintures de Rembrandt, on constate une constance dans son éclairage.

L'une des caractéristiques les plus faciles à remarquer est sans doute le triangle inversé sous l'oeil du sujet, du côté ombragé du visage. 

En observant quelques unes de ses peintures, on constate rapidement la tendance! 

Rembrandt van Rijn, A Polish Nobleman, 1637

Rembrandt van Rijn: Kökspigan, 1654

Rembrandt van Rijn:  Lucretia, 1654

Le studio de Rembrandt


Le studio du peintre célèbre, qu'on peut visiter au musée de la maison de Rembrandt, à Amsterdam, nous donne beaucoup d'indices sur l'éclairage qu'il utilisait. 

Les petites fenêtres situées en hauteur à 90 degrés de ses sujets étaient idéales pour obtenir la direction de la lumière qui a fait son succès. 

Rembrandt's studio, par  Stuart Maxwell, 2011

Comment recréer l'éclairage Rembrandt


Jusqu'à présent, on a appris que : 

  1. Rembrandt positionne la lumière de façon à créer un triangle de lumière inversée sous l'oeil de ses sujets du côté ombragé
  2. Le studio de Rembrant était éclairé principalement avec de petites fenêtres situées plutôt en hauteur

Donc, on peut conclure que pour reproduire l'éclairage de Rembrandt, il faut d'abord avoir une source de lumière relativement douce de taille moyenne placée en hauteur par rapport au sujet sans autre source de lumière du côté opposé.

Puis, on doit travailler sur la position du sujet pour créer le petit (ou moyen, ou gros) triangle inversé sous l'oeil.

Choisir sa source de lumière pour l'éclairage Rembrandt


Pour obtenir la lumière douce et contrasté de l'éclairage Rembrandt, il suffit d'utiliser la lumière provenant d'une fenêtre, ou d'un softbox en studio. Tant que la source d'éclairage est de taille moyenne, l'éclairage sera idéal.

Comment placer l'éclairage pour obtenir un Rembrandt


Pour  créer le triangle sous l'oeil de votre sujet, il faut placer la source de lumière de sorte que l'ombre du nez s'allonge vers le bas et de côté pour aller toucher à la partie ombragée de la joue.

Donc, la source de lumière doit être suffisamment haute et latérale. Comme la plupart de nos fenêtres sont plutôt basses, un bon truc est d'asseoir le modèle au sol, les épaules à 90 degrés de la fenêtre. 

Il suffit ensuite de lui faire tourner la tête ou de le faire avancer ou reculer pour obtenir la bonne forme d'éclairage.

Le principle est semblable en studio. Placez le softbox (ou parapluie) le plus haut possible dans votre studio, environ à 90 degrés de votre modèle. Assoyez votre sujet. Puis, ajustez la position de votre sujet ou de votre flash pour obtenir le Rembrandt.

Voici quelques exemples d'éclairages Rembrandt créés en studio et un aperçu du placement de l'éclairage : 

Conclusion


Rembrant est l'un des peintres les plus acclamés de son époque. Son travail sur la lumière et l'expression de ses sujets est acclamé partout dans le monde par les amateurs d'art visuel.

Ainsi, pour obtenir des portraits dramatiques et envoûtants, vous pouvez vous inspirer de l'oeuvre de Rembrandt pour recréer l'éclairage qui porte son nom.

Pour ce faire, il suffit d'avoir une source de lumière douce de taille moyenne suffisamment haute et de placer le sujet plus ou moins à 90 degrés de la lumière, pour ensuite s'ajuster. 

Envie de relever le défi? Rendez-vous sur le Lab des photographes inspirés et partagez vos images avec la communauté. Vous courrez la chance de voir vos photos être présentés durant un de mes live!  

Sur ce, je vous dit à bientôt et au plaisir de voir vos oeuvres!

Votre inspiratrice,

Joannie


à propos de moi

Plusieurs années après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Comment réussir son autoportrait!

J'adore les autoportraits. Ils sont une excellente occasion de tester nos connaissances, expérimenter de nouveaux éclairages et nouveaux concepts et se voir autrement.

En bonus, on se retrouve avec de super portraits exactement comme on voulait, parce qu'on n'est jamais mieux servi que par soi-même. 

Cela dit, l'autoportrait amène son lot de défis. Faire la mise au point correctement, cadrer et composer les images et avoir une belle pose n'a rien de facile quand on joue à la fois le rôle du photographe et du modèle. 

C'est pourquoi, dans cet article, je vous partage mes trucs et astuces pour faire votre auto portrait plus facilement!

Défi technologique : comment se voir avant la photo, déclencher à distance et faire la mise au point correctement


On ne peut pas avoir un bon cadrage si on ne peut pas se voir avant ou pendant la prise de vue. De placer un miroir devant vous ne sera tout simplement suffisant. Pourquoi? Parce que l'appareil photo ne voit pas comme nous. L'angle de vue, la perspective ainsi que le cadrage ne seront pas représenté dans le miroir. 

Le déclenchement est aussi un défi. On pense immédiatement au retardateur, mais celui-ci peut s'avérer inefficace. Sur plusieurs appareils, la mise au point se fait lorsqu'on appuie sur le déclencheur, ce qui sera inutile si vous n'êtes pas en position. 

Finalement, comment s'assurer une mise au point impeccable? Les heureux propriétaire des appareils sans miroir avec détection des yeux seront comblés, mais pour les autres, on fait quoi?

Voici les possibilités.

Option numéro 1 : Utiliser votre téléphone avec le wi-fi de votre appareil


Si vous avez un appareil photo qui a la fonction wi-fi, utiliser l'application du fabricant avec votre téléphone intelligent peut vous aider à avoir un aperçu de votre photo et déclencher votre appareil à distance. Certains appareils vont aussi capables de faire la mise au point où vous touchez votre écran. Vous pouvez aussi utiliser l'appareil en live view et activer la détection du visage ou des yeux si votre appareil le permet.

Si vous avez un appareil Nikon, vous pouvez utiliser l'application Nikon WMU. Chez Canon, il y a l'application Camera Connect

Je dois toutefois vous prévenir que l'application de Nikon a usé ma patience à un point tel que je l'ai abandonnée complètement. Difficultés de connexion, instabilité, usage excessif de la batterie de l'appareil photo et de l'appareil mobile, et qualité d'affichage ordinaire ont suffit à me fâcher. Je l'ai essayé de nouveau pendant l'écriture de cet article et...surprise, ça a chié.

En souhaitant que vous n'aurez pas les mêmes problèmes que moi! Essayez-le avec votre appareil!  Lorsque l'application fonctionne bien, c'est tout simplement génial!

Option numéro 2 : Brancher l'appareil dans un écran, déclencher avec une télécommande


C'est la solution que j'utilise. Avec un câble hdmi, je branche l'appareil dans un écran d'ordinateur 27 pouces que je peux faire pivoter en vertical ou horizontal selon la composition souhaitée. Peu importe la distance à laquelle je me trouve, je peux prévoir la composition et la mise au point très facilement. Par contre, c'est peu pratique en dehors du studio et potentiellement couteux.

Pour le déclenchement, j'utilise la télécommande Nikon ML-L13, pour laquelle il existe plein d'imitations très abordable comme celle ci : https://amzn.to/2JKgLwj. L'avantage de cette télécommande, c'est qu'elle est petite et facile à cacher dans la paume de votre main pendant la photo.

Finalement, il y a la question de la mise au point. Comme mon appareil fonctionne très mal pour faire la mise au point en live view, je fais souvent la mise au point manuellement sur un trépied d'éclairage à l'endroit où je prévois m'installer, puis je m'arrange pour rester toujours à la même distance de l'appareil photo. Si vous choisissez de faire cela, je vous conseille d'utiliser une petite ouverture pour vous donner plus de jeu pour la profondeur de champ.

Vous pouvez aussi mettre l'appareil en mise au point automatique, ce qui fonctionnera suffisamment bien si vous êtes bien éclairé et que la mise au point en live view de votre appareil fonctionne convenablement.

autoportrait dans une piscine d'eau noire avec une peau blanche cadavérique

Pour cette photo, j'avais la tête placée vers le beauty dish et les pieds vers les écrans qui étaient sur la table. Je pouvais ainsi voir le résultat en direct (on voit d'ailleurs le reflet du flash dans l'eau sur l'écran de gauche). J'ai déclenché avec la télécommande, qui est cachée dans ma main gauche.

Option numéro 3 : La capture en mode connecté


L'avantage de cette option, c'est que vous pouvez importer vos images dans votre ordinateur à mesure et avoir un aperçu de votre traitement final. Si vous travaillez avec un portable, vous pouvez placer l'ordinateur près de vous et déclencher avec la barre espace du clavier. Par contre, vous ne pourrez pas voir le résultat avant la photo. Vous ferez donc plus de déclenchements.

Pour utiliser la capture en mode connecté, vous aurez besoin d'un logiciel de traitement raw, comme Lightroom ou Capture One. Personnellement, j'utilise Capture One puisqu'il est beaucoup plus rapide que Lightroom pour importer les images. 

Puis vous aurez aussi besoin d'un fil usb à usb mini. Il y en a souvent un qui vient avec votre appareil photo. Sinon, vous pouvez trouver le câble dont vous avez besoin chez Tether Tools ou sur Amazon.

DÉFI créatif : comment créer un autoportrait mémorable


Pour réussir votre autoportrait, vous pouvez conceptualiser votre shooting à l'avance afin de penser au résultat final. Parmi les éléments à prévoir, il y a l'émotion et les couleurs, l'éclairage, la pose et les vêtements et accessoires.

Les couleurs


Les couleurs utilisées vont main dans la main avec les accessoires que vous utiliserez ainsi que le décor. Allez-vous utiliser des couleurs vives ou plus neutres? Des couleurs complémentaires ou semblables? 

L'inspiration pour la palette de couleur peut venir d'une pièce de vêtement, de l'environnement choisi, ou encore d'une photo qui n'a rien à voir avec le portrait. 

Par exemple, c'est une photo de design d'intérieur qui m'a inspiré les couleurs pour cet autoportrait!

autoportrait dans le style d'un éditorial de mode, dans l'eau turquoise avec un maquillage orange

Pour cet autoportrait, c'est le rouge à lèvres mauve qui a été la première inspiration.

autoportrait inspiré d'un publicité de rouge à lèvre violet

L'éclairage


Si votre photo est prise en lumière naturelle, vous aurez peut-être besoin de planifier votre séance en fonction de l'état de la lumière naturelle selon les moments de la journée.

Par exemple, si vous souhaitez prendre la photo à l'extérieur, il se pourrait que vous ayez besoin d'attendre la fin de la journée. Vous pouvez planifier votre séance à l'avance en faisant quelques tests la veille de votre prise de vue.

Si vous faites plutôt une séance en studio, ce sera plus facile si vous possédez des flashs avec une lampe de modelage ou un éclairage continu. Ainsi, vous pourrez prévoir l'éclairage final pendant la prise des photos.

Finalement, un autoportrait a les mêmes exigences pour l'éclairage que n'importe quel type de portrait. Un éclairage plus latéral aura tendance à faire ressortir les défauts de la peau tandis qu'un éclairage plus frontal ou à 45 degrés sera généralement plus avantageux.

Il serait aussi préférable d'avoir une lumière douce, par exemple la lumière d'une journée nuageuse, la lumière provenant d'une fenêtre, ou encore la lumière modifié par un soft Box en studio.

Exemple, pour cette auto portrait, j'ai simplement utiliser un soft Box à l'avant à 45° ainsi qu'un éclairage pour les cheveux derrière moi.

autoportrait sur find gris neutre et maquillage intense

Les vêtements


Parfois, on peut baser une séance entière sur le vêtement porté pendant la séance.

En effet, nous avons tous (enfin, les filles surtout!) des pièces de vêtements que nous gardons pour des occasions spéciales mais qui, dans la réalité, ne sont pas faciles à porter ou à agencer.

Un autoportrait et le moment parfait pour utiliser ces vêtements là.

Pour cette photo, j'ai utilisé un body suit qui me faisait penser à un justaucorps de danse. Ainsi, tout le concept tournait autour d'une coiffure, d'un maquillage et d'une pose qui rappelait une danseuse de ballet.

autoportrait inspiré de la danse classique avec un bodysuit noir et un chignon de ballerine

La pose


Lorsqu'on fait un autoportrait, cela peut prendre une éternité lorsqu'on doit changer constamment de pose, surtout si notre appareil photo a de la difficulté à faire la mise au point.

Ça peut être un défi de taille également lorsque l'espace est limité et lorsqu'on doit constamment changer le cadrage. Un remède à ce problème est d'avoir une idée claire du concept qu'on veut réaliser et de savoir déjà quel type de cadrage et de pose on souhaite avoir.

Par exemple, cette photo a été inspiré d'une publicité de produits capillaires. Je voulais m'inspirer de l'éclairage et de la pose dans la publicité pour en faire ma propre version.

Il y avait aussi certaines restrictions techniques pour cette photo. Entre autres, avant de faire le montage pour les cheveux, il était plus facile pour moi de me prendre de profil afin de pouvoir voir le résultat final dans mon écran en même temps que je prenais la photo. Je m'assurais ainsi que mes cheveux restaient dans le cadrage.

autoportrait de profil mettant en valeur une queue de cheval qui vole en l'air et une retouche esthétique avancée

Conclusion


Bref, créer un autoportrait mémorable comporte son lot de défi, à commencer par la technologie. L'une des meilleures options demeure d'utiliser l'application mobile du fabricant pour déclencher, faire la mise au point et avoir un aperçu de la photo finale à partir de votre téléphone.

Si votre appareil n'a pas la fonction wi-fi, vous pouvez également utiliser un écran et une télécommande à distance, ou encore utiliser la capture en mode connecté de Lightroom ou Capture One

Ensuite, tout portrait réussi nécessite un bel éclairage et une certaine recherche esthétique. Pensez à votre pose, concept et accessoires à l'avance pour un résultat impeccable! 

Enfin, certains logiciels peuvent vous aider à prévoir votre éclairage à l'avance, comme Set a Light de Elixxier. C'est d'ailleurs le logiciel que j'ai utilisé pour les simulations d'éclairage dans cet article. Vous pouvez trouver la version d'essai ici: ​https://www.elixxier.com/​​​

Maintenant que je vous ai donné mes trucs et astuces, oserez-vous relever le défi? Partagez votre autoportrait dans le Lab des Photographes inspirés!


à propos de moi

Plusieurs années après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Les 5 erreurs d’éclairage qui gâchent vos portraits!

Certains photographes semblent être de vrais magiciens. Leurs photos sont parfaites à tous les coups. Comment font-ils? Est-ce leur équipement? Non! Leur façon de retoucher leurs images? En partie. Leur cadrage? Aussi! 

Mais, on oublie souvent un élément capital dans l'équation : l'éclairage. 

Les maîtres photographes portraitistes sont aussi des maîtres de la lumière. Ils savent comment éclairer leurs sujets pour les rendre encore plus beaux. Non seulement ça, mais ils savent aussi éviter les faux pas en éclairage qui gâchent les portraits instantanément! 

Alors, cette semaine, je vous parle des 5 pires erreurs d'éclairage en portrait. Nous allons voir comment les identifier, et surtout, comment y remédier! 

Erreur numéro 1 : la source d'éclairage est trop haute

Si vous avez déjà fait des photos en plein soleil de midi, vous savez de quoi je parle! 

Comme le soleil est haut, juste au-dessus de la tête des sujets ou presque, le soleil éclaire le front, le nez et les pommettes de vos sujets, mais laisse leurs yeux dans le noir total. C'est ce que j'appelle le look raton laveur! 

Dans ce cas, les yeux ne sont pas illuminés et le visage est bariolé de lignes d'ombres trop marquées. 

D'ailleurs, ce genre d'effet peut se manifester avec n'importe quelle source de lumière trop haute : un luminaire au plafond, un puits de lumière dans la maison, le ciel au-dessus d'une longue ruelle, ou un flash mal positionné! 

Lorsque la source de lumière est trop haute,  ​les yeux se retrouvent dans le noir...

La solution à un éclairage trop haut
 

Premièrement, tentez de changer la position de vos sujets en relation avec la source de lumière. Essayez de leur faire incliner la tête vers la lumière. Sinon, cherchez un endroit couvert pour bénéficier d'un éclairage plus facile à contrôler. 

Si vous pouvez changer l'angle de votre éclairage parce que vous utilisez de la lumière artificielle, n'hésitez pas! 

Pour éliminer le problème de l'éclairage trop haut, essayez de faire placer votre sujet plus en direction de la lumière... ou à l'opposé!

Erreur numéro 2 : La source de lumière est trop basse


Ce problème est très fréquent lorsque vous faites des photos à l'extérieur. 

Le soleil se réfléchit sur le trottoir, la rue ou une surface pâle quelconque. 

Ainsi, vous éclairez votre sujet par-dessous. 

Résultat : les ombres se retrouvent à des endroits inhabituels sur le visage de vos sujets, notamment au-dessus de la lèvre, sur le nez et au-dessus des pommettes, ce qui n'est pas flatteur du tout. 

Lorsque la source de lumière est trop basse, on se retrouve avec un éclairage anormal qui n'avantagent pas nos sujets!

Ce genre de problème survient aussi lorsque vous utilisez un réflecteur argenté que vous positionnez trop bas. Pour voir l'effet, je vous recommande cette vidéo:

Comment remédier à l'éclairage trop bas?

Lorsque vous remarquez que la lumière se réfléchit sur une surface pâle, causant un éclairage par dessous, essayez d'empêcher la réflexion. 

Par exemple, si la lumière se réfléchit au sol, déposez-y quelque chose de noir pour absorber la lumière. Ça peut être un tissu, un manteau ou le côté noir de votre réflecteur. 

Si la lumière se réfléchit sur un comptoir, essayez d'y déposer un napperon. 

Si c'est à cause de votre réflecteur, changez-en la position, soit en l'amenant plus en hauteur pour changer l'angle de la lumière. 

Si vous placez votre réflecteur plus haut, les ombres et lumières seront plus naturels. Bon. Je sais que mon exemple n'est pas idéal compte tenu le fait que je tenais le réflecteur moi-même... mais vous comprenez l'idée! 

Erreur numéro 3 : l'éclairage est trop frontal

L'éclairage trop frontal est le problème typique du flash intégré de l'appareil photo... et des photos de passeport! 

L'éclairage se trouve exactement à la même hauteur que le sujet, en plus d'être de face complètement. 

Résultat : il n'y a aucune ombre sur le visage. Ainsi, le visage de votre sujet semble complètement plat, sans aucun volume. 

Personne n'est avantagé par la lumière du flash direct de l'appareil! 

Comment éliminer l'éclairage trop frontal?

Si vous utilisez le flash intégré de votre appareil, éteignez-le. 

Besoin d'éclairage d'appoint pour les situations d'éclairage plus faible? Préférez un flash cobra possédant une tête rotative.

Cela vous permettra de faire rebondir la lumière au plafond, et cela aura pour effet de changer la direction de la lumière et de la rendre plus douce! 

La même photo, prise avec un flash cobra pointé vers le plafond blanc. La lumière se réfléchit sur le plafond, devenant ainsi plus douce et mieux dirigée!

Erreur numéro 4 : l'éclairage est inégal

Cette situation se produit souvent lorsque vous faites des photos de votre sujet à l'ombre d'un arbre et que la lumière passe à travers les feuilles. 

Ceci crée un éclairage inégal et très contrasté. Résultat : votre sujet se retrouve avec des taches surexposées sur le visage. 

Sous l'ombre de l'arbre, la lumière fait des taches sur le sujet, ce qui fait en sorte de surexposer certaines zones et d'en sous-exposer d'autres.

Comment éliminer l'éclairage inégal?

D'abord, si c'est possible, essayez de placer les parties éclairées à des endroits stratégiques. Par exemple, exposez pour les parties plus éclairées, et placez la lumière vis-à-vis les yeux de votre sujet.

Sinon, utilisez un réflecteur pour atténuer les parties trop claires.

Si vous n'avez pas de réflecteur, tournez votre sujet dos à la lumière. Ainsi, peu importe les taches, elles n'affecteront pas négativement votre sujet!

Une fois tournée dans la direction opposée, je profite encore de la lumière plus douce à l'ombre de l'arbre, Cependant, je me suis débarrassée des taches de lumières, qui sont maintenant dans mon dos!

Erreur numéro 5 : vous avez des sources de lumières de couleurs différentes

Avez-vous déjà eu l'impression que la lumière sur votre sujet était de différentes couleurs? Que votre sujet à la moitié du visage orange sur vos photos? 

Ceci arrive souvent lorsque vous faites des photos à l'intérieur et que vous utilisez à la fois la lumière du jour et la lumière artificielle.

Ça arrive aussi en studio, lorsque vos flashs sont réglés à faible intensité et que les luminaires de votre studio sont allumés.

Enfin, si vous utilisez un flash cobra en même temps qu'un éclairage artificiel, vous aurez aussi des problèmes.

Comme ces deux (ou trois, ou quatre) sources de lumière ont une couleur différente, aucun réglage de balance des blancs ne vous permet d'égaliser tout cela, et la couleur n'est jamais vraiment à point.

La lampe de chevet, beaucoup plus orangée que la lumière du jour venant de la fenêtre, donne un aspect orangé au visage.

Comment éliminer les problèmes de couleurs d'éclairage?

La première solution est de simplement éliminer les lumières parasites. Si vous êtes à l'intérieur et que vous utilisez la lumière d'une fenêtre, éteignez l'éclairage artificiel de la pièce. En studio, éteignez les lumières pour n'utiliser que vos flashs.

Si vous utilisez un flash cobra à l'intérieur, placez une gélatine correctrice sur votre flash pour que la couleur du flash soit la même que la lumière ambiante!

SAns la lampe de chevet, l'éclairage est plus cohérent!

Conclusion

Bref, l'art de l'éclairage est une discipline à part entière qui nécessite beaucoup d'attention.

Lorsqu'on est distrait par les réglages, le cadrage et les poses, ce n'est pas facile d'identifier et de corriger les problèmes d'éclairage.

Cela dit, dans cet article, je vous ai parlé des 5 erreurs les plus fréquentes en éclairage, ainsi que comment les identifier et les corriger. 

Si vous appliquez tous ces trucs, vous verrez une nette amélioration dans vos photos! 

Sur ce, je vous dis à bientôt, et bonnes photos!


à propos de moi

Plusieurs années après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

5 trucs pour améliorer votre composition!

Est-ce qu’il vous arrive de vous retrouver devant une photo qui avait tout pour réussir, mais qui est restée un peu BOF? 

Vous êtes vous déjà demandé pourquoi vos photos n’attirent pas l’attention? 

Si oui, vous allez adorer le thème de la semaine! Cette semaine, je vous donne mes trucs les plus utiles pour améliorer votre composition! 


Truc numéro 1 : gardez la ligne d’horizon droite!
 

Imaginez entrer dans une maison et voir un plancher qui penche! Vous allez vous sentir en déséquilibre, n’est-ce pas? Ça ne sera pas agréable. 

C’est exactement ce que ressentent vos spectateurs lorsqu’ils voient une photo «croche».

Mais comment s’assurer d’avoir un horizon droit? 

D'abord, activez la grille dans votre viseur. Ainsi, vous allez voir tout de suite si l’horizon n’est pas droit. Vous pouvez aussi valider le tout en affichant le niveau dans votre appareil. Si la ligne d’horizon n’est pas visible, utilisez les lignes verticales comme repères (les arbres, les édifices, etc).

Grille dans le viseur d'un appareil nikon

Mais si l’horizon n’était pas droit à la prise de vue ou que la ligne d’horizon semble courbée, voici quoi faire!

Premièrement, activez la correction de l’objectif dans votre logiciel de traitement. Cet outil permet d’éliminer les défauts de l’objectif quand votre photo a l’air bombée.

Panneau de Correction de l'objectif dans Lightroom

Ensuite, dans l'outil transformation, vous pouvez  corriger les perspectives s’il y a lieu. C'est très utile surtout en architecture lorsque les verticales ne sont pas droites. 

Module de transformation de Lightroom

Deuxièmement, utilisez l’outil de recadrage pour faire tourner votre photo jusqu’à qu’elle ait l’air bien droite! 

Outil de recadrage de Lightroom


Truc numéro 2 : utilisez la règle des tiers!
 

Vous avez probablement déjà entendu parler de la fameuse règle des tiers. Mais qu’est-ce que c’est exactement? 

La règle des tiers divise une image en 9 parties égales, avec deux lignes verticales et deux lignes horizontales, comme une grille de tic-tac-toe.

La règle des tiers veut que les points les plus forts de l’image se trouvent sur les lignes et au croisement des lignes de tiers. 

Donc, essayez de placer votre sujet principal ou la ligne d’horizon sur la ligne de tiers. En portrait, placez l’oeil le plus net au croisement des lignes. 

Si vous avez de la difficulté à visualiser la règle des tiers, vous pouvez aussi utiliser les outils de recadrage de vos logiciels de traitement. Ils ont souvent une grille pour vous aider à mieux visualiser la règle des tiers! 

Photo recadrée selon la règle des tiers dans Lightroom


Truc numéro 3 : Simplifiez! 

Avez-vous déjà eu besoin d’expliquer ce que vous avez photographié? C’est poche! Mais pourquoi ça arrive?

Si vous devez expliquer ce que vous avez photographié, c’est parce que le sujet principal de votre photo n’est pas évident.

Quand vous décidez de prendre une photo, posez-vous la question : «qu’est-ce que je veux montrer?». 

Puis, simplifiez. Avant de prendre votre photo et de vous en aller, demandez-vous ce que vous pouvez éliminer de votre photo. 

Ensuite, vous pouvez: 

  • Vous rapprocher de votre sujet
  • Zoomer quitte à remplir le cadre presque uniquement avec ce sujet
  • Rendre l’arrière-plan plus flou
  • Vous déplacer et changer l’angle de l’appareil pour éliminer les distractions


Il y a plein de solutions possibles! Mais le principe est simple : si ça n’ajoute rien à la photo…enlevez-le! 

Voici un exemple de photo simplifiée par la composition. Dans la première photo, la fenêtre est une distraction. Alors, je me suis déplacée de l'autre côté de la rue pour avoir un arrière-plan plus uniforme.

Photo de modèle sur la rue avec une fenêtre derrière elle qui dérange la composition
Photo de modèle sur la rue devant un mur de couleur et texture neutre et uniforme


Truc numéro 4 : faites des compositions équilibrées

Avez-vous déjà utilisé la règle des tiers, pour ensuite constater que votre photo n’est pas tellement mieux? 

La vérité est que la règle des tiers n’est pas parfaite. Parfois, de placer le sujet au tiers de la photo crée du vide inutile. Tout le «poids» dans l’image se retrouve d’un seul côté. 

Pour régler le problème, on ajoute alors un autre élément dans l’image pour redonner de l’équilibre à la photo.

Comment fonctionne l'équilibre en composition? Voici quelques exemples.

Pour la première photo prise par Robert Lukeman, la cascade est très à droite dans le cadrage. Par contre, son «poids» est balancé avec celui du ciel, qui a autant d’intérêt et occupe autant d’espace, du côté opposé.

Photo d'une cascade au coucher du soleil par Robert Lukeman

Pour la deuxième photo, prise par David Marcu, le lac et la montage sont de la même taille et sont placés de façon presque symétrique de part et d’autre de la diagonale centrale. Encore une fois, un équilibre parfait! 

Photo d'un lac dans les montages, par David Marcu

Pour la troisième photo, il y a un bel équilibre entre les tons clairs et foncés. La moto prend beaucoup d’espace, mais la personne à côté en plus des rochers vient équilibrer la composition. Remarquez aussi comme l’espace entre les sujets et les côtés de la photo est pratiquement identique!

Photo d'un motard et sa moto en silhouette sur le bord de l'eau au coucher du soleil, par harley davidson

Comment appliquer l'équilibre à vos images? 

Pensez en termes de grand vs petit, vertical vs horizontal, ombre vs lumière, intérêt primaire et secondaire, emplacement dans le cadrage. Essayez de vous positionner de différentes façons pour créer de l’équilibre! 

Insert Video


Truc numéro 5 : encadrez vos sujets! 

Avez-vous déjà entendu parler du cadre dans le cadre? 

Cette technique de composition est très simple. Le but est d’utiliser des éléments du décor pour encadrer votre sujet. 

De cette façon, vous empêchez au regard de vos spectateurs de se «sauver» en dehors de votre photo! Cool, non? 

Vous pouvez utiliser toutes sortes de choses pour encadrer vos sujets : les bâtiments, les arbres, du feuillage, etc. 

Voici quelques exemples, de Nathan Dumlao, Benjamin Suter et Ole Witt ! 

Rocher encadré par des rochers sur la plage, par Nathan Dumlao
Piéton encadré par les édifices et les lignes au sol dans une grande ville américaine, par Benjamin Suter
Chalet dans les montages encadré par les branches enneigées d'un connifère, par Ole Witt

Conclusion

Bref, il y a une tonne de façons d'améliorer votre composition. 

Dans cet article, j'ai inclus les trucs et astuces qui m'ont le plus aidé à avoir des photos mieux cadrées qui ont plus d'impact! 

J'espère que cet article vous aidera à faire de meilleurs photos! 

N'hésitez pas à me partager vos astuces préférées dans les commentaires! 

Sur ce, je vous dit à bientôt, et bonnes photos! 


à propos de moi

Plusieurs années après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Comment changer la couleur des vêtements dans Photoshop

Il peut arriver que vous ayez besoin de changer la couleur des vêtements dans Photoshop.

Que ce soit pour mieux agencer les vêtements de plusieurs personnes dans un portrait de famille ou pour un catalogue à la demande d'un client,  savoir changer la couleur vous sera très utile. 

Donc, aujourd'hui, je vous enseignerai comment changer la couleur des vêtements dans Photoshop, avec l'outil teinte-saturation et le filtre de couleur unie. 

Ces deux techniques très simples vous dépanneront dans la une gros éventail de situations. Vous allez pouvoir utiliser la même méthode pour changer la couleur d'à peu près n'importe quoi. 

Et si vous préférez apprendre en vidéo, voici le tuto! 

Étape 1 : la sélection


Il existe plusieurs façons de faire un sélection dans Photoshop. 

Par contre, plusieurs méthodes sont longues, difficiles ou simplement inefficaces. 

Ma méthode de sélection préférée, surtout lorsqu'il s'agit de précision, est la sélection par plage de couleurs.

Avec cette méthode, Photoshop sélectionne tout ce qui est inclus dans les teintes que vous avez déterminées. 

Voici comment utiliser la sélection par plage de couleur : 

Allez à sélection / plage de couleurs.

Dans la fenêtre de plage de couleur, sélectionnez l'option pipette dans le menu déroulant en haut de la fenêtre.

Cliquez sur le vêtement à modifier avec la pipette.

Vous pouvez enlever ou ajouter des parties à la sélection avec les pipettes à droite de la fenêtre.
Si la sélection n'est pas parfaite à ce point-ci, pas de panique! La sélection est enregistrée sur un calque, que vous pourrez modifier facilement.


étape 2 : le changement de couleur


Pour changer la couleur des vêtements ou d'autres objets, il y a 2 techniques que j'utilise très souvent : teinte-saturation et couleur unie.  Certaines situations se prêtent mieux à l'une ou l'autre des techniques. Alors n'hésitez pas à essayer les deux!

Changer La couleur avec teinte-Saturation

La technique de teinte saturation permet de changer n'importe-quelle couleur pour une autre en faisant des variation de la couleur (teinte) et de la saturation.

Cette méthode permet aussi de changer uniquement certaines plages de couleurs sans avoir fait de sélection au préalable. Si vous voulez voir comment faire, je vous suggère d'aller voir cette vidéo.

Pour notre photo d'exemple, voici la marche à suivre. 

Assurez-vous que la sélection faite précédemment est encore active. Sélectionnez le réglage de teinte-saturation dans le panneau des ajustements. Un masque sera automatiquement ajouté au réglage.

Comme la sélection a déjà été faite pour le chandail, nous allons simplement bouger les curseurs de teinte et de saturation jusqu'à ce que la couleur soit convenable, en laissant le paramètre prédéfini  à par défaut et le réglage de zone à global.

Dans le cas de cette photo, il semblerait que le chandail ait certaines dominantes de couleurs. Pour avoir un meilleur résultat, nous allons utiliser un autre technique.

CHANGER LA COULEUR AVEC le filtre de couleur unie

Le filtre de couleur unie sert à appliquer une couleur spécifique à l'image en entier ou à certaines zones. La beauté de cette technique est qu'il est très facile de changer l'effet de la couleur sur l'image en changeant le mode de fusion ou en ajoutant un masque.

En plus, comme c'est un réglage dynamique, il est très facile de changer la couleur en quelques clics. C'est donc beaucoup plus efficace que de peindre directement sur un calque et avoir à changer le calque en entier. 

Pour notre photo, voici comment faire.

Dans le bas du panneau des calques, cliquez sur le biscuit demi-lune. Puis, cliquez sur le premier réglage en haut du menu, c'est à dire couleur unie.

Dans le sélecteur de couleur, choisissez une couleur proche de ce que vous voulez. Pas besoin d'être précis, parce que vous pourrez changer la couleur très facilement plus tard.

Changez le mode de fusion de l'ajustement pour teinte ou couleur. Vous pouvez le changer pour teinte si vous voulez conserver le niveau de saturation d'origine. Dans ce cas, on veut avoir plus de saturation, alors allons-y pour couleur.

Maintenant, la couleur prendra toute la place dans la photo. Par contre, nous pouvons utiliser la sélection faite précédemment pour appliquer la couleur à ce qu'on veut. Pour cela, il suffit de cliquer sur le masque en tenant la touche opt ou alt enfoncée, puis de le glisser sur l'ajustement de couleur unie.

Si la couleur n'est pas exacte, il suffit de cliquer à nouveau sur l'ajustement de couleur unie pour changer la couleur. Le sélecteur apparaîtra et vous pourrez cliquer sur un élément du décor avec la pipette pour l'agencer parfaitement.

ÉTAPE 3 : Parfaire la sélection

Généralement, la sélection par plage de couleur fonctionne très bien sans laisser trop d'éléments indésirable dans la sélection. 

Par contre, lorsque la couleur sélectionnée se retrouve un peu partout dans le décor, on a un peu plus de défi à relever. 

Dans ce cas-ci, le chandail à changer de couleur était peu saturé, et notre sélection a inclus la neige et le ciel aussi. 

Voici donc comment y remédier. 

Pour modifier un masque facilement, il faut d'abord bien voir ce qu'on fait. Pour bien voir votre masque, cliquez dessus tout en tenant la touche opt ou alt enfoncée. 

Sélectionnez l'outil pinceau avec l'opacité et le flux à 100%. Puis, peignez par dessus les parties blanches autre que le chandail à changer. N'allez pas trop près du chandail pour ne pas dépasser.

Pour noircir les parties près du chandail sans dépasser, utilisez l'outil densité plus. Puis, dans la barre d'outils du haut, changez la gamme pour tons foncés. De cette façon, vous allez foncer uniquement les tons foncés.

Pour pâlir les zones déjà pâles sans affecter les zones foncées, utilisez l'outil densité moins. Pour la gamme de tons, utilisez tons clairs.

S'il reste des zones à arranger, vous pouvez finir avez le pinceau. 

Une fois terminé, cliquez à nouveau sur votre réglage en tenant la touche alt ou opt enfoncée pour revoir votre photo dans son état normal.


Conclusion

Bref, c'est comme cela que je change la couleur de n'importe quel objet dans Photoshop. 

Que vous ayez des vêtements à changer de couleur ou n'importe quoi d'autre, la méthode demeurera sensiblement la même. 

En résumé, pour changer la couleur d'un élément dans Photoshop, vous devez, dans un premier temps, effectuer une sélection efficace. Pour cela, j'utilise souvent la sélection par plage de couleur. 

Ensuite, vous pouvez utiliser l'ajustement de teinte-saturation ou le filtre de couleur unie. Dans ce cas précis, nous avons vu que le filtre de couleur unie était plus efficace. 

Enfin, il faut finaliser la sélection si la sélection initiale n'était pas parfaite. Pour y arriver facilement, je vous ai enseigné comment le faire en affichant d'abord clairement votre masque, puis en peignant par dessus. Pour éviter de dépasser, n'oubliez pas la magie de l'outil densité plus et densité moins! 

Bref, j'espère que ce tutoriel vous sera utile pour vos futurs projets de retouche! 

N'hésitez pas à me laisser vos questions et impressions dans les commentaires!

Sur ce, je vous dit à bientôt, et bonnes photos! 


à propos de moi

Quatre ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Comment ajouter de la netteté avec Lightroom!

Ça nous est tous déjà arrivé de souhaiter avoir des photos vraiment nettes, avec les contours aussi tranchants qu’une lame de rasoir.

Mais, on rencontre souvent plusieurs défis lorsque vient le temps d’ajouter de la netteté. Comment faire? Quelle est la meilleure façon de faire pour avoir un beau résultat naturel? 

Aujourd’hui, je vous montre comment y arriver grâce à Lightroom! Vous allez voir que son module de développement nous donne de très bons outils pour ajouter de la netteté.

Pour y arriver, on va se baser sur l’outil de netteté qui se cache dans l’onglet Détails du module de développement. Prêts? C’est parti!


Les erreurs à éviter lors de l’ajout de netteté 


Évidemment que les photos nettes sont plus intéressantes que les photos floues, ça ne fait aucun doute.

Alors, on est tous intéressés par l’idée de rendre nos photos ultras nettes dans différents logiciels de traitement comme Lightroom et Photoshop.

Mais, on peut se retrouver avec certains problèmes si on ne fait pas assez attention.

Par exemple, il arrive souvent qu’on y aille un peu trop fort, ce qui a tendance à rendre les images trop texturées.

On voit aussi apparaître des espèces de halos plus pâles au niveau des contours de l’image.

Il arrive aussi que le fait d’ajouter de la netteté va aussi accentuer le bruit dans la photo.

Le pire est quand on  ajoute de la netteté à une photo qui avait déjà été prise avec un iso élevé, parce que dans ces cas-là, le bruit est vraiment très accentué.

On peut aussi, à l’occasion, voir les lignes droites plus fines devenir comme des escaliers, et les photos qui deviennent pixellisées. Bref, avec l’ajout de netteté comme avec la consommation d’alcool, la modération a meilleur goût! 


Pourquoi ajouter de la netteté avec Lightroom? 


Lightroom vient avec plein d’outils très pratiques pour ajouter de la netteté à vos photos, facilement et rapidement, dans l’onglet Détails du module de développement.

Cet outil ressemble beaucoup à l’outil unsharp mask (ou renforcement), mais en mieux, parce qu’il nous donne plus de contrôle sur la façon exacte d’ajouter de la netteté.

L’avantage d’utiliser Lightroom est que vous pouvez facilement appliquer la même netteté à une série complète d’images en seulement quelques clics.

En plus, le faire dans Lightroom est non destructif, c’est-à-dire que vous pourrez facilement annuler ce que vous avez fait si jamais vous changez d’avis, en autant que vous n’ayez pas fait d’autres retouches dans Photoshop par la suite.

Enfin, vous pouvez aussi créer un paramètre prédéfini d’ajout de netteté que vous pourrez ensuite ajouter à toutes vos photos lors de l’importation, ce qui vous fera sauver beaucoup de temps. 


Quels réglages utiliser pour ajouter de la netteté dans Lightroom?


Maintenant que je vous ai convaincu que Lightroom était une excellente option pour ajouter de la netteté à vos photos, je vais vous montrer comment le faire sur vos images.

Je vais utiliser une de mes photos comme exemples, mais je vous conseille de suivre avec votre propre photo en même temps pour vous exercer.

Premièrement, une fois dans Lightroom, appuyez sur le raccourci clavier D de votre clavier pour accéder au module de développement.

Zoomez ensuite dans votre photo pour la voir à 100%. Vous pouvez le faire en appuyant sur la barre espace. Si cela ne fonctionne pas, vérifier que vous avez appliqué la bonne échelle dans la fenêtre de navigation qui se trouve en haut du panneau de gauche.

Ensuite, dans le panneau de droite, défilez vers le bas jusqu’à arriver à l’onglet détails. Si vous ne voyez rien, cliquez sur le triangle à droite pour ouvrir cet onglet.

Vous allez voir 4 différents curseurs que vous pourrez utiliser. Voici leur utilité.


Le curseur de gain


Le curseur de gain sert à décider de la quantité de netteté à appliquer. Lorsque le curseur est à zéro, cela signifie qu’il n’y a pas d’ajout de netteté.

Plus le chiffre augmente, plus il y a de netteté d’ajouté.

Personnellement, je mets souvent ce curseur entre 50 et 60 par défaut, mais il arrive que j’en mette plus ou moins selon si j’ai du bruit dans mes images ou non.


Le curseur de rayon

Le curseur de rayon sert à déterminer en quelque sorte de quelle largeur vous voulez appliquer la netteté.

Par exemple, si vous utilisez un rayon de 1, cela veut dire que Lightroom va appliquer la netteté à raison de 1 pixel autour des lignes de votre image.

Si vous allez jusqu’à 3, qui est le maximum, vous allez ajouter 3 pixels au niveau des contours, ce qui va être un peu trop intense. Je vous suggère de rester autour de 1, voir 1.5 au maximum.


Le curseur de détail


Le curseur de détail vous permet de contrôler à quel point Lightroom va ajouter de la netteté aux détails fins de votre photo.

Si la valeur de détail est à 0, cela signifie que la netteté va être appliquée seulement aux contours les plus marqués, tandis qu’à 100, même les plus petits détails seraient touchés.

Essayez de rester en bas de 50 pour garder le bruit au minimum.

Le curseur de masquage

Le curseur le plus intéressant est probablement le curseur de masquage. Cet outil vous permet d’être vraiment précis pour déterminer ce qui sera touché ou non par la netteté.

En fait, le masquage sert à cacher certaines parties de la photo pour qu’elles ne soient pas touchées par l’ajout de netteté.

Par exemple, pour un portrait, vous pourriez vouloir ajouter de la netteté pour les contours du visage, les sourcils, les cils, les yeux, les lèvres, mais pas tous les pores de peau.

Ou, si vous avez un sujet sur un fond flou, appliquer de la netteté partout va créer du bruit dans les zones floues.

Mais, avec le masquage, vous pouvez l’éviter facilement.


La fonction cachée de Lightroom : la touche ALT ou OPT

Même quand votre image est à 100%, il peut être difficile de vraiment bien voir l’effet de l’ajout de netteté dans votre photo.

Mais, si vous appuyez sur la touche alt sur PC ou opt sur mac, en même temps que vous utilisez les curseurs, vous verrez exactement l’effet sur votre photo.

Par exemple, si vous le faites avec le curseur de rayon, vous allez bien voir l’effet sur votre photo. Si on monte le curseur à 3, vous allez vous que la photo a beaucoup de halos blancs au niveau des contours.

Avec les curseurs gain et de détail, vous allez aussi voir votre photo sur un fond gris pour mieux percevoir la différence.

Pour le curseur de masquage, c’est un peu différent avec la touche alt ou opt.

En fait, un peu comme les masques dans Photoshop, ce qui est noir est caché et ce qui est blanc apparaît.

Donc, lorsque le curseur de masquage est à zéro, vous allez voir des éléments blancs un peu partout dans la photo.

Mais, plus vous allez bouger le curseur vers la droite, plus il y aura de parties noires, et donc des parties qui n’auront pas d’ajout de netteté. 


La netteté de sortie, c’est quoi?

La netteté de sortie dans Lightroom est faite pour rajouter de la netteté lorsque vous exportez votre photo en dehors de Lightroom.

Vous vous demandez certainement pourquoi il serait nécessaire d’ajouter de la netteté à une photo que vous venez de rendre plus nette.

En fait, si vous exportez votre photo en taille réelle, vous n’avez pas besoin d’activer la netteté de sortie.

Je vous recommanderais même de la laisser décochée.

Mais, si vous devez redimensionner vos photos en plus petit pour le web, les photos ont tendance à perdre un peu de netteté. Vous pouvez donc l’activer en mettant l’option netteté pour écran à faible.

Allez-y avec parcimonie, parce que cette fonction n’est pas aussi précise que les outils du module de développement et l’image va devenir plus nette dans l’ensemble. 


Conclusion

Bref, dans cet article, je vous ai montré comment bien utiliser l’onglet détails du module de développement.

On a vu comment les 4 curseurs fonctionnent, ainsi que leurs principaux avantages.

Grosso modo, j’utilise pour la plupart de mes photos, un gain d’environ 50 à 60, un rayon de 1 à 1.5, le détail autour de 50 au maximum et le masquage varie selon les photos. Évidemment, c’est à titre de référence seulement, mais vos photos pourraient avoir besoin de plus ou moins selon les situations. 

Sachez aussi que ce tutoriel a été pensé plutôt pour les photos normales qui ont besoin d’un léger ajout de netteté. Mais, si vous avez une photo qui est vraiment floue, il se peut que vous n’arriviez pas à la corriger avec Lightroom.

Sur ce, n’hésitez pas à me laisser vos questions et vos impressions dans les commentaires!

À bientôt et bonnes photos! 


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Softbox, parapluie, beauty dish… lequel choisir et pourquoi!

crédit photo Sam McGhee sur unsplash

Si vous débutez en photographie de studio, vous allez être confronté à un choix difficile. En effet, débuter en photographie de studio implique de se procurer de l'équipement parfois coûteux, et le choisir n'est pas toujours une partie de plaisir!

En effet, le nombre d'accessoires sur le marché est plutôt assommant. Il y en a énormément, de tous les types et de tous les prix.

Alors, inévitablement, vous vous poserez LA fameuse question : softbox, parapluie ou beauty dish? Lequel choisir? À quoi ça sert?

Pas de panique! Aujourd'hui, je vous enseignerai tout ce qu'il faut savoir sur la lumière et les différents modificateurs de lumière. Vous allez apprendre les principales différences entre les différents modificateurs ainsi que le résultat qu'ils ont sur vos photos.

En bonus, je vous montre une série d'images pour voir les différences dans la vraie vie!

Prêts? C'est parti!

À quoi servent les modificateurs de lumière comme les parapluies et les softbox?

La lumière est notre principal outil en photographie, exactement comme la peinture pour un peintre. Pas de lumière, pas de photo.

Même si cela peut paraître évident, le rôle que la lumière a à jouer pour la réussite d'une photo est souvent sous-estimé.

Vous pouvez avoir le sujet le plus extraordinaire qui soit, avoir tout planifié, avoir le meilleur équipement, votre photo peut être très ordinaire si la lumière n'a pas été prise en compte.

Lorsqu'on parle de la lumière, il y a 3 éléments qui entrent en ligne de compte: la force de la lumière, la direction de la lumière, et la qualité de la lumière.

Les modificateurs de lumière : un outil pour contrôler la qualité de la lumière!

Quand on parle de qualité de la lumière, on fait surtout référence à son aspect, si elle est douce ou dure.

La lumière dure, c'est comme la lumière du soleil. Les ombres sont noires et marquées. La lumière douce, elle, ressemble plus à la lumière d'une journée nuageuse : les ombres sont moins foncées et plus estompées.

Selon le sujet photographié en studio (ou même à l'extérieur) vous aurez besoin de prendre contrôle de la qualité de la lumière. Et la façon de la contrôler, c'est d'utiliser le bon accessoire pour obtenir le résultat que vous avez imaginé.

Qu'est-ce qui rend la lumière douce ou dure?

Il y a principalement deux choses qui influencent si la lumière est douche ou dure :

  1. La taille de la source de lumière par rapport au sujet
  2. La diffusion de la lumière

Plus la source de lumière est grosse, plus la lumière est douce

Avez-vous déjà fait des photos avec le flash intégré de votre appareil? Probablement que oui! Et comme vous l'aurez probablement constaté, la lumière qu'il nous donne est très dure. C'est parce que le flash intégré de l'appareil est minuscule!

Par contre, si vous utilisez un flash cobra et que vous faites rebondir votre flash sur un plafond, votre nouvelle source de lumière devient le plafond. C'est donc beaucoup plus gros, et la lumière devient beaucoup plus douce.

Le principe est le même si vous utilisez un accessoire plus gros pour diffuser la lumière. À même distance de votre sujet, un softbox plus gros donnera une lumière plus douce qu'un softbox identique, mais plus petit.

Par contre, la distance entre la source de lumière et le sujet a aussi un impact sur sa taille relativement au sujet. Pensons au soleil entre autres. Il est énorme. Pourtant, sa lumière est dure. Pourquoi? Parce qu'en étant très loin de nous, il est petit par rapport à nous.

En studio, vous avez beau avoir le parapluie le plus énorme du monde, s'il est très loin, la lumière ne sera pas aussi douce!

Crédit photo : Randy Fath sur unsplash

Diffuser la lumière pour l'adoucir

Lorsque le temps est couvert, la lumière est plus douce parce que les nuages diffusent la lumière. En studio, le même concept s'applique avec les accessoires.

Si vous utilisez un flash nu, c'est un peu comme utiliser la lumière directe du soleil. Votre source de lumière est petite, et vous n'avez rien pour la diffuser. Par contre, du moment qu'une couche de tissus se retrouve entre le flash et le sujet, la lumière est plus diffuse. Plus il y a de couches entre le flash et le sujet, plus ce sera diffus!

Quel accessoire choisir?

Le choix de votre accessoire de studio préféré dépendra principalement de votre budget, et aussi de la qualité de lumière que vous cherchez à avoir. Si vous faites beaucoup de photo de portrait, vous serez probablement attiré vers les accessoires qui donnent une lumière plus douce.

Si vous faites de la photo de mode, vous serez plus intéressé par un éclairage un peu plus dur, qui laisse place au détail, pour le maquillage, entre autres.

Cher ou pas cher? Est-ce vraiment important?

Autant être honnête, quand vous débutez, acheter l'accessoire le plus cher ne vous sera d'aucune utilité. Oui, les accessoires plus chers sont plus durables et souvent plus pratiques, mais il est bon de ne pas trop investir au début, pour essayer sans se ruiner. D'autant plus qu'un prix plus élevé amène souvent des fonctionnalités qui sont pratiques, mais pas forcément essentielles.

Par exemple, j'adore les softbox Paul C Buff parce qu'ils se montent plus facilement. Cependant, cette fonction ne serait pas très utile pour quelqu'un qui n'a jamais besoin de démonter son équipement!

À force d'utiliser certains accessoires, vous développerez des préférences. Quand vous saurez ce que vous aimez le plus et ce que vous utilisez le plus souvent, vous serez en mesure d'investir dans un accessoire de qualité en sachant pour quoi vous payez!

Évidemment, vos préférences auront un lien direct avec le genre de photo que vous faites le plus souvent!

L'ami des petits budgets : le parapluie

Les parapluies ont plusieurs avantages, surtout lorsqu'on débute en photographie de studio. Ils sont économiques, peu encombrants et faciles à monter et à démonter. De plus, pas besoin de se casser la tête à savoir si le parapluie pourra être utilisé avec la source de lumière qu'on a : c'est plutôt universel!

Un autre avantage des parapluies est que vous pouvez en avoir de très grands parapluies pour beaucoup moins cher qu'un softbox de taille équivalente!

On retrouve 3 types de parapluies :

  1. Les parapluies blancs translucides. On placera alors le flash pour que la lumière passe au travers du parapluie, ce qui la rend plus diffuse.
  2. Les parapluies réfléchissants argent ou blancs. Dans ce cas, le flash sera pointé vers l'intérieur du parapluie, dans le sens opposé au sujet. Ainsi, la lumière se réfléchit dans le parapluie et devient plus grosse. Par contre, elle n'est pas diffusée en tant que telle. Ce type d'éclairage sera plus contrasté que le parapluie translucide.
  3. Les parapluies réfléchissants avec diffuseur. Ces parapluies sont exactement comme les parapluies réfléchissants, mais avec en plus une couche de tissus diffuseur. C'est pratiquement le croisement d'un parapluie et d'un softbox.

Les parapluies ont par contre certains désavantages. D'abord, comme ils sont ronds, il ont tendance à envoyer de la lumière partout, ce qui rend l'éclairage un peu plus difficile à contrôler! Ensuite, les baleines des parapluies ainsi que la tête de flash sont souvent visibles dans les yeux des sujets ou sur les objets réfléchissants, ce qui est moins intéressant.

Portrait éclairé avec un parapluie argent
Portrait éclairé avec un parapluie blanc translucide

Pour la première photo, j'ai utilisé un parapluie argent. La lumière est plutôt dure. Pour la deuxième photo, j'ai utilisé un parapluie blanc translucide. L'éclairage est plus doux. 

Pour un éclairage doux et facile à contrôler, utilisez un softbox!

Généralement plus dispendieux que les parapluies, les softbox ont plusieurs avantages.

Le premier est que comme ils ont souvent deux panneaux de tissus diffuseur, ils produisent un éclairage plus doux.

Ensuite, leur forme rectangulaire (quoiqu'il y a aussi des softbox en forme d'octogone) rend la lumière plus facile à diriger. Vous pourrez plus facilement concentrer la lumière sur votre sujet.

Finalement, les softbox se réfléchissent en forme de rectangle complètement blanc, ce qui vous rendra la tâche énormément plus simple pour les photos de produits, surtout ceux qui sont très réfléchissants.

Vous trouverez des softbox rectangulaires, étroits (aussi appelés stripbox) et en forme d'octogone (aussi appelés octobox). La forme à choisir dépendra de votre usage. Vous devrez aussi vous assurer que le softbox que vous achetez a la bonne monture pour votre flash.

portrait pris avec un softbox 32 par 40 pouces
portrait pris avec un stripbox 10 par 36 pouces
portrait pris avec un octobox

Pour la première photo, j'ai utilisé un softbox de 32 par 40 pouces. La deuxième photo a été faite avec un strip bos de 10 par 36 pouces. Le fait qu'il soit plus petit crée une lumière plus dure. Remarquez aussi le reflet plus étroit dans les yeux. Finalement, la 3e photo a été faire avec un octobox. Le résultat est semblable au softbox rectangulaire, mais avec un reflet rond dans les yeux. 

Le bol beauté ou beauty dish : pour une lumière bien définie

Un bol beauté, aussi appelé beauty dish, est un modificateur de lumière en métal en forme de cercle.

Son fonctionnement est simple. On le place sur la tête de flash. Puis, une plaque de métal devant le flash renvoie  la lumière vers le fond du bol beauté. La lumière est ainsi redirigée vers le sujet, comme avec un parapluie. La principale caractéristique de la lumière d'un beauty dish est qu'elle est relativement douce, mais laisse quand même place aux détails, ce qui en fait le choix par excellence pour les photos de beauté et maquillage!

On trouve habituellement deux ou trois tailles différentes de bols beauté, soit environ 16 pouces, 22 pouces et 27 pouces. La taille du beauty dish a un impact sur la qualité de la lumière. Plus il est gros, plus la lumière sera douce, à distance égale du sujet.

Il existe des bols beauté de différentes finitions. Certains ont l'intérieur argent, d'autres ont l'intérieur blanc. La différence entre les deux est que le bol beauté argent produit une lumière un peu plus dure et contrastée que le beauty dish blanc.

bol beauté avec nid d'abeille

Ce qui est bien avec les bols beauté est qu'ils sont très polyvalents. Vous pouvez les utiliser seuls, ou y ajouter des accessoires! Par exemple, vous pouvez y ajouter un nid d'abeille pour concentrer la lumière sur votre sujet. Vous pouvez aussi y ajouter un tissu diffuseur pour le transformer en softbox rond!

portrait pris avec un bol beauté
portrait pris avec un bol beauté et nid d'abeille
portrait pris avec un bol beauté et nid diffuseur

Pour la première photo, j'ai utilisé mon beauty dish blanc. Sut la deuxième photo, j'ai ajouté le nid d'abeille pour concentrer la lumière, ce qui a créé l'effet de vignette dans la photo. Sur la 3e photo, j'ai enlevé le nid d'abeille et j'ai mis le diffuseur sur le bol beauté. Le résultat ressemble à l'octobox mentionné plus haut.

Les autres accessoires à connaître

Si les parapluies, softbox et beauty dish sont les principaux accessoires d'éclairage à connaître, il y a d'autres accessoires intéressants! En voici quelques-uns!

Les panneaux diffuseur

Les panneaux diffuseur existent dans plusieurs formes et plusieurs tailles différentes. Vous pouvez trouver des réflecteurs multi-usages qui vont avoir les côtés réfléchissants et un diffuseur également. C'est très pratique pour les photos à l'extérieur lorsque vous devez adoucir la lumière du soleil.

Il y a aussi de grands panneaux diffuseurs rectangulaires que vous pouvez utiliser pour diffuser n'importe quel flash de studio. C'est une option très intéressante lorsque vous voulez avoir une lumière douce sans dépenser pour un softbox.

joannie tenant un diffuseur rond durant une séance de portrait

Les V-Flats

Il s'agit de gros panneaux en foamcore blanc ou noir qu'on assemble pour former un V. La plupart des photographes en ont des blancs, qui agissent comme réflecteurs, ou noirs, qui contrôlent les débordements de lumière.

En studio, ils sont très pratiques parce qu'ils tiennent tout seuls.

Dans cette vidéo, vous pouvez voir comment faire vos prores v-flats pour vraiment pas cher!

Les nids d'abeille

Les nids d'abeilles sont des accessoires circulaires avec des alvéoles. Ces alvéoles servent à concentrer la lumière. Plus les alvéoles sont petites, plus le cercle de lumière est concentré. On les utilise souvent pour créer un halo sur le fond derrière le sujet, ou encore éclairer de petites parties des sujets séparément.

nid d'abeille devant un flash équipé d'une gélatine rouge et de portes de grange

Conclusion

Bref, dans cet article, nous avons vu qu'avant de choisir un modificateur de lumière, il faut connaître les principales caractéristiques de la lumière qu'on veut avoir, et ce qui peut nous donner les résultats voulus.

En gros, pour avoir une lumière très diffuse, vous aurez besoin d'un modificateur de lumière de grande taille en rapport avec le sujet. Ensuite, la forme et les matériaux de votre accessoire influencent aussi le résultat.

Voici, en ordre de la lumière la plus dure vers la plus douce, à taille égale :

  • flash nu
  • beauty dish argent
  • parapluie argent
  • beauty dish blanc
  • parapluie blanc (réfléchi)
  • parapluie blanc (translucide)
  • parapluie blanc ou argent (réfléchi) avec diffuseur devant
  • Softbox ou beauty dish avec diffuseur

J'espère que cet article vous aura aidé à faire le choix du bon accessoire pour vos besoins. Comme toujours, si vous avez des questions, n'hésitez pas à me les écrire en commentaires!

À bientôt, et bonnes photos!


à propos de moi

4 ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Comment exposer dans les situations très contrastées?

On cherche tous à avoir l’exposition parfaite. Que nos photos ne soient jamais trop claires ou trop sombres. Qu’on ait toujours les réglages parfaits pour la photo parfaite, qui fonctionnent dans toutes les situations. Que l’appareil photo ne se trompe jamais.

Mais, en vérité… ce n’est pas si simple que ça. Comme vous le savez certainement, chaque situation est unique, et les réglages à utiliser pour avoir la bonne exposition le sont tout autant.

Évidemment, l’appareil photo vous donne plusieurs outils pour trouver la bonne exposition, comme l’histogramme et le posemètre.

D’ailleurs, pour en savoir plus sur l’exposition et le triangle d’exposition, ainsi que l’histogramme et le posemètre, je vous invite à aller lire mes articles à ce sujet!

Alors que d’avoir une exposition qui semble globalement bonne est un objectif atteignable pour la majorité d’entre nous, avoir du détail partout dans une image où il y a beaucoup de contraste est beaucoup plus complexe que ça en a l’air.

De plus, certaines situations particulières font en sorte que l’appareil photo se trompe à presque tous les coups.

Alors, aujourd’hui, je m’attaque aux situations qui rendent l’exposition parfaite impossible à obtenir…ou presque!

Nous allons voir pourquoi l’appareil peut se tromper, et que faire pour rectifier la situation. Nous allons aussi voir pourquoi il est parfois mieux de surexposer ou sous-exposer une photo volontairement. Puis, nous parlerons aussi de la photographie HDR (ou grande plage dynamique) pour les situations les plus complexes.
 

La plage dynamique : pourquoi votre appareil ne peut pas tout voir

La plage dynamique, c’est ce qui définit l’étendue des tons dans une scène, du plus foncé au plus pâle. La plage dynamique s’exprime en stops ou IL (pour indice de luminance).

Pour vous faire un rappel, une différence de +1 stop revient à doubler la quantité de lumière, et -1 stop à couper la lumière de moitié. Encore une fois, je vous invite à aller lire mon article sur le triangle d’exposition pour en savoir plus!

Même si les appareils modernes sont de plus en plus performants, ils ne peuvent quand même pas voir toute l’étendue des tons que nos yeux sont capables de voir.

À titre indicatif, nos appareils photo voient normalement autour de 10 stops de plage dynamique. Nos yeux, eux, en voient 24 stops! C’est énormément plus!

Alors évidemment, pour avoir une photo fidèle à ce qu’on a vu, il faut utiliser quelques stratagèmes pour tirer le meilleur des fichiers que notre appareil nous donne! Ces stratagèmes auront tous le même but : réduire la plage dynamique de la scène et contrer les erreurs de lecture d’exposition.


Comment l’appareil décide-t-il de la bonne exposition?

Avant d’expliquer comment régler les problèmes d’exposition, il faudrait en savoir un peu plus à propos de comment l’appareil décide de ce qui correspond à une bonne exposition.

En fait, l’appareil photo possède un posemètre interne qui lui permet de deviner la bonne exposition. Pour analyser l’image, l’appareil n’a aucune notion de couleurs. Il voit la scène en noir et blanc, et cherche à amener la photo à un gris 18%. Ce gris est en fait la moyenne entre les tons les plus clairs de l’image et les tons les plus foncés de l’image.

Peu importe le mode de mesure de l’exposition et peu importe si vous faites vos photos en mode priorité à l’ouverture, priorité à la vitesse, manuel, etc., l’appareil cherchera toujours à amener la zone analysée vers le gris moyen.

À quoi ça rime dans la vraie vie?

Ça veut dire que dès que vous demandez à votre appareil d’analyser une scène où il y a des éléments très pâles ou très foncés, il va se tromper.

Ça peut être lorsque vous faites une photo à contre-jour, une photo des mariés qui portent du blanc et du noir un à côté de l’autre, un paysage où vous avez des zones d’ombres et des zones très éclairées, un sujet pâle sur fond pâle, et ainsi de suite.

Voici quelques exemples. Pour ces exemples, j’ai décidé de donner un défi à mon appareil avec des photos à moitié noires, et à moitié blanches.

Dans cette photo, j’ai utilisé le mode de mesure spot, et j’ai fait la lecture d’exposition avec mon collimateur de mise au point en plein centre. L’appareil m’a donné un résultat plutôt satisfaisant. 

Maintenant, voici ce qui s’est passé lorsque j’ai fait ma lecture d’exposition sur le blanc, puis sur le noir. Ça ne va pas du tout. L’appareil a ramené vers le gris moyen dans les deux cas, et j’ai obtenu la mauvaise exposition.

résultat de mesure spot sur le blanc
résultat de la mesure spot sur le noir

Alors quelle est la solution pour éviter ce genre d’erreurs? Voici quelques pistes!


Réduire la plage dynamique dès la prise de vue


Comme nous l’avons vu précédemment, pour arriver à un bon résultat dans les cas de fort contraste, il faut réduire le contraste à la prise de vue, réduire la plage dynamique.

Pour faire cela, il faut soit réduire la luminosité des parties les plus claires, ou augmenter la luminosité des zones plus sombres! Voici quelques solutions possibles.


Utiliser un filtre gradué dans vos photos de paysage


Le filtre gradué est un morceau de verre qui est teinté seulement en partie. Il en existe de différentes densités, de plus pâle à plus foncé.

filtre gradué tenu devant l'objectif

Souvent, on utilise un filtre gradué pour assombrir un ciel trop clair dans les photos de paysages ou de coucher de soleil.

L’avantage du filtre gradué est que vous passerez moins de temps au post-traitement. Le désavantage est que vous devrez tenir le filtre gradué devant votre objectif, rendant la prise de photo à main levée un peu trop compliquée.


Utiliser un réflecteur


Si vous photographiez un sujet à l’ombre, mais que l’arrière-plan est trop clair parce qu’il est au soleil, vous pouvez utiliser un réflecteur.

Le réflecteur va vous permettre de renvoyer de la lumière du soleil vers votre sujet et de contrôler du même coup l’angle de la lumière.

 En éclairant davantage votre sujet, vous aurez une luminosité plus uniforme entre l’arrière-plan et le sujet. L’exposition sera donc plus facile à maîtriser!

Dans la première photo, j'ai fait mon exposition en utilisant la mesure spot sur le ventre du chien. Malheureusement, les parties les plus claires de l'image sont brûlées. Dans la deuxième image, j'ai fait mon exposition sur les hautes lumières pour éviter de les brûler, mais le reste de la photo est trop sombre. Finalement, en conservant les mêmes réglages que sur la deuxième photo, j'ai ajouté un réflecteur argent à gauche du petit chien pour ajouter de la luminosité. L'exposition est bonne partout.

Utiliser un flash pour déboucher les ombres

Si vous faites des photos à l’intérieur, mais que vous voulez aussi voir à l’extérieur, ou encore si vous êtres à l’ombre et que l’arrière-plan est au soleil, vous pouvez utiliser un flash pour éclaircir les zones plus sombres.

 Attention par contre! Le flash intégré de votre appareil ne vous donnera pas de très beaux résultats.

Essayez plutôt d’exposer pour que les parties plus claires ne soient pas surexposées. Puis, utilisez un flash cobra en mode TTL, que vous ferez rebondir sur une surface neutre pour avoir une lumière uniforme.

Dans la première photo, j'ai fait mon exposition en utilisant la mesure spot sur le ventre du chien. Malheureusement, les parties les plus claires de l'image sont brûlées dans ce cas aussi. Dans la deuxième image, j'ai fait mon exposition sur les hautes lumières pour éviter de les brûler, mais le reste de la photo est trop sombre. Finalement, en conservant les mêmes réglages que sur la deuxième photo, j'ai  utilisé mon flash cobra en mode TTL, en le faisant rebondir au plafond, pour ajouter de la luminosité. L'exposition est bonne partout.

Cadrer autrement

Si vous avez le soleil en pleine face, il est possible que vous ayez de la difficulté à faire votre mise au point ou à exposer correctement.

Ce n’est qu’un exemple parmi d’autres, où vous aurez probablement un éclairage qui est tout sauf idéal. 

Si vous voyez que c’est le cas, n’hésitez pas à vous déplacer!


Modifier la plage dynamique au traitement


Si vous faites vos photos en raw, vous savez à quel point vous avez de la latitude pour modifier l’exposition après la prise de vue!

Si vous ne l’avez jamais essayé, je vous conseille de lire mon article sur les fichiers jpeg vs les fichiers raw. Cela vous donnera certainement envie de commencer à faire vos photos en raw!

Cependant, pour faire une belle retouche de votre fichier raw et corriger la plage dynamique, vous devrez avoir toute l’information nécessaire, à la base.

Donc, il faut parfois exposer différemment que ce que notre appareil pense correct, pour exploiter au maximum la plage dynamique que notre appareil veut bien nous donner.


Exposer à droite : c’est quoi et pourquoi?


Vous avez probablement déjà entendu parler de l’expression «exposer à droite». Mais ça vient d’où? À quoi ça sert?

Exposer à droite vient du fait que pour utiliser cette technique, on tient compte de la partie à droite de notre histogramme : les hautes lumières.

Le principe est assez simple. Pour exposer à droite, il faut que les parties les plus éclairées de votre image soient aussi claires que possible, mais sans que la partie de droite de l’histogramme ne touche le côté de l’histogramme. Vous pouvez aussi activer l’avertissement des hautes lumières pour voir si certaines zones sont surexposées.

L’idée d’exposer à droite est d’avoir le plus d’information possible dans votre photo, sans jamais brûler les hautes lumières dans votre photo, parce que les hautes lumières brûlées sont IMPOSSIBLES à récupérer.

Le fait de prioriser les hautes lumières et d’éclaircir le plus possible sans rien brûler vous permettra d’avoir une photo retouchée qui sera plus «propre».

Pourquoi?

Parce qu’il y a plus d’information dans les hautes lumières que dans les ombres d’une image. Sans tomber dans un excès de technique, récupérer les ombres au traitement crée beaucoup plus de bruit numérique, et il est préférable d’avoir une photo légèrement plus claire qu’une photo avec des ombres bouchées qu’on essaie de ramener!

Pour arriver à exposer à droite, il faudra utiliser la correction d’exposition ou le mode manuel.

Voici un exemple de deux photos. L’une a été prise à une exposition normale, et l’autre en exposant à droite. Avec le traitement, ces deux images ont l’air identiques. Mais, si je zoom dans les photos, sans corriger le bruit numérique, vous voyez que la photo avec une exposition à droite a beaucoup moins de bruit!

D’ailleurs, exposer à droite ne veut pas forcément dire que votre photo sera globalement surexposée. Elle pourrait aussi être sous-exposée, dans certains cas, si les hautes lumières que vous tentez de protéger sont très claires. Si c’est le cas, il faudra que vous décidiez si certaines de ces zones claires peuvent être sacrifiées.

Ce sera le cas, entre autres, si le soleil est visible dans votre photo!


Sous-exposer volontairement une image : quand et pourquoi?

Si votre photo est très contrastée et que vous ne pouvez pas améliorer la situation avec les méthodes que j’ai mentionnées plus haut, exposer à droite est une des solutions les plus simples et les plus efficaces.

Mais, si l’écart est très grand entre les hautes lumières et les ombres, comme quand vous faites un portrait au coucher du soleil, par exemple, vous pourriez être forcé de sous-exposer de beaucoup votre photo.

Si, par exemple, il y a une partie du soleil qui est visible, et que les cheveux de votre sujet sont éclairés par-derrière, une exposition normale va les rendre complètement surexposés. Même si vous essayez de réduire l'exposition au traitement, ces zones resteront blanches.

Pour les récupérer, il faudra réduire l’exposition pour les protéger. Mais, ce faisant, vous allez sous-exposer l’image en entier. Donc, lorsque vous récupérerez les zones plus sombres, vous créerez du bruit numérique. Ce n’est pas idéal, MAIS c’est probablement préférable à une zone complètement brûlée!

L’idée est que lorsque vous faites des photos en raw, essayez de capturer votre photo pour avoir le plus d’information possible dans votre fichier, quitte à surexposer ou sous-exposer lorsque c’est nécessaire.


Quand rien ne va plus : le HDR (grande plage dynamique)

Si vous n’avez rien sous la main pour réduire la plage dynamique dans la scène dès la prise de vue, et que l’écart entre les hautes lumières et les ombres est beaucoup trop important pour tout capturer dans une même photo, vous pouvez essayer le HDR.

Le HDR, qui est un acronyme pour High Dynamique range, est une technique de photo qui permet, comme son nom le dit, de capturer une plus grande place dynamique.

En gros, pour faire un HDR, il faut capturer plusieurs images avec une exposition différente, certaines étant sous-exposées, bien exposées, et surexposées. On appelle cette méthode le bracketing.

Selon les appareils photo, il est possible de faire un bracketing d’exposition très facilement. Il suffit d’activer la fonction de bracketing automatique (AEB chez canon et BKT chez Nikon) et l’appareil changera automatiquement l’exposition entre chaque photo.

Pour voir comment utiliser le bracketing automatique de votre appareil, vous pouvez consulter une de ces vidéos!

Si votre appareil ne vous permet pas de faire un bracketing automatique, vous pouvez le faire vous-même. Il suffit d’utiliser une correction d’exposition d’abord à -3, puis à -2, à -1, à 0, plus à +1, +2 et +3.

Attention par contre, vous devez vous assurer que votre appareil ne bougera pas trop entre les photos. Un trépied est préférable.


Comment créer votre photo à grande plage dynamique?

Une fois que vos photos sont prises, vous devrez les combiner dans un logiciel de traitement d’image.

Dans Lightroom, c’est très facile à faire. Il suffit d’importer vos images de différentes expositions. Puis, sélectionnez vos images. Enfin, faites un clic droit sur l’une de vos images et cliquez sur Fusion, puis HDR. 

Vous verrez ensuite un aperçu de l’image finale. Puis, cliquez sur fusionner. Ensuite, vous pourrez ajuster votre photo pour en tirer le maximum!

Conclusion


Avoir l’exposition parfaite, ce n’est pas évident. Parfois, avoir l’exposition parfaite à la prise de vue est presque impossible.

Dans cet article, on a vu que l’appareil photo ne voit pas une plage dynamique aussi large que nos yeux. Donc, il faut utiliser quelques petits stratagèmes pour capturer le plus d’information possible dans nos photos.

 Dans un premier temps, le mieux est toujours d’essayer de réduire les écarts entre les ombres et les hautes lumières, soit avec un réflecteur, un flash, ou encore en modifiant notre composition.

Si réduire la plage dynamique n’est pas possible à la prise de vue, il faut plutôt essayer de capturer autant d’information que possible en une seule photo en exposant à droite, ou en faisant un bracketing pour faire une fusion HDR par la suite.

Bref, j’espère que cet article va vous avoir donné les outils pour maîtriser les photos très contrastées.

Comme toujours, si vous avez aimé l'article, n’hésitez pas à le partager et à me laisser vos impressions dans les commentaires!

À la prochaine, et bonnes photos!


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

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