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La photo sur fond blanc : photographier les gens

Vous souhaitez vendre vos projets d’artisanat? Vous avez une petite boutique en ligne? Vous vendez des objets sur Ebay? Votre cousin, votre frère ou votre ami est un entrepreneur? Vous faites des montages photo? Vous faites du web marketing? Vous souhaitez travailler comme photographe?

Peu importe la question à laquelle vous avez répondu oui, vous avez un point en commun.

Vous avez besoin de photos sur fond blanc, sans ombres.

Mais, avoir des photos sur un fond parfaitement blanc est beaucoup plus complexe que ça en a l’air.

Vous avez trop d’ombres, votre un fond est un peu trop gris, vous passez beaucoup trop de temps à détourer sur Photoshop ou vos résultats ne sont tout simplement pas uniformes?

Quels que soient les défis que vous avez à surmonter, faire des photos sur fond blanc ne devrait pas être compliqué!

C’est pourquoi j’ai décidé d’écrire une mini série d’articles à ce sujet!

Aujourd’hui, pour la première partie de cette série, nous allons voir comment photographier les gens sur fond blanc.

Nous allons voir exactement ce dont vous avez besoin pour réussir vos portraits ou photos de vêtements sur fond blanc dès la prise de vue!

Puis, je vous expliquerai comment éclairer votre fond et votre sujet pour les meilleurs résultats possible.

Enfin, je vous montrerai une manière très simple de traiter vos images pour rendre votre fond parfaitement blanc!

Prêts? Allons-y!

De quoi avez-vous besoin pour faire des photos sur fond blanc?


Avant d’entrer dans les détails du matériel à se procurer pour faire des photos sur fond blanc, je vous invite à consulter mon article sur comment équiper son studio photo pour pas cher. Vous y trouverez une foule d’astuces et d’aubaines pour commencer à équiper votre studio si ce n’est pas déjà fait!

Pour photographier des personnes sur fond blanc, vous aurez besoin des bons outils! Voici une petite liste du matériel que je vous conseille pour commencer à faire des photos sur fond blanc!

Le fond blanc


Votre fond peut simplement être le mur de votre salon, si celui-ci est peint en blanc, évidemment. Tant que vous ne faites pas de photo en plein pied, un simple mur blanc fera l’affaire. Si vous faites des photos en plein pied, vous aurez besoin d’un sol aussi blanc que votre mur. Sinon, bonjour le détourage complexe!

Vos murs sont tous très colorés et vous voulez faire des photos en plein pied? Vous aurez besoin de fonds en papier blanc. L’avantage du papier est qu’il est très lisse. Vous éviterez d’avoir à vous en faire avec un tissu froissé.

Les fonds de papiers se vendent généralement en deux tailles : 5 pieds ou 9 pieds.

Si vous faites des photos en plein pied, optez pour un fond de 9 pieds. Cela vous facilitera beaucoup la vie en vous donnant assez d’espace pour vos photos. Cependant, si vous ne faites que des plans rapprochés de vos sujets, un fond de 5 pieds conviendra parfaitement!


L’éclairage


Personnellement, je préfère travailler avec des flashs. Ceux-ci sont offrent généralement plus de contrôle et plus de puissance. Ils permettent d’avoir un résultat constant, en plus d’éviter le flou de mouvement dû à une vitesse d’obturation trop lente.

Quel est le type de flash idéal pour les photos sur fond blanc?


Il existe plusieurs types de flashs de vous pouvez utiliser pour réussir vos photos sur fond blanc. Que ce soit un flash de type cobra ou un plus gros flash de studio, vous pourrez obtenir de bons résultats. La différence principale se trouvera dans le prix. (Vous avez des problèmes de photos floues? Cliquez ici!)

Si vous débutez et que vous avez un budget limité, je vous suggère de vous procurer les flashs cobra yongnuo YN-560 IV. Ils sont peu chers et sont faciles à utiliser, en plus d’être faciles à transporter si vous devez installer votre matériel ailleurs que chez vous à l’occasion.


De combien de flashs avez-vous besoin?


Pour obtenir un arrière-plan parfaitement blanc, vous allez devoir éclairer le fond lui-même séparément de votre sujet. Donc, vous aurez besoin d’un minimum de deux flashs : un pour le fond, et un pour votre sujet. Sachez par contre que si vous cadrez plus large, il est possible qu’un seul flash ne soit pas suffisant pour éclairer le fond en entier. Ainsi, si votre budget le permet, avoir au moins trois flashs serait l’idéal.

Au final, le nombre de flashs nécessaire dépend directement de la taille du sujet que vous photographiez. Si vous faites un gros plan d’un visage, deux flashs suffiront. Cependant, il m’est déjà arrivé de faire des photos de famille sur fond blanc avec pas moins de CINQ flashs seulement pour éclairer le fond!


Les accessoires à avoir pour de belles photos sur fond blanc


Dans mon article à propos de comment monter son premier studio pour pas cher, j’ai parlé de nombreux accessoires à ce procurer pour équiper son studio. Je vous recommande fortement à le consulter, si vous débutez!

Voici quand même la petite liste des accessoires à avoir :

  • Les trépieds pour flashs. Vous pouvez en trouver à mini prix sur Amazon.
  • Un kit de support pour votre fond. Optionnel si vous collez votre fond de papier au mur. Personnellement, j'utilise cette pôle télescopique avec ces trépieds.
  • Des déclencheurs pour flash ou un fil Synchro flash. Si vos flashs sont munis d’un oeil magique, ils se déclencheront aussitôt qu’un autre flash s’activera. Vous pouvez donc brancher votre appareil photo à votre flash principal avec un fil Synchro flash, et tous les flashs se déclencheront. Pour éviter de s’encombrer de fils supplémentaire, je vous suggère d’avoir un émetteur pour l’appareil et un récepteur pour le flash. Je recommande la marque Vello, qui offre un bon rapport qualité-prix. 
  • Un posemètre, pour évaluer plus facilement l’exposition à utiliser pour votre sujet. Pour apprendre à utiliser un posemètre, je vous recommande cette vidéo.
  • Des modificateurs de lumière, comme des boîtes à lumière ou parapluies.


La photographie sur fond blanc : les bases à connaître


Si vous êtes nouveau dans l’univers de la photographie de studio, je vous invite fortement à consulter mon article sur les éclairages de base à connaître lorsque vous débutez en studio. J’y explique plusieurs des bases en photographie au flash. Il vous aidera à mieux comprendre certains des concepts que j’aborde ici!

Le défi avec la photo sur fond blanc est qu’en plus de se soucier de bien exposer le sujet, il faut également se préoccuper de bien exposer le fond.

Il y a 3 paramètres qui influencent l’exposition du sujet lorsqu’il est éclairé au flash : la puissance du flash, l’ouverture du diaphragme de l’appareil photo, et la distance entre le sujet et le flash.

C’est ce troisième paramètre qui rend la photographie sur fond blanc plus complexe. Logiquement, le sujet et l’arrière-plan ne peuvent pas être tous les deux à la même distance du flash. Ainsi, si le sujet est bien exposé, le fond ne pourra pas être bien exposé aussi. Donc, en utilisant un seul flash, il arrivera l’une de ces deux choses. Soit votre fond blanc deviendra gris, soit il sera presque blanc, mais vous verrez l’ombre de votre sujet dessus.

Pour éviter ces problèmes, vous devez éclairer le fond lui-même. Voici comment.


Éclairer le fond pour les plans plus serrés


Si vous faites des plans plus serrés, comme des gros plans, par exemple, placez un flash nu directement derrière votre sujet, dirigé vers le fond. Gardez au moins un mètre de distance entre le flash et le fond, pour lui donner la possibilité de couvrir un espace plus grand.

Pour déterminer la puissance du flash à utiliser, commencez par faire vos photos avec votre sujet en silhouette, sans votre éclairage principal. Ajustez votre appareil à f/8 ou f/11, 1/125 seconde, iso 100.

Puis, activez le signal de surexposition dans votre appareil photo. Cette fonction vous permettra de voir facilement les parties de votre image qui sont surexposées.

Signal de surexposition sur le
Nikon D750

Ensuite, augmentez graduellement la puissance du flash jusqu’à ce que le fond soit surexposé complètement, ou presque. L’idée est de surexposer le fond autant que possible, mais sans que la lumière ne déborde trop sur les contours de votre sujet.

Éclairage du fond à un seul flash

Si la lumière déborde sur les contours de votre sujet, votre flash de fond est trop fort.


Éclairer le fond pour les plans plus larges


Le problème lorsque vous faites des photos sur fond blanc en plan plus large est qu’il sera beaucoup plus difficile de cacher un flash derrière votre sujet. Non seulement cela, mais le flash nu a tendance à être beaucoup plus fort au centre, et beaucoup moins sur les côtés. Il sera donc très difficile de surexposer le fond de façon uniforme de cette manière.

Alors, comment faire pour éliminer le problème?

La première étape est d’utiliser deux flashs pour le fond. Placez-les de chaque côté du fond, de manière à l’éclairer avec un angle de plus ou moins 45 degrés.

Pour la première image, j'ai activé uniquement les flashs qui éclairent le fond. Comme l'intérieur de mon studio est complètement blanc, la lumière se réfléchit partout. C'est ce qui fait que je ne suis pas complètement en silhouette. Sur la deuxième image, j'ai activé mon flash principal pour être bien exposée. Ces deux images n'ont pas été retouchées.

Je vous recommande aussi d’utiliser des modificateurs de lumière, comme des softbox, par exemple, pour disperser la lumière. Ainsi, les flashs couvrent une zone plus large et votre fond sera éclairé de manière plus uniforme. De plus, les softbox agiront pour bloquer les débordements de lumière sur votre sujet.

Pour ajuster les flashs, assurez-vous qu’ils soient réglés à la même intensité. Puis, pour trouver la bonne intensité, suivez la méthode décrite au point précédent.


Éclairer le sujet avec le flash principal


Pour éclairer votre sujet avec votre 3e flash, utilisez un softbox ou un parapluie avec votre flash.

Ensuite, placez le flash directement devant votre sujet, ou légèrement de côté, et un peu plus haut que votre sujet.

Enfin, augmentez progressivement la puissance du flash principal jusqu’à ce que votre sujet vous semble être exposé correctement. Vous pourrez ajuster l’exposition au post traitement.

Cependant, je vous recommande d’utiliser un posemètre pour mesurer l’intensité de la lumière sur votre sujet, pour plus de précision.

Que faire si vous n’avez qu’un seul flash à votre disposition?


Si vous n’avez qu’un seul flash à votre disposition, obtenir le fond blanc parfait peut être un peu plus difficile, mais pas impossible. Vous devrez cependant utiliser un logiciel de traitement pour rendre le fond parfaitement blanc, ou presque! 

Pour l'image de gauche, je me suis positionnée à a peine quelques centimètres du mur et j'ai utilisé seulement mon flash principal. Sur la deuxième image, j'ai augmenté l'exposition des blancs dans Lightroom. Sur la troisième image, j'ai ramené l'exposition des hautes lumières à la normale avec l'outil pinceau correcteur.

Placez votre flash principal directement devant votre sujet, mais en hauteur. Ainsi, l’ombre de votre sujet se retrouvera derrière lui. Ajustez la puissance du flash pour que l’exposition soit appropriée.

Approchez votre sujet du fond jusqu’à ce que l’arrière-plan soit le plus pâle possible, sans laisser apparaître trop d’ombre.

Post-traitement des photos de personnes sur fond blanc


Si vous avez suivi ce guide jusqu’à présent, vos fichiers raw demanderont très peu de travail au post-traitement. Vous pourrez obtenir le fond blanc parfait seulement avec Lightroom!


Étape 1 : régler la balance des blancs


À quoi bon prendre des photos sur fond blanc, si vos blancs ne sont pas blancs?

Pour régler la balance des blancs dans Lightroom, il suffit d’utiliser l’onglet de balance des blancs dans le panneau de droite du module de développement. Essayez d’utiliser le réglage automatique. Cela fera l’affaire dans la plupart des cas. Si toutefois cela ne fonctionne pas, essayez de réajuster le tout avec les curseurs de température et de teinte.


Étape 2 : Éclaircir les blancs sans surexposer le sujet


Pour éclaircir les parties du fond qui ne seraient pas encore parfaitement blanches, utilisez le curseur des blancs dans l’onglet exposition du panneau de droite du module de développement.

Pour savoir quand vous arrêter, vous pouvez activer l’avertissement de surexposition des hautes lumières, dans Lightroom, qui se trouve en haut à droite de l’histogramme.


Étape 3 : augmenter l’exposition dans les zones plus sombres de l’image


À cette étape, j’aime beaucoup utiliser le filtre gradué.

Il suffit de le sélectionner dans le module de développement, puis d’augmenter l’exposition de l’outil.

ÉTAPE 4 : rétablir l'exposition du sujet


Après avoir augmenté les hautes lumières et l'exposition de votre image, il est possible que votre sujet soit un peu surexposé. 

Pour rétablir la situation, utiliser le pinceau de réglage de Lightroom et peignez sur votre sujet. Réduisez les hautes lumières, les blancs ou l'exposition. Testez-les et voyez ce qui fonctionne le mieux. Vous verrez les résultats en temps réel.


Conclusion


Bref, nous avons vu comment faire des photos de personnes sur fond blanc, pour avoir un minimum de retouches à faire au post-traitement.

En résumé, nous avons vu l’équipement nécessaire aux photos de studio sur fond blanc. D’abord, il vous faudra au moins de deux à 3 flashs, un fond blanc en papier de 5 ou 9 pieds selon les plans que vous souhaitez capturer, ainsi que des déclencheurs pour vos flashs et quelques accessoires.

Ensuite, nous avons vu qu’il était primordial de surexposer le fond, en ajustant les flashs avec votre sujet en silhouette. Le but est d’avoir un fond surexposé, sans que trop de lumière déborde sur votre sujet. Lorsque vous prenez des plans plus larges, je vous conseille d’utiliser des parapluies pour éclairer le fond pour mieux disperser la lumière.

Puis, lorsque le fond a été surexposé correctement, il ne reste qu’à ajuster le flash principal pour exposer votre sujet correctement.

Enfin, un traitement très simple dans Lightroom vous permettra de rendre votre fond blanc parfait. Il suffit d’ajuster la balance des blancs, d’augmenter l’exposition des blancs, et d’éclaircir les zones plus sombres avec le filtre gradué.

Comme vous aurez pu le constater, la photographie sur fond blanc est relativement simple, lorsqu’on sait comment elle fonctionne!

Si le sujet de la photographie sur fond blanc vous intéresse, particulièrement la photographie de produits pour le e-commerce, restez à l’affût! La semaine prochaine, je vous parlerai de la photographie de produit!

À bientôt, et bonnes photos! 


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

La mise au point

À elle seule, elle peut rendre un photo extraordinairement nette… ou complètement ratée. On pense parfois avoir réglé parfaitement l’appareil photo, pour finalement regarder nos images après coup et se rendre compte qu’elles sont bonnes pour la poubelle... à cause d'elle! Non maitrisée, elle peut être votre pire ennemie! Qui donc?

La mise au point!

C'est l’une des seules choses qui ne peuvent en aucun cas être récupérées au traitement après la prise de vue. Il est donc essentiel de bien maîtriser les outils à notre disposition pour ne jamais avoir de photos floues.

Mais comment?

En maitrisant les notions de mode de mise au point…et zone de mise au point!

Essentiellement, le mode de mise au point détermine à quel moment et pendant combien de temps l’appareil fait sa mise au point. La zone de mise au point, elle, détermine l’endroit où la mise au point sera effectuée. Comment ça fonctionne? Voyons voir.

Comment fonctionne la mise au point?

Avant de plonger dans le vif du sujet, il serait pertinent de savoir comment fonctionne la mise au point.

Pour faire la mise au point, il suffit d’appuyer à mi-course sur le bouton déclencheur. L’appareil photo émet alors un son ou un signal lumineux dans le viseur pour confirmer la mise au point. Il ne reste alors qu’à appuyer complètement sur le déclencheur et le tour est joué.

Mais à l’intérieur de l’appareil, que se passe-t-il?

Dans la plupart des réflex, on retrouve des capteurs de mise au point, qui sont habituellement situés au fond de l’appareil photo, perpendiculairement au capteur numérique.

Ces capteurs de mise au point utilisent les différences de luminosité, les différences de couleurs et les contours des éléments dans l’image pour déterminer à quelle distance ils se trouvent, et ainsi faire la mise au point.

D’ailleurs, s’il vous arrive un jour d’avoir un appareil photo qui a des comportements erratiques en termes de mise au point, il est possible que vous ayez besoin de nettoyer (ou de faire nettoyer) les capteurs de mise au point. Et oui! Ces capteurs peuvent accumuler de la poussière autant que le capteur numérique.

Les modes de mise au point

Les appareils photos disposent tous de plusieurs modes de mise au point, qui portent des noms différents selon les marques et modèles. Heureusement, ces différents modes ont, en générale, tous les mêmes fonctions et avantages.  Le but de ces différents modes est de permette au photographe d’indiquer à l’appareil photo si il doit suivre un sujet en mouvement, ou simplement effectuer la mise au point sur un sujet immobile.

Voici les quatre modes de mise au point les plus répandus.

Le mode de mise au point manuel

Avec le mode de mise au point manuel, le système d’autofocus de l’appareil est en vacances! En effet, vous effectuez vous même votre mise au point à l’aide de la bague de mise au point de votre objectif. Vous utiliserez probablement cette option assez rarement, sauf dans des situations de très faible lumière (en photographie de nuit, par exemple) ou dans d’autres situations plus difficiles.

Par exemple, si vous photographiez un sujet se trouvant derrière une clôture, un sujet à contre jour, ou encore en macro photographie, il serait plus avantageux d'effectuer la mise au point manuellement.

Comment? Le principe est assez simple. Il n’y a qu’à s’assurer que le commutateur de mode automatique ou manuel soit positionné sur M. Sinon, vous risquez d’endommager l’objectif. Ensuite, tournez la bague de mise au point de l'objectif, et voilà!

J’ai photographié ce hibou grand duc en captivité. Pourtant, le fin grillage de la volière est invisible. Comment? En collant l’objectif sur le grillage et en effectuant la mise au point sur l’oiseau, le grillage est devenu flou au point de ne plus être visible.

La mise au point manuelle était indispensable pour cette photo d’une clé de guitare, prise de très près.

Le mode de mise au point simple (ou ponctuel)

Ce mode de mise est point est fait pour les sujets immobiles. Pour l’utiliser, il suffit de sélectionner ce mode de mise au point dans le menu de l’appareil photo ou à l’aide du bouton désignée à cet effet sur votre boîtier.

Pour faire la mise au point, vous n’avez qu’à positionner le collimateur de mise au point sur le sujet, d’appuyer sur le bouton de déclenchement à mi-course jusqu’à ce que vous entendiez le signal sonore (ou voyez le témoin lumineux, selon les cas) puis déclencher.

Tant que vous tenez le bouton du déclencheur enfoncé à mi-course, la mise au point sera mémorisée. Si le sujet bouge entre le moment de la mise au point et le déclenchement de l’appareil, il faudra refaire à nouveau la mise au point avant de prendre la photo.

Dans le cas du skieur, le mode de mise au point simple n’est pas celui qu’il aurait fallu utiliser. Comme ce dernier a bougé considérablement entre le moment de la mise au point et le déclenchement de la photo, celui ci est devenu flou.

Le mode de mise au point continu

Le mode de mise au point continu (AF continu ou Ai Servo) est conçu pour les sujet qui se déplacent rapidement dans la scène, particulièrement en terme de distance par rapport à l’appareil photo.

Lorsque vous utilisez ce mode de mise au point, l’appareil photo suivra le mouvement du sujet et ajustera continuellement la mise au point en temps réel, pour vous assurer une photo bien nette.

Tant que vous gardez le bouton du déclencheur enfoncé à mi-course, l’appareil photo suivra le sujet. 

Même si la cavalière et sa monture se sont approchés de moi pendant leur parcours, la mise au point est restée impeccable grâce au mode de mise au point continu.

Il y a par contre un désavantage majeur à utiliser ce mode de mise au point. Si vous photographiez un sujet immobile, mais qu’il y a des éléments de décors qui bougent devant votre sujet, l’appareil peut confondre à tort ces éléments du décors pour votre sujet et ainsi ruiner votre mise au point juste avant le déclenchement.

Ici, le sculpteur bougeait très peu en relation avec l’appareil photo. Le mode de mise au point simple aurait très bien fonctionné dans ce cas-ci. Par contre, comme la mise au point continue était activée, la dame qui est passée devant l’appareil alors que je recadrais ma photo a fait changer la mise au point...

Le mode de mise au point automatique

Le mode de mise au point automatique peut se nommer AF automatique ou Ai Focus selon les modèles de caméras. Dans ce mode de mise au point, l’appareil fera généralement la mise au point comme si le sujet était immobile.

Cependant, si l’appareil photo croit percevoir un mouvement du sujet, il changera automatiquement son mode de mise au point pour suivre le sujet.

En photographie de sport, cela peut-être très utile. Par exemple, si vous photographiez une partie de baseball et que vous ne savez pas à quel moment le joueur frappera la balle et commencera sa course vers les bases, il pourrait vous aider à éviter une photo floue, ou de rater une partie de l’action si vous devez prendre le temps de changer entre la mise au point simple ou continue.

Pourquoi ne pas simplement garder l’appareil en AF automatique (ou Ai focus) en tout temps? Parce que comme le mode de mise au point continue, celui ci peut vous causer bien des ennuis si vous photographiez un sujet immobile, mais devant lequel il y a du mouvement. N’oubliez pas que l’appareil photo n’est pas doté d’intelligente et peut se tromper!

Pour aller plus loin

Il existe une autre façon d’effectuer la mise au point qui peut s’avérer beaucoup plus simple et efficace que de passer par le bouton du déclencheur. Cette technique s’appelle la mise au point sur le bouton arrière, ou « back Button focusing ».

L’idée derrière ce concept est de séparer l’activation de la mise au point du déclenchement de l’appareil.

Mais pourquoi faire?

Lorsque vous utilisez le mode de mise au point simple pour un sujet immobile, le fait de tenir le bouton du déclencheur à mi-course mémorisera la mise au point jusqu’à se que vous déclenchiez. Mais, aussitôt que la photo est prise et que vous lâchez le bouton du déclencheur, vous serez forcé de refaire une mise au point pour prendre une autre photo.

C’est pourtant inutile de refaire la mise au point si ni vous, ni votre sujet n’avez bougé, mais que vous avez simplement modifié votre cadrage!

Avec la mise au point faite avec le bouton arrière, vous n’avez qu’à toucher ce bouton sans le tenir enfoncé, et ensuite déclencher. Tant que vous ne retouchez pas au bouton de mise au point, celle ci restera exactement la même.

Au autre avantage significatif de cette méthode est le fait de pouvoir utiliser le mode d’autofocus continu en tout temps.

Normalement, pour un sujet immobile, il faut utiliser le mode de mise au point simple pour éviter qu’un mouvement devant le sujet entre la mémorisation de la mise et point et le déclenchement cause une photo floue.

Cependant, ce problème est annulé avec le bouton arrière, puisqu’on peut, même en mode continu, mémoriser la mise au point sur le sujet, lâcher aussitôt le bouton de focus pour éviter que l’appareil suive quoi que ce soit, puis déclencher l’esprit tranquille.

Bref, la mise au point sur le bouton arrière a tous les avantages du mode automatique, sans les inconvénients!

Les zones de mise au point

Nous avons parlé des différents modes de mise au point ainsi que de leurs principales utilisations, leurs avantages et leurs inconvénients. Mais il n’y a pas que la façon de faire la mise au point qui entre en ligne de compte pour avoir une photo nette. Il y a aussi l’endroit où la mise au point se fera qui a une très grande importance.

Sur l’appareil photo, vous pouvez choisir l’endroit où la mise au point sera effectuée, avec autant de précision que vous le désirez, selon votre sujet. 

Dans les exemples suivants, j'ai utilisé des images des différentes options de zones de mise au point qui sont propres à Canon. Toutefois, ces options existent aussi sur les appareils d'autres marques, et les symboles s'y rattachant sont très semblables.

AF point sélectif

La fonction de zone de mise au point nommée « point sélectif » s’explique d’elle même.

Avec cette option, vous pouvez manuellement choisir un seul point précis parmi les points de focus que vous voyez dans le viseur.

Ceci vous permet de faire votre mise au point et de prendre votre photo sans avoir à recadrer. Le mode point sélectif vous permet beaucoup plus de précision et est idéal pour les portraits ou les sujets immobiles.

AF zone dynamique (ou extension du collimateur)

Cette option peut s’avérer très utile lorsque vous photographiez des sujets qui peuvent bouger de façon imprévisible.

Avec cette option, l’appareil effectuera la mise au point à l’endroit déterminé par un seul point, mais se servira également des points voisins si le sujet sort du point déterminé.

Selon les marques et modèles d’appareil photo, vous aurez plus ou moins d’options quant au nombre de points avoisinants que vous souhaitez que l’appareil tienne en compte. 

AF zone groupée (ou zone AF)

Avec ce mode d’auto focus, l’appareil photo effectue la mise au point à l’aide d’un groupe de points, plutôt qu’un seul.

L’avantage de ce mode est que, comme l’appareil analyse la scène de façon plus large, il identifie plus facilement le sujet dans son ensemble et ainsi prévient que ce soit l’arrière plan, plutôt que le sujet, qui soit net.

Ce mode peut aussi s’avérer utile dans les situations où vous avez un sujet en mouvement relativement petit dans votre image et qu’il vous est difficile de le suivre avec un seul point.

Cependant, il peut y avoir des erreurs si l’appareil croise un sujet plus près que le sujet principal de votre photo.

AF zone large

L’option AF zone large se rapproche beaucoup de l’option de zone automatique. Cette option est toutefois plus précise que l’option de zone automatique puisqu’on limite la zone à seulement une portion de la zone totale de mise au point possible.

AF zone automatique (ou AF à sélection automatique)

Avec ce mode, l’appareil photo décide lui même dans quel zone se trouve votre sujet et effectue la mise au point sur ce dernier. Ce mode peut performer relativement bien tant qu’il n’y a pas d’autre éléments entre l’appareil photo et le sujet.

Quelques conseils pour vous simplifier la vie

Mais avec tout cela, comment savoir quel mode ou quelle option choisir? Je vous comprend, la mise au point est un sujet assez complexe. Ceci dit, voici mes conseils pour vous simplifier la vie.

Pour les sujets immobiles (portraits, paysages, architecture, etc), je vous conseille d’utiliser le monde d’autofocus simple (ou ponctuel) avec l’option de zone à un seul point.

Si vous avez affaire à des sujets en mouvements (par exemple des enfants qui courent, des photos de sports, des animaux, etc), utilisez plutôt le monde AF continu avec l’option de zone dynamique (ou groupée si votre appareil n’est pas pourvu de cette option).

Si vous avez des sujets qui bougent, puis arrêtent, puis bougent à nouveau, le mode d’autofocus automatique pourrait vous aider à maximiser vos chances de saisir l’instant dans une photo bien nette, si vous n’avez pas le temps de changer d’un mode à l’autre.

Lorsque vous serez plus expérimenté, n’hésitez pas à explorer la fonction de focus sur le bouton arrière pour encore plus de flexibilité.

Pour terminer

Ouf! La mise au point était un morceau plutôt costaud! Par contre, je souhaite de tout coeur que cet article vous aura aidé à mieux comprendre la différence entre un mode de mise au point et une zone de mise au point. Nous avons vu que les modes de mise au point déterminent si l'appareil doit suivre le sujet, enregistrer une seule fois la mise au point, ou un mélange des deux.

Les zones de mise au point, elles, vous permettent de choisir à quel endroit la mise au point devrait se faire, que ce soit sur un point spécifique, plusieurs point, ou une zone complète.

J'ai aussi brièvement abordé une façon de faire la mise au point plus avancée : la mise au point sur le bouton arrière. cette méthode permet de séparer la mise au point du déclencheur pour plus de flexibilité.

Enfin, j'ai terminé l'article en vous donnant des trucs pour vous simplifier la vie lorsque vous devez choisir votre méthode de mise au point.

Maintenant que vous connaissez les termes relatifs à la mise au point ainsi que toutes ses possibilités, n’hésitez pas à approfondir votre connaissances par la pratique! Trouvez ces modes dans le manuel d’utilisation de votre caméra et testez les! Vous deviendrez un pro de la mise au point en un rien de temps!

Sur ce, je vous invite à laisser vos impressions et questions dans les commentaires!

À la prochaine, et bonnes photos!


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Tout sur la résolution!

Salut tout le monde! Aujourd’hui, je vous parle de résolution, taille d’impression, ppi, dpi et compagnie!    

L’idée de cet article m’est venue après plusieurs discussions animées avec mes amis du club photo.

En effet, alors que l’organisation de leur exposition de photo annuelle battait son plein, plusieurs questions quant à la résolution des photos contre la taille d’impressions ont fait surface.

Plusieurs d’entre nous, moi y compris, avons cherché à répondre à ces questions. C’est alors que je me suis rendue compte que malgré une bonne connaissance du sujet, il y avait certains points qui demeuraient flous, certaines croyances que je voulais remettre en question.

Donc, j’ai pris la décision d’écrire cet article pour résoudre la question, une fois pour toute, le plus simplement possible. J’en fais une affaire personnelle!

Donc, aujourd’hui, je vous parle de mes trouvailles. Nous allons répondre à ces questions

  • La résolution, c’est quoi?
  • Pourquoi la résolution n’a aucune importance sur un écran?
  • Quelle est la résolution minimale pour imprimer?
  • Quelle taille peut-on imprimer selon la taille de vos photos?
  • Comment redimensionner une image correctement?

Qu’est-ce que la résolution?

La résolution est un terme utilisé de façon très générale dans plusieurs domaines pour faire référence à la qualité et à la netteté d’une image sur un support donné.

On utilise la résolution pour définir la qualité d’affichage d’un téléviseur, d’un écran, ou de la qualité d’une image une fois imprimée sur papier.

On définit la qualité d’une écran de télévision ou écran d’ordinateur selon le nombre de pixels qu’ils contiennent. Par exemple, les télévisions full HD affichent 1080 pixels de haut. Les télévision 4k affichent 4000 pixels de large. Oui, j’ai bien dit 4000 pixels de large. À un certain moment, les fabricants ont décidé de changer les dimensions verticales par des dimensions horizontales. Pourquoi? Aucune idée. Mais bon, bref, à taille égale, on est d’accord pour dire que l’écran 4k semblera plus net que le full HD, n’est-ce pas?

En ce qui concerne les images elles-mêmes, elles ont également une taille en pixels. Plus il y aura de pixels dans l’image à une taille physique donnée, plus elle semblera nette et précise.

Visuellement, la résolution, à quoi ça rime?

Voici un exemple d’un cercle dessiné dans photoshop à différentes tailles en pixels. L’un d’eux fait 8 pixels de largeur, l’autre, 32 pixels de largeur, et le troisième environ 300 pixels de largeur. Si on les regarde à taille physique égale de 1 pouce de largeur, celui qui a 8 pixels de largeur a un contour en escaliers. Le deuxième semble déjà avoir des contours un peu plus rond et le troisième est un cercle parfait.

Bref, la résolution, en action, sert à cela.

Sur un écran, la résolution n’a aucune importance. Pourquoi?

Il y a beaucoup de confusion quant à la résolution en pixels par pouce sur un écran. Pendant longtemps, on a répandu l’information selon laquelle il fallait utiliser une résolution de 72 pixels par pouces sur un écran.

En réalité, sur un écran, cela n’a absolument aucune importance pour la qualité d’affichage de vos images. C’est un pur MYTHE. Comment ça se fait?

Sur un écran, le nombre de pixels visible par pouce ne change JAMAIS.

Dans l’exemple des cercles ci dessus, j’ai volontairement zoomé sur mes images dans Photoshop, pour leur donner une taille physique égale, malgré leur taille en pixels complètement différente. Dans la vraie vie, un pixel d’une image correspondra toujours à un pixel d’écran. TOUJOURS.

Pixels d'un écran en gros plan

Donc, une image de 300 pixels de largeur occupera toujours moins d’espace sur un écran qu’une image de 1000 pixels. Et dans le cas des deux images, elle n’apparaîtront jamais pixelisées.

Ainsi, lorsque vous déterminez la taille de votre image pour afficher sur le web, la seule chose qui importe, c’est sa taille en pixel. C’est tout. L’écran, automatiquement, assignera un pixel d’image à un pixel d’écran. C’est l’écran qui décide de la vraie taille physique que la personne verra.

L’importance de la résolution pour imprimer une photo

Lorsque vous imprimez des images, vous voulez obtenir une taille précise sur le papier.

Mais, les pixels de l’image, dans l’univers du papier, ne veulent absolument rien dire. On ne mesure pas le papier avec des pixels! Donc, vous allez devoir «traduire» ces pixels en pouces.

Vous pouvez prendre une image de n’importe quelle taille en pixels pour l’imprimer dans n’importe quelle taille en pouces. Mais pas sans problèmes.

Si une image est trop petite en pixels par rapport à sa taille en pouces, il y aura moins de pixels par pouce. La résolution sera plus faible, et la qualité en souffrira. Rappelez vous nos 3 cercles du départ.

Donc, pour déterminer la taille en pixel minimale requise d’une photo pour une taille d’impression donnée de bonne qualité, vous avez besoin de connaitre la résolution qu’il vous faut.

Une fois la résolution déterminée, vous allez pouvoir calculer la taille en pixels nécessaire.

Quelle est la résolution nécessaire pour une impression de bonne qualité?

La réponse qu’on entend le plus souvent sont souvent 240 dpi ou 300 dpi, selon les imprimeurs. Mais d’où viennent les fameux 300 dpi? Est-il nécessaire de toujours imprimer à 300 dpi? Voici quelques pistes…


La variable souvent ignorée : l’acuité visuelle du spectateur

On pense souvent, de façon logique, que le nombre de DPI nécessaires dépend de ce que l’imprimante imprime. Mais en réalité, lorsqu’on y pense un peu plus, le nombre de points d’encre imprimés par l’imprimante importe peu, si on n’arrive pas à les voir!

Donc, croyez le ou non, le fameux 300 dpi est en fait déterminé par l’acuité visuelle du spectateur, lorsqu’il regarde l’image à portée de main, et que sa vision est impeccable! Si sa vision est un peu moins bonne, comme la moyenne des gens, alors 240 dpi sera suffisant, à distance égale.

Plus on s’éloigne d’une image, moins on distingue la différence entre les différents points. Donc, plus on s’éloigne, moins la résolution nécessaire sera élevée.

Le calcul de la résolution minimale recommandée selon la distance de visionnement et l’acuité visuelle de quelqu’un est plutôt complexe. Donc, pour vous épargner le charabia de physique du calcul, voici un récapitulatif qui vous donnera une idée générale de la résolution nécessaire à vos projets:

Vous pouvez estimer grossièrement la distance de visionnement selon la taille de la photo une fois imprimée. Logiquement, une photo de  60 pouces de largeur ne sera pas regardée. À la même distance qu’une photo de 18 pouces de largeur.

Par contre, je tiens à dire qu’on ne peut pas avoir une trop grande résolution. On peut, par contre, en manquer. Je vous conseillerais donc d’utiliser une résolution un peu plus élevée que nécessaire, quand c’est possible.

Quelle taille d’impression peut-on obtenir selon la taille de l’image?

Jusqu’à présent, nous avons vu que pour imprimer une image dans une taille donnée (sans la redimensionner) , il faut avoir les informations suivantes :

  • La taille en pixels de la photo
  • La distance à laquelle l’image sera regardée, qui détermine la résolution nécessaire
  • La taille à laquelle vous voulez imprimer

Pour faire un exemple très simple, supposons que vous avez une image de 4000 pixels par 3000 pixels. Vous voulez l’imprimer dans un magasine, de les gens regarderont de près. Donc, vous avez besoin de, disons, 300dpi.

Pour connaitre la dimension que vous pouvez obtenir à l’impression, vous n’avez qu’à diviser un des côtés en pixels par la résolution. Dans notre exemple, si on divise 3000 pixels par 300 (dpi) on obtient 10 pouces sur le côté étroit. Donc, vous avez assez de pixels pour faire une photo qui couvre une page sans problème, peut-être deux!

Pas envie de calculer? Voici comment déterminer la taille d’impression dans photoshop et Lightroom!

Déterminer la taille d’impression maximale de l’image dans Photoshop

Pour déterminer la taille imprimable de votre photo, importez la dans Photoshop.

Puis, allez dans le menu image, puis taille de l’image.

Dans la boîte de dialogue, vous aurez l’information sur le poids du fichier, ses dimensions en pixels et sa résolution. La largeur et la hauteur, par défaut, sont affichés en pixels. La résolution en pixels par pouces sera la valeur par défaut de votre image lorsqu’elle sort de l’appareil photo.

Pour que photoshop fasse les calculs qui vous intéressent, vous devez d’abord décocher l’option rééchantillonnage. Cette option sert à redimensionner la photo, ce qu’on ne veut pas faire, pour le moment.

Maintenant, inscrivez la résolution désirée pour imprimer dans la case de résolution. Vous verrez que les dimensions en pixels ne changent pas. C’est normal. Pour connaître la dimension en pouces, changez votre unité de mesure dans le menu déroulant.

Si vous essayez de changer la résolution, vous verrez que les dimensions en pouces vont changer, sans redimensionner votre image!

Déterminer la taille d’impression maximale de l’image dans Lightroom

Si vous n’avez pas photoshop pour faire ces calculs pour vous, pas de panique! Vous pouvez faire exactement la même chose avec Lightroom (ou presque).

Dans Lightroom, choisissez votre image dans le module de bibliothèque. Puis, allez dans le module d’impression.

Lightroom fonctionne avec des tailles de papier. Donc, si vous voulez tester différentes dimensions de votre image, je vous suggère d’utiliser une taille de papier assez grande. Pour ce faire, cliquez sur le bouton mise en page dans le panneau de gauche. Dans la boite de dialogue, cliquez sur l’option gérer les tailles personnalisés dans le menu déroulant de la taille du papier. Inscrivez des nombres assez gros pour un panneau d’autoroute.

Maintenant, votre image va être vraiment petite sur le «papier». Pour jouer avec les dimensions de l’image, allez dans l’onglet disposition du panneau de droite et jouez avec les curseurs de taille de cellule.

Puis, pour afficher les dimensions en pouces de votre fichier, allez dans l’onglet repères et cochez l’option dimensions.

Maintenant, Lightroom indique les dimensions en pouces de votre image (coin supérieur gauche), mais pas sa résolution. Pourquoi? Parce que Lightroom, par défaut, redimensionne les photos pour qu’elles aient une résolution de 240 dpi. Pour empêcher Lightroom de redimensionner les images, rendez vous dans l’onglet travaux d’impression et décochez l’option résolution d’impression.

La résolution apparaîtra à coté de la taille de l’image.

Que faire si votre image est trop petite pour imprimer à la taille voulue?
 

Si votre image est trop petite pour l’imprimer à la taille désirée et à la résolution voulue, vous n’aurez pas le choix, il faudra la redimensionner! Il va falloir agrandir votre photo, sacrifier la résolution, ou trouver un compromis quelque part entre les deux.

Cependant, on ne peut pas agrandir une photo à l’infini sans jamais voir de perte de qualité. Mais, on peut limiter les dégâts avec les bonnes techniques.

Comment redimensionner une image correctement

La façon correcte de redimensionner une image pour vos agrandissements dépend de l’intensité du changement à faire. Il est toujours préférable de limiter les gros changements de dimensions. Cependant, la technologie nous offre maintenant des options intéressantes pour redimensionner sans trop détruire nos fichiers.


Redimensionner une image dans Photoshop

Peu importe le logiciel utilisé, je vous recommande de dupliquer votre image avant de la redimensionner. Ainsi, votre image originale ne sera pas affecté par l’agrandissement et gardera sa qualité originale. Dans photoshop, il suffit d’aller dans le menu image puis de cliquer sur dupliquer l’image.

Maintenant, pour redimensionner, Photoshop CC possède une option d’agrandissement qui fonctionne vraiment très bien. La fonction s’appelle Conserver les détails 2.0. Au moment d’écrire cet article, elle ne fait pas encore officiellement partie des fonctions de Photoshop CC, mais vous pouvez quand même l’utiliser si vous l’activez, à condition que votre version de photoshop soit à jour.

Pour activer cette fonction, allez dans le menu préférences, puis aperçus de technologie. Cochez l’option conserver les détails 2.0.

Maintenant, retournez à la boite de dialogue de taille de l’image. Cette fois-ci, cochez l’option rééchantillonage. Puis, dans le menu déroulant, choisissez l’option conserver les détails 2.0.

Vous verrez que cette option fait un excellent travail!

Redimensionner une image dans Ligthroom

Dans Lightroom, redimensionner une image est extrêmement simple. Il y a deux façons de procéder. Vous pouvez exporter votre image en jpeg pour l’envoyer à votre imprimeur, ou l’imprimer directement à partir de Lightroom. Notez qu’avant de redimensionner votre image vous devez l’avoir déjà recadrée.

Agrandir une image pour imprimer à partir de Lightroom

Si vous imprimez directement à partir de Lightroom, allez dans le module d’impression. Cliquez sur le bouton de mise en page dans le panneau de gauche et sélectionnez la taille de papier sur lequel vous voulez imprimer.

Puis, dans le panneau de droite, allez dans l’onglet disposition et jouez avec les curseurs de taille de cellule jusqu’à ce que votre image occupe tout l’espace.

Ensuite, cochez l’option de résolution dans l’onglet travaux d’impression et choisissez la résolution que vous désirez. Lightroom agrandira automatiquement votre photo.


Agrandir une image pour envoyer l’image à l’imprimeur


Si vous exportez votre image pour l’impression, allez dans la boite de dialogue d’exportation. Vous pouvez y accéder en appuyant sur les touches cmd shift E (ou control shift E) de votre clavier.

Dans l’onglet paramètre de fichier, sélectionnez JPEG comme format d’image, qualité 100 (pour éviter la perte de qualité due à la compression) et choisissez l’espace colorimétrique avec lequel vous photographiez.

Dans l’onglet dimensionnement de l’image, cochez l’option redimensionner. Dans le menu déroulant, choisissez bord étroit. Assurez vous que la case ne pas agrandir ne soit pas cochée.

Ensuite, assurez vous que l’unité de mesure soit en pouces. Si ce n’est pas le cas, sélectionnez la bonne unité de mesure dans le menu déroulant. Entrez la dimension voulue dans la case prévue à cet effet. Enfin, entrez la résolution désirée dans la case prévue à cet effet en vous assurant que vous êtes bel et bien en pixels par pouces.

Cliquez sur exporter, et voilà!


Conclusion


Bref, malgré que la taille et la résolution des images soit une notion plutôt complexe, il est crucial de comprendre la relation entre les deux pour être en contrôle de la qualité d’impression de nos images.

En résumé, la résolution est ce qui détermine la qualité d’affichage sur un support donné (écran ou papier). Plus il y a d’unités pour une taille physique donnée, plus l’affichage aura une bonne qualité. Pour les photos, on détermine la résolution en pixels par pouce sur un écran et en points par pouce sur le papier.

En ce qui concerne l’affichage d’une photo sur un écran, les pixels par pouce n’ont aucune importance pour la qualité. Les écrans affichent toujours un pixel de photo pour un pixel dans l’écran. Donc, seule la taille de l’image en pixels compte. L’écran se charge du reste.

C’est pour l’impression que les DPI sont importants. Il permettent de prévoir quelle sera la qualité d’impression d’une image, pour des dimensions et une distance de visionnement déterminée. Pour une image regardée de près, il est préférable d’avoir une résolution de 240 à 300 dpi. Si vos images sont très grandes, et par conséquent, seront regardées de plus loin, vous pouvez utiliser une résolution plus faible.

Je vous ai aussi montré comment calculer la taille maximale à laquelle une image peut être imprimée sans avoir à l’agrandir. Puis, je vous ai montré comment le tester dans Photoshop et dans Lightroom.

Ensuite, nous avons vu comment agrandir une photo dans photoshop, et dans Lightroom.

Et comme mot de la fin, je vous dirais que lorsque vous choisissez une image pour l’imprimer, assurez vous que l’image ait été vraiment réussie à la prise de vue, avec une quantité de bruit minimale et une bonne netteté. Ainsi, peu importe les dimensions de votre impression, et même si vous l’agrandissez, vous obtiendrez d’excellents résultats!


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Tout sur la retouche de cheveux dans Photoshop!

Salut tout le monde! Aujourd’hui, je vous parle de la retouche des cheveux dans Photoshop!

On va se le dire, les cheveux ont leur propre petit caractère. Ils font ce qu’ils veulent, et un rien peut les déplacer. Sans parler du fait qu’avec des cheveux longs, même un nuage étouffant de spraynet ne peut empêcher les frisottis.

Si avoir une chevelure absolument impeccable dans vos photos est impossible à la prise de vue, il faut donc forcément avoir recours à la retouche. Mais, la retouche des cheveux peut être un processus particulièrement long et frustrant, en plus de souvent donner des résultats vraiment ordinaires.

Alors, comment faire pour retoucher les cheveux dans Photoshop sans y passer des heures? Comment faire une belle retouche de cheveux de façon réaliste et efficace?

Aujourd’hui, nous allons voir plusieurs méthodes pour retoucher les cheveux sans s’arracher les cheveux de sur la tête. Si vous souhaitez suivre les techniques de A à Z, voici la vidéo! 

Comment retoucher les cheveux : enlever les frisottis

Peu importe le temps que votre sujet aura passé devant le miroir à se coiffer, les frisottis vont apparaître dans vos images, plus souvent qu’autrement. Heureusement, certains outils peuvent vous donner d’excellents résultats pour retoucher les cheveux avec Photoshop.

Retoucher les frisottis à l’aide du correcteur localisé

Le premier outil à essayer est l’outil correcteur localisé

Pour obtenir les meilleurs résultats possible avec cet outil, il faudra changer quelques paramètres. D’abord, vous allez devoir changer le mode normal par le mode remplacer. Le type doit être contenu pris en compte. Enfin, cochez l’option échantillonner tous les calques.

Nous allons faire la retouche sur un calque séparé, pour garder le contrôle sur le travail que nous allons faire.

Pour avoir un résultat satisfaisant, il va falloir utiliser un pinceau légèrement plus gros que les frisottis qu’on souhaite enlever. Ensuite, il suffit de tout simplement peindre par dessus les cheveux que vous voulez effacer. Pour les meilleurs résultats possible, peignez d’un trait dans la direction du cheveu à retoucher.

Si cet outil ne donne pas de résultats satisfaisants, passez au prochain…

Retoucher les frisottis à l’aire de l’outil tampon

L’outil tampon est très pratique pour enlever les frisottis. Pour obtenir de très bons résultats, il suffit de l’utiliser en réduisant le flux autour de 30 à 40 pour cent. Le flux, c’est ce qui indique à Photoshop que vous souhaitez augmenter graduellement l’effet à chaque passage de votre pinceau. Vous pouvez donc bâtir vos retouches par couches, en quelques sortes.

Dans ce cas-ci, avec une opacité de 100% et un flux de 30%, échantillonnez le fond en tenant compte des éléments d’arrière plan.

Pour échantillonner, appuyez sur la touche alt ou option, et cliquez sur le point de source. Si votre fond comporte des dégradés, il faudra échantillonner dans le but de continuer ces dégradés.

Lorsque j’utilise cet outil, je ne cache pas les frisottis complètement. De cette façon, les cheveux n’ont pas l’air d’avoir été découpés de façon trop abrupte.

Retoucher les frisottis avec le filtre anti poussière

Le filtre anti poussière peut être une alternative intéressante pour corriger les cheveux dans Photoshop, surtout pour enlever les frisottis rapidement. Ce filtre était souvent utilisé pour corriger les poussières et égratignures sur les négatifs numérisés, en ajoutant un peu de flou.

Pour l’utiliser, dupliquez le calque d’arrière-plan. Puis, transformez le calque en objet dynamique. Cela va vous permettre de modifier le flou que nous allons appliquer autant de fois que vous voudrez.

Enfin, allez à filtre, bruit, anti poussière. Vous allez devoir choisir un rayon qui va vous donner une ligne distincte entre les cheveux de votre sujet et l’arrière-plan.

Maintenant, l’image est complètement floue. Il faudra donc utiliser un masque pour cacher l’effet du filtre antipoussière et l’appliquer seulement où on veut.

 Tenez la touche alt ou option enfoncée et appuyez sur le bouton de masque au bas du panneau des calques. Puis, pour enlever les frisottis, vous n’avez qu’à peindre sur le masque avec un pinceau blanc, pour révéler l’effet. Les frisottis disparaîtront comme par magie!

Remarquez cependant que cette technique ne fonctionne que pour les images qui ont un fond flou ou relativement uniforme.

Si vous voyez en zoomant dans votre image que votre retouche laisse une trace trop floue, vous pouvez ajouter du bruit, pour en quelque sorte imiter le bruit dans le reste de l’image. Pour ce faire, allez à filtre, bruit, ajout de bruit. Choisissez les options uniforme et monochrome. Un rayon de 1,5 est généralement suffisant. Et voilà!

Ajouter du volume aux cheveux et réduire les frisottis en une étape avec le filtre de fluidité

Le filtre de fluidité est reconnu par plusieurs comme le filtre de la minceur. En effet, le filtre de fluidité est souvent utilisé pour altérer les courbes du corps de nombreuses façons.

Mais, le filtre de fluidité peut aussi être utilisé pour augmenter le volume dans les cheveux ainsi que de dompter les frisottis qui sont trop difficiles à retoucher. Voici comment.

Ajouter du volume aux cheveux dans Photoshop

Pour ajouter du volume aux cheveux, il suffit d’utiliser l’outil déformation avant du filtre de fluidité. En utilisant une pression entre 20 et 30 et une densité de plus ou moins 60, «tirez» les cheveux vers l’extérieur. C’est aussi simple que cela.

Réduire les frisottis avec le filtre de fluidité

Pour réduire les frisottis qui seraient trop difficiles à retoucher avec les outils précédents, le filtre fluidité peut être très efficace. Pour obtenir un beau résultat, il suffit de bloquer l’effet du filtre sur les cheveux qui sont déjà à leur place, puis de pousser les frisottis vers l’intérieur.

Pour y arriver, activez l’outil «blocage de masque». Peignez par dessus les cheveux qui ne doivent pas bouger. Si jamais vous peignez au-delà des régions qui vous intéressent, il est possible d’efface le blocage de masque avec l’outil juste en dessous : libération de masque.

Enfin, utilisez l’outil déformation avant pour pousser les frisottis vers l’intérieur. Attention de ne pas y aller trop fort, sinon votre retouche va sembler trop évidente.

Ajouter des cheveux dans Photoshop

Il arrive assez souvent que plusieurs mèches de cheveux se déplacent lors d’une séance photo. Se faisant, elles laissent des trous dans les cheveux qui peuvent être un peu distrayants.

Boucher ces trous peut être assez simple. Voici comment faire!

Copier des mèches de cheveux avec l’outil lasso

D’abord, sélectionnez une section de cheveux près du trou que vous voulez camoufler à l’aide du lasso. Pour activer le lasso, il suffit d’appuyer sur la touche L de votre clavier. Avant de faire votre sélection, il faudra ajouter un contour progressif à votre lasso, pour que votre retouche se mélange plus facilement au reste de l’image. Je vous recommande environ 20 pixels.

Sélectionnez une section de cheveux dont la couleur, la luminosité et la netteté se rapprochent de la section à camoufler. Puis, dupliquez votre sélection sur un autre calque. Pour ce faire, il suffit d’appuyer sur cmd ou ctrl J.

Enfin, pour changer la direction des cheveux, activer l’outil de transformation avec le raccourci clavier cmd ou ctrl T. Ensuite, activez la déformation en cliquant sur le troisième bouton à partir de la droite dans la barre d’outils. Ainsi, vous allez pouvoir cliquer sur les points d’intersection entre les lignes pour changer la forme de la mèche de cheveux que vous avez copiée!

Si votre copie de la mèche de cheveux ressemble trop à l’originale, vous pouvez la foncer ou la pâlir avec l’outil courbe. Vous pouvez aussi y ajouter un masque de fusion pour en cacher certaines parties.

Le détourage des cheveux dans Photoshop

Détourer les cheveux dans Photoshop peut être très difficile quand on ne sait pas par où commencer. Voici une méthode très efficace pour détourer les cheveux!

Détourer les cheveux dans Photoshop avec plage de couleurs

Pour cette image, nous allons placer notre modèle sur un fond de couleur plutôt qu’un fond blanc. L’avantage sur fond blanc est que nous allons pouvoir sélectionner le blanc de l’arrière-plan pour ne conserver que notre modèle.

Créer une sélection avec l’outil plage de couleur

Faites une copie de votre travail sur un nouveau calque avec le raccourci clavier cmd opt shift E (ou ctrl alt shit E). Puis, allez dans le menu sélection, et plage de couleurs. Commencez par choisir hautes lumières dans le menu déroulant de l’outil.

Vous allez voir dans le rectangle du bas ce qui a été sélectionné ou non. Ce rectangle correspond au masque qui sera créé avec la sélection. Votre sujet devrait être blanc. Comme nous avons choisi de sélectionner le fond, votre sujet va être noir. Pour inverser la sélection, cocher l’option inverser. Cliquez sur OK.

Créer et modifier un masque de fusion pour détourer les cheveux

Maintenant, notre sujet a été sélectionné. Pour pouvoir altérer notre sélection à l’infini, nous allons créer un masque de fusion. Cliquez sur le bouton de masque en bas du menu des calques.

Vous allez voir que le masque n’est pas tout à fait parfait. Nous avons encore des parties qui n’ont pas été sélectionnées correctement. Pour nettoyer le masque, il suffit de remplir ces zones de blanc. Appuyez sur opt ou alt et cliquez sur le masque pour voir uniquement le masque. Puis avec l’outil lasso, sélectionnez les zones à corriger. Assurez-vous que le sélecteur de couleur est en blanc. Puis, vous pouvez remplir votre sélection de blanc grâce au raccourcis clavier alt ou opt delete. 

Maintenant, le masque est très bien, mais il reste encore beaucoup de blanc dans les cheveux du modèle. Pour changer cela, il va falloir raffiner le masque.

Raffiner le masque pour obtenir une sélection parfaite

Pour raffiner le masque, double cliquez sur le masque de fusion. Dans les options de masque, vous allez voir un bouton sélectionner et masquer.

Cette fonction permet de modifier le masque de façon globale pour obtenir de meilleurs résultats.

Dans le mode d’affichage, choisissez afficher sur noir. Vous allez voir plus facilement où se trouvent les résidus blancs qu’il faut enlever.

Essayez d’abord d’augmenter le rayon, jusqu’à ce que vous ayez un maximum de cheveux de sélectionné, mais avec le moins de blanc possible.

Ensuite, cliquez sur l’outil amélioration des contours. Passez votre pinceau sur le contour des cheveux. De cette façon, Photoshop détectera mieux les cheveux à retoucher.

Enfin, utilise le curseur de décalage du contour. Cet outil sert à ramener le contour plus loin vers l’intérieur ou l’extérieur. Dans ce cas-ci, nous allons le ramener vers l’intérieur, pour enlever encore un peu de résidus blancs.

Lorsque vous avez terminé, appuyez sur OK. Si la sélection n'est toujours pas parfaite, vous pouvez toujours la modifier en peignant en noir ou en blanc sur le masque de fusion créé au départ!

Conclusion

En conclusion, il existe plusieurs façons de retoucher les cheveux pour améliorer vos images.

Que ce soit pour enlever des frisottis, ajouter du volume aux cheveux ou carrément placer un modèle sur un autre fond, Photoshop nous offre plusieurs possibilités.

D’abord, nous avons vu plusieurs façons de retoucher les frisottis. L’outil correcteur localisé, l’outil tampon et le filtre anti poussière sont de bonnes méthodes pour effacer les cheveux déplacés.

Nous avons également vu une façon impressionnante de modeler les cheveux avec le filtre de fluidité.

Puis, j’ai parlé de comment ajouter des cheveux pour masquer les trous dans la coiffure avec l’outil lasso et transformation.

Enfin, je vous ai montré une technique de détourage des cheveux avancée pour vous permettre de facilement changer le fond de vos portraits.

J’espère que cet article vous aura aidé à améliorer vos retouches de cheveux. Si vous avez des questions ou suggestions, n’hésitez pas à me les écrire en commentaire!

Sur ce, je vous dis à la prochaine, et bonne retouche! 



à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Évitez ces erreurs de débutant en retouche photo!

Comment faire pour éviter les erreurs en retouche photo?

La retouche photo est quelque chose de vraiment merveilleux. Lorsqu’une photo a été bien exécutée à la prise de vue, la retouche peut être un excellent outil pour exercer votre créativité et donner une signature visuelle à vos images.

Avec des logiciels aussi puissants que Photoshop, les possibilités sont vraiment infinies. Tout peut être fait avec les bonne techniques, les bonnes connaissances et une bonne dose de minutie et de patience. Ce n’est d’ailleurs pas pour rien que la culture populaire a bien intégré le verbe Photoshoper à son vocabulaire.

Mais si tout peut être fait, est-ce que tout DOIT être fait?

Comme je suis une grande passionnée de retouche photo, je n’effleurerai même pas la question de si on doit retoucher ou non. Pour moi, la retouche est une nécessité et un plaisir. Je ne dirai donc jamais à quelqu’un qu’il ne devrait pas retoucher.

Cependant, il est très facile d’aller trop loin en retouche. Lorsqu’on a les yeux collés sur une image depuis de longues minutes, il est facile de ne plus voir clair.

Alors comment faire pour savoir si un portrait est retouché correctement? Aujourd’hui, je vous montrerai quelques exemples, ainsi que quelques conseils pour vous aider à juger votre travail de manière objective!

Les erreurs en retouche de peau


La retouche de peau est définitivement très répandue. Avec les mannequins à la peau parfaite dans les magazines et les filtres sur les applications comme instagram, Facebook et Snapchat, il semblerait que tout le monde cherche a avoir la peau le plus lisse possible. Mais pour les photographe, à quoi ça rime? Quelles sont les normes? Comment savoir si un retouche de peau est bien exécutée, ou de mauvais goût? Voici quelques exemples.

La peau : trop retouchée


Dans ce cas précis, on a eu recours à un type de retouche qui est indiqués par plusieurs pseudo experts en retouche. L’idée générale : rendre la peau plus floue, pour ainsi faire presque disparaître les irrégularités dans la peau. Le problème avec cette approche est qu’elle ne fait pas disparaître uniquement les problèmes de texture…mais bien toute la texture de peau! On se retrouve donc avec une peau qui semble être en plastique et une retouche qui paraît beaucoup trop.

Comment retoucher la peau de la bonne façon?


À mon avis, la meilleure façon de retoucher la peau, c’est de traiter les problèmes de couleur de peau, de luminosité et de texture séparément. Ainsi, la retouche est non destructive.

Il existe deux techniques utilisées dans l’industrie de la mode pour une retouche de peau indétectable : la séparation de fréquence et Dodge and Burn.

La séparation de fréquence est une technique qui utilise deux copies d’une même images, sur deux calques différents dans Photoshop. L’une de ses copies est rendue floue pour n’affecter que les couleurs. L’autre copie ne conserve que la texture de l’image. Ainsi, on retouche les problèmes de couleur sur un calque et les problèmes de texture sur l’autre.

De cette façon, on peut lisser la peau sans que la texture ne disparaisse. Attention cependant de ne pas trop ajouter de flou sur le calque de couleur! Si vous voulez vous assurer que votre effet est réaliste, essayez de regarder votre image en plus petit. Si la beau semble floue, vous êtes allés un peu trop loin. Pour en savoir plus sur cette technique essentielle, je vous recommande de lire mon article à ce sujet!

L’autre technique, Dodge and burn, est celle qui est utilisée dans les magazines haut de gamme. Aucun flou n’est appliqué. À la place, chaque creux ou bosse sur la peau est éclairci ou assombri pour égaliser la texture. Cette technique prend cependant beaucoup de temps. Je ne la recommande que si vous faites des projets qui nécessitent un très haute qualité ou que vous êtes payé pour le faire!

Voici une vidéo qui démontre le procédé du Dodge and burn, par le retoucher de renommée mondiale Pratik Naik : 

Les erreurs en retouche des yeux


La retouche des yeux est souvent effectuée pour ajouter un peu d’éclat au regard et faire ressortir la beauté qui s’y trouve déjà. Les pratiques les plus communes sont la retouche des veines, éclaircir le blanc des yeux, accentuer l’iris, etc. Il est important de mentionner qu’aucune retouche ne pourra sauver un mauvais éclairage. Si les yeux n’ont pas été éclairés correctement, essayer de les éclaircir à la retouche ne donnera jamais un résultat naturel.

Les yeux : trop retouchés


Voici un exemple de photo où les yeux ont été trop retouchés. Le blanc des yeux est beaucoup trop blanc partout, ce qui donne un air d’extra terrestre au modèle. Le contour de l’iris est beaucoup trop foncé par rapport au reste de l’oeil, ce qui est à éviter. Enfin, la couleur de l’iris est beaucoup trop saturée. Personne n’a les yeux de cette couleur dans la réalité.

Retoucher les yeux de la bonne façon


Il existe une foule de méthodes pour retoucher les yeux. Je décris mes préférées dans cet article. Pour éclaircir le blanc des yeux, il est préférable d’appliquer l’effet un peu plus autour de l’iris en diminuant vers les côtés.  De cette façon, on conserve l’effet 3D. Pour foncer le contour de l’iris, allez-y doucement, quitte à activer et désactiver votre réglage fréquemment. De plus, appliquez chaque effet sur des calques séparés. Ainsi, vous pourrez diminuer l’intensité de n’importe quel effet à tout moment.

Les erreurs en retouche des couleurs : saturation, vibrance et actions photoshop


S’il y a bien un type de retouche dont il est facile d’abuser, c’est bien les retouches de couleurs en général. Comme je l’explique dans mon article sur le Color Grading, les couleurs peuvent vraiment améliorer une image en y ajoutant de l’harmonie, ou en lui donnant votre signature visuelle. Toutefois, le secret est d’y aller en subtilités afin de rester dans le bon goût sans endommager vos images. Alors comment faire pour ne pas tomber dans le panneau?

La saturation


Honnêtement, si j’étais conceptrice de logiciels de traitement d’image, j’enlèverais carrément la possibilité de toucher à la saturation de façon globale.

Pourquoi?

Quand on y pense, la saturation accentue toutes les couleurs de l’image, partout, à la même puissance. Supposons que vous faites un portrait dans la nature. Vous voulez accentuer un peu (je dis bien un peu) la couleur du ciel et du feuillage. Alors, vous augmentez la saturation.

Le problème, c’est que ce n’est pas que le vert des feuilles et le bleu du ciel qui est accentué. Tout ce qui est rouge, orange ou jaune aussi. Et qu’est-ce qui est orange, rouge et jaune? La peau de votre sujet. Si la personne a des rougeurs au visage, bonjour les problèmes.

Alors quelle est la solution? Mon conseil serait de modifier la saturation pour chaque canal de couleur séparément, grâce à l’outil TSL de Lightroom.

J’aime beaucoup utiliser cet outil avec la cible, qui permet de changer la saturation des couleurs par glissement dans l’image.

En passant, peu importe la technique utilisée pour saturer une image, toute ou en partie, il faut y aller avec pacimonie. Autrement, les zones de l’image qui sont très saturées pourraient manquer de détails. Ce problème ressemble à une surexposition, mais par les couleurs.

La vibrance


La vibrance sert à faire briller un peu plus les couleurs dans vos photos. Au lieu de saturer toutes les couleurs de la même façon, la vibrance est en fait un type de saturation intelligente. La vibrance ne sature que les couleurs qui sont plus terne, en laissant les couleurs déjà saturées telles quelles. Ainsi, il est plus facile d’éviter d’en faire trop.

Les actions photoshop


Avec l’industrie des actions photoshop qui ne cesse de grandir, vous avez probablement déjà essayé ou acheté des actions dans Photoshop. Le but de ces actions est de vous permettre de reproduire un style particulier en quelques clics.

Cependant, je comparerais les actions photoshop aux vêtement one size. Est-ce que le one size fait à tout le monde? Non.

Même chose pour les actions Photoshop. Comme chaque image est différente, les actions n’agissent pas toutes de la même façon sur toutes les photos. Il faut donc ajuster l’effet.

Par expérience, je trouve que les effets des actions photoshop sont un peu trop intense. Souvent, je diminue l’opacité de l’effet d’au moins 10%. Ainsi, cela m’évite les débordements!

Les erreurs en ajout de netteté : clarté, détail, accentuation, passe haut et compagnie


Les outils sont nombreux pour ajouter de la netteté à vos images. L’ajout de netteté est d’ailleurs nécessaire pour tirer le meilleur de vos images, surtout si vous les avez prises en raw.

Les outils les plus fréquemment utilisés pour ajouter de la netteté sont la clarté et le détail dans Lightroom et l’accentuation et le filtre passe haut. Cependant, il y a généralement deux règles à respecter pour s’assurer de faire un ajout de netteté non destructeur.

La première est de ne pas tenter de sauver une photo floue avec un des outils mentionnés plus haut. Peu importe la quantité de netteté ajoutée, une photo floue ne deviendra pas nette pour autant. Il y a de fortes chances que le fait d’ajouter de la netteté ajoutera plus de problème qu’autre chose.

La seconde règle  à respecter est de garder l’effet de netteté assez faible pour éviter de faire apparaître des halos. Les halos sont des zones plus pâles près des contours de l’image qui peuvent apparaître lorsque les effets comme la clarté, l’accentuation ou le filtre passe haut sont appliqués.

Si vous voyez des halos apparaître, essayez de réduire votre effet jusqu’à ce qu’ils disparaissent.

Comment juger ses photos objectivement : quelques conseils pour éviter l’embarras


Il nous est tous déjà arrivé de publier une photo sur notre site web sur les médias sociaux pour ensuite recevoir des commentaires peu favorables. Ce genre de situation peut être vraiment embarrassante. Alors comment faire pour l’éviter?

Conseil numéro 1 : demander l’avis d’un ami photographe


Vous pouvez demander à tous vos amis si votre photo est réussie. Mais s’ils ne sont pas photographes, il trouveront toutes vos images belles.

C’est bon pour l’égo, un peu moins pour développer vos talents!

 Demandez à vos amis photographe ce qu’ils pensent de votre image avant de la publier. Ainsi, ils vous donneront l’heure juste et cela vous aidera à progresser!

Conseil numéro 2 : mettre la retouche sur pause!


Si vous retouchez une image depuis de longues minutes, essayez d’arrêter votre travail, puis de recommencer le lendemain matin. Vous aurez un regard nouveau sur votre image, et vous pourrez ainsi corriger le tir, au besoin.

Conseil numéro 3 : activez et désactivez vos effets souvent!


Dans Lightroom, chaque réglage peut être activé et désactivé séparément. Chaque onglet a un interrupteur qui permet d’activer ou non votre réglage.
 
Vous pouvez aussi retourner à n’importe quelle étape de votre retouche grâce à l’onglet historique du module de développement.

Dans Photoshop, vous pouvez activer et désactiver vos réglages avec le petit oeil qui se trouve à côté de chaque calque et chaque réglage. Vous pouvez ainsi voir un avant-après de chacune des étapes de votre workflow.

Je vous conseille également de garder une copie de la photo originale sur un calque en haut de tous les autres calques. De cette façon, vous pouvez voir rapidement la différence entre la photo de départ et là où vous en êtes.

Conclusion


Bien que la retouche soit un outil formidable pour amener vos photos au prochain niveau, il peut être difficile de retoucher correctement.

Tout comme la photographie, la retouche est un art qui demande de la pratique et beaucoup de minutie pour arriver à un beau résultat.

En résumé, vous avons vu les erreurs les plus communes en retouche ainsi que des manières simples de les éviter.

D’abord, nous avons parlé de l’importance de ne pas rendre la peau floue pour enlever les imperfections. Les techniques comme la séparation de fréquence ainsi que dodge and burn son beaucoup plus appropriées pour obtenir un effet réaliste.

Ensuite, pour la retouche des yeux, l’essentiel est de toujours garder à l’esprit que le réalisme est le but ultime. Donc, il est préférable d’éviter de trop éclaircir les yeux, trop saturer l’iris ou trop foncer certaines parties de l’oeil.

Puis, j’ai aussi abordé la question de la correction des couleurs. Il est fréquent de voir des images qui ont été trop saturées de manière globale, ce qui a tendance à créer plusieurs problèmes.

Premièrement, cela peut donner un teint très étrange aux modèles. De plus, trop de saturation ajoutée peut faire en sorte de faire diminuer les détails dans certaines parties de l’image.

J’ai aussi discuté de l’importance de ne pas ajouter trop de netteté, pour éviter les halos qui trahissent automatiquement cet effet.

Finalement, je vous ai donné quelque trucs pour juger de vos images objectivement. D’abord de demander conseil à un ami photographe. Ensuite, de ne pas hésiter pour prendre des pauses lors de la retouche. Finalement, d’activer et désactiver les effets appliqués régulièrement lorsque vous êtes en train de retoucher

Bref, j’espère que cet article vous aidera à améliorer vos habiletés en retouche, tout en vous évitant l’embarras! Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les écrire dans les commentaires!

Sur ce, je vous dit à la prochaine, et bonne photos! 


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Pourquoi vous devez copier les autres photographes

Pinterest, Instagram, magazines... L'inspiration peut être trouvée partout. Qu'on se l'avoue ou non, nous avons tous, tôt ou tard, copié la photo d'un autre photographe...ou tenté de le faire. En apparence, tout le monde semble condamner ce genre de pratique. Mais est-ce vraiment aussi diabolique qu'on le dit? Au risque de choquer les puristes du droit d'auteur, voilà mon opinion sur la question : oui, vous DEVEZ copier les autres photographes.

Quoi?

Attention, je ne vous dit pas de copier les photos des autres dans les moindres détails, de l'éclairage aux réglages en passant par le décor, le concept, la pose, voir même le physique du modèle lui-même!

Par contre, le fait de savoir analyser une image que vous aimez vous aidera énormément à progresser et à établir votre propre style.

Alors, comment reproduire les effets qui vous plaisent sans plagier? Comment devriez-vous analyser des images? En quoi copier les autres photographes peut vous aider à développer votre style? Aujourd'hui, je vous donne quelques pistes de solutions.

Copier les autres photographes sans plagier : quelques mots sur les droits d'auteurs

Avant de copier les photos d'autres photographes, il est important de faire mention des droits d'auteurs. Attention, je ne suis pas avocate. Je ne peux donc pas vous donner de conseils légaux, mais voici mon opinion sur la question.

Depuis 2012, au Québec, la loi sur le droit d'auteur accorde automatiquement aux photographes le droit d'auteur sur leurs images, du moment qu'ils appuient sur le déclencheur.

Donc, techniquement, si vous reproduisez la photo d'un autre, mais avec votre propre appareil, vous êtes propriétaire du droit d'auteur sur cette nouvelle image, n'est-ce pas?

Ce n'est pas aussi simple que cela. Aux États-Unis, le Copyright Act prévoit la protection des oeuvres basées sur d'autres oeuvres. À titre d'exemple, une chanson remixée ou une peinture imitée avec une variante ne sont pas considérées comme des violations du droit d'auteur aux yeux de la loi.

Une oeuvre dérivée d'une autre est ainsi protégée par la loi sur le droit d'auteur, en autant qu'elle contienne assez d'éléments nouveaux. C'est là qu'il y a beaucoup de place à l'interprétation.

Dans cet article publié sur Peta Pixel, il est question du cas d'un photographe dont la photo a été imitée par une agence de publicité. Selon l'auteur de l'article, Adam Remsen, avocat, l'agence de publicité n'est pas fautive, puisqu'il y a assez d'éléments différents entre les deux.

Légal, peut-être, mais pas éthique à mon avis.

Si vous voulez vous faire votre propre opinion, voici les deux images :

Mais au Canada, comment ça marche?

La loi canadienne sur le droit d'auteur ne prévoit pas de clauses particulières concernant les oeuvres dérivées. Il ne semble pas non plus y avoir de directives claires pour déterminer si une oeuvre a été plagiée.

Cependant, cela pourrait être appelé à changer! Le cas de Claude Robinson servira forcément d'exemple pour la suite des choses.

Pour faire une histoire courte, celui-ci avait présenté à Cinar son concept d'émission pour enfant intitulé Robinson Curiosité. Après une mésentente entre Robinson et Cinar, la compagnie de production a lancé Robinson Sucroe, une série copiant les personnages, la trame de l'histoire, le thème, etc. Les dessins originaux ont été refaits différemment, mais malgré cela, la cour suprême du Canada a donné raison à Robinson, après un combat de près de 20 ans.

La photographe Cindy Hains a voulu connaître la position de la cour quant au plagiat de concepts photo. Voyant qu'une de ses photos avait été imitée par une autre photographe, elle a intenté une poursuite pour plagiat.

La cour des petites créances lui a octroyé 2500$ pour la copie et la publication d'une photo presque identique à la sienne à des fins commerciales (la photographe fautive ayant produit la photo dans le cadre d'une séance photo payante). Pour avoir plus de détails sur ce cas, vous pouvez lire l'article publié sur le blogue de Francis Vachon.

Bref, inspirez-vous des autres photographes pour comprendre leurs techniques. Mais, lorsque vous faites des photos qui seront publiées, assurez-vous d'amener assez d'éléments nouveau en terme de pose, de cadrage, etc. Votre créativité s'améliorera beaucoup plus, et vous vous éviterez beaucoup de problèmes...

Que devriez-vous analyser pour reproduire vos photos préférées?

Comme je l'ai expliqué précédemment, l'objectif ici n'est pas de reproduire une photos dans ses moindres détails. En réalité, il s'agit plutôt de reconnaître ce que vous aimez dans une image pour ensuite le réutiliser dans vos photos. Comme le dit très bien Jake Hicks dans cet article, votre seul objectif devrait être de créer une copie évoluée de ce que vous avez vu. Je vous invite à aller consulter les images d'exemples qu'il a utilisées. Vous verrez que les photos ne sont jamais des copies conformes des originales!

Mais alors, si vous ne copiez pas la photo dans son ensemble, comment devriez-vous copier les autres photographes?

L'idée est d'observer d'abord l'éclairage, puisque c'est ce qui a le plus d'importance pour l'ambiance d'une image. Si vous êtes capable de reproduire l'éclairage d'une image, il ne restera plus qu'à utiliser votre créativité pour obtenir de superbes photos!

Trouver l'éclairage utilisé dans une photo : le secret est dans les yeux!

Le première étape pour découvrir quel éclairage a été utilisé pour une photo est d'observer la forme et l'emplacement des catchlights dans les yeux.  Pour en savoir plus à propos des catchlights, je vous recommande d'aller lire mon article sur la retouche des yeux! 

Voyons quelques exemples.

Dans cette photo, la réflection de la lumière dans les  yeux est en forme d'anneau. Donc, on peut déduire que cette photo a été prise avec un ring light

Comme le catchlight est presque en plein centre de l'oeil de la modèle,  cela nous indique que l'éclairage était positionné directement devant elle. La lumière est très douce et il n'y a presque aucune ombre sur le visage de la mannequin.

Pour avoir une lumière aussi douce,  il faut avoir une source de lumière très grande en relation avec le sujet. Dans ce cas ci, comme la plupart des ring lights sont plutôt petits en général, le photographe a du positionner la lumière très près du sujet. 

Pour l'effet halo derrière le sujet, il y a deux possibilités. L'effet a peut-être été créé à la retouche dans Photoshop. Sinon, il y a de bonnes probabilités que le photographe ait utilisé un flash pointé vers le fond, avec une grille en nid d'abeille pour contrôler l'étendue de la lumière. 

Contrairement à l'image précédente, celle-ci est beaucoup plus contrastée. Le reflet de la lumière dans l'oeil semble être en forme de croissant, et est située un peu plus à droite. 

Vous allez me dire qu'il n'y a pas de modificateurs de lumière en forme de croissant, et c'est tout à fait juste. En fait, si on observe  de plus près, on voit qu'il s'agit en fait du flash qui cache une partie du parapluie dans lequel il se réfléchit! 

Comme je ne vois pas  d'autres réflexions dans les yeux, je ne crois pas qu'il y ait de réflecteur. Comme les ombres ne sont pas complètement bouchées, je me risquerais à dire que la lumière qui se réfléchit sur les bras de la mannequin est ce qui éclaircit les ombres.

Enfin, à voir la couleur de fond, je crois que la modèle était assez loin de ce dernier. Le fond a probablement été éclairée de la même façon que pour la photo précédente, à faible intensité.

Comment copier l'éclairage d'une image prise en lumière naturelle? 


En lumière naturelle, vous trouverez des catchlights très indistincts, ou au contraire, vous saurez au premier coup d'oeil qu'il s'agissait du soleil. Les deux photos de cette publication sur instagram sont un bon exemple. Pour voir la deuxième image, cliquez sur la publication!

Sur la première image, la lumière est très douce et on ne distingue pas de forme précise pour le reflet de lumière dans les yeux.  À mon avis, cette photo a été prise alors qu'un nuage passait devant le soleil, ou à l'ombre, en gardant une partie du ciel visible dans les yeux.  

Pourquoi pas dos au soleil? Parce que si ça avait été le cas, il y aurait eu beaucoup plus de lumière dans l'arrière-plan et dans les cheveux de la mannequin.

Sur la deuxième photo, en revanche, c'est le soleil qui est la source de lumière principale. Remarquez comme le reflet dans les yeux est petit et rond. L'ombre du nez de la modèle est aussi très découpée. Une lumière aussi dure est souvent créée par le soleil ou un flash nu.

Il y a deux raisons qui me font dire que c'est le soleil et non un flash. La première, c'est que l'arrière plan est éclairée de la même façon et dans la même direction que le sujet. Si un flash avait été utilisé, l'arrière plan aurait probablement eu l'air plus sombre. La deuxième, c'est que la couleur de la photo dans son ensemble nous indique que la photo a probablement été prise au coucher du soleil. Ceci justifie donc que le catchlight soit plus bas dans les yeux.

Comment analyser l'éclairage lorsque les yeux ne sont pas visibles?


Vous avez vu une superbe photo que vous aimeriez reproduire, mais vous ne voyez pas de reflets? Dans ce cas, il faudra observer la direction et la qualité de la lumière! 

Prenons cette superbe photo de nouveau-né comme exemple. 

D'abord, on remarque que la photo est plus claire du coté gauche que du côté droit. Donc, la source de lumière principale est forcément de ce côté. 

Ensuite, la lumière est extrêmement douce. Il est presque impossible de dire avec certitude où les ombres commencent et où elles s'arrêtent. Pour obtenir un éclairage aussi doux et diffus, il faut une source de lumière très grande par rapport au sujet.

Dans ce cas-ci, j'aurais tendance à penser que la photo a été prise près d'une grande fenêtre. Si la fenêtre n'st pas une option pour vous, je vous recommande fortement d'utiliser  un gigantesque parapluie muni d'un diffuseur. Plusieurs photographes portraitistes très talentueux en font l'éloge régulièrement! 

Pour cette image, la lumière est diffuse et vient du côté gauche de l'image, puisque c'est ce côté qui est plus lumineux. Pour diffuser l'éclairage, la photographe a probablement utilisé un softbox de bonne dimension. 

L'ombre sous le nez de la mannequin laisse croire que le flash était positionné presque à la hauteur du visage, légèrement à gauche. 

Enfin, comme le côté droit de l'image n'est pas complètement noir, je crois qu'un réflecteur a été utilisé, ou encore un flash a plus faible intensité. Il semble y avoir beaucoup de jaune dans cette zone de l'image. On peut supposer qu'un réflecteur doré a été utilisé. Ou, peut-être que c'est le maquillage qui donne cet effet!  

Copier les autres photographes pour apprendre et trouver son style

Si vous essayez de reproduire l'éclairage des photos qui vous plaisent, vous allez apprendre énormément dans le processus! 

Les essais et erreur que vous allez faire vont vous permettre d'observer votre éclairage et de découvrir plusieurs possibilités. Vous verrez ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas, ce que vous aimez, ce que vous n'aimez pas... 

Petit à petit, vous allez trouver les types d'images et d'éclairage que vous préférez. Ce sont ces préférences qui vont forger votre style unique! 

Conclusion


Bref, même si le fait de copier les autres photographes peut sembler mauvais ou non éthique, c'est un processus qui peut être extrêmement formateur! 

Il ne s'agit pas de reproduire entièrement une photo. Ce serait du plagiat. L'idée de base est plutôt d'analyser ce que font les autres et de créer votre version améliorée de ce que vous aimez.

Pour trouver quel genre d'éclairage a été utilisé, observez les catchlights dans les yeux des modèles. Cela vous donnera une foule d'informations sur l'éclairage utilisé. 

Observez aussi la qualité et la direction de la lumière. Est-elle diffuse? Est-elle dure? Est-elle directement devant le modèle? Derrière? De côté? Les ombres sont-elles découpées ou estompées? Sont-elles complètement noires ou plus claires?

Se sont toutes des questions que vous pouvez poser afin de reproduire la lumière que vous préférez!

Bref, j'espère que cet article vous sera utile pour améliorer vos photos et créer un style qui vous est propre!  Vous avez des photos que vous aimeriez que j'analyse? Mettez le lien dans les commentaires!

À la prochaine, et bonnes photos! 


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Focales et perspective

Vous êtes vous déjà retrouvé devant votre sac photo, en ne sachant pas quel objectif apporter avec vous en prise de vue? Vous êtes vous déjà demandé quel objectif acheter pour combler vos besoins, pour finalement vous retrouver plus mélangé qu'autre chose? Vous avez déjà entendu l'expression « longueur focale », mais vous n'êtes pas certain de ce que cela signifie?

Le fait de connaître ce que signifie le terme « longueur focale » vous sera absolument essentiel lorsque viendra le moment de vous procurer un nouvel objectif. Imaginez arriver à la boutique photo plein de confiance en sachant exactement ce qu'il vous faut!

De plus, la focale a plusieurs effets qui vous seront très utiles pour exercer votre créativité! Vous pourrez truquer la distance entre les objets dans vos photos, changer leurs proportions, et beaucoup plus!

Nous allons donc voir toutes les bases de la focales, le fonctionnement du zoom et son impact sur la perspective.

Qu’est-ce que la longueur focale?

La longueur focale, souvent exprimée en millimètres (mm), détermine à quel point vous serez « zoomé » dans vos photos. Plus le nombre de millimètres est élevé, plus votre objectif sera zoomé.

Le comment et le pourquoi des longueurs focales

Le très grand angle

Les objectifs se situant dans les plages de longueurs focales comprises entre 10 et 24 millimètres sont considérées comme des objectifs à très grand angle.

L’angle en question, c’est l’angle de vue de l’objectif. Lorsqu’on regarde des photos prises avec une objectif à grand angle, on peut avoir l’impression qu’elles sont étirées, surtout sur les côtés.

Nous verrons des exemples un peu plus loin. Les objectifs à très grand angle sont considérés comme des objectifs spécialisé, dont les focales se retrouvent très rarement sur les objectifs de kit.

Ils sont utilisées principalement pour les photos d’immobilier, pour les événements ou pour les paysages. Ils sont cependant rarement utilisés pour les portait, car ils déforment les proportions des sujets.

Le cheval de la photo de gauche semble avoir d’étranges proportions : sa tête semble énorme en relation avec le reste de son corps. C’est à cause de la focale utilisée (environ 16 à 18 millimètres). Pour réussir à photographier la grue en entier sur l’image de droite sans introduire d’éléments superflus, il fallait avoir recours à une très grand angle tout en restant près du sujet. Focale utilisée : 20 millimètres.

Le cheval de la photo du haut semble avoir d’étranges proportions : sa tête semble énorme en relation avec le reste de son corps. C’est à cause de la focale utilisée (environ 16 à 18 millimètres). Pour réussir à photographier la grue en entier sur l’image du bas sans introduire d’éléments superflus, il fallait avoir recours à une très grand angle tout en restant près du sujet. Focale utilisée : 20 millimètres.

Le grand angle

Un objectif est considéré comme à grand angle lorsqu’il a une focale qui se situe entre 24 et 35 millimètres. Généralement, les objectifs de kit commencent dans ces plages de focales.

Habituellement, le 24mm est le point où la distorsion sur les côtés des images commence à s’estomper. Ces focales sont souvent utilisées dans des situation où le photographe souhaite inclure un maximum d’informations par rapport au contexte de la situation photographiée, tout en conservant un aspect naturel.

Dans ces deux images, j’ai utilisé une focale d’environ 24mm. Dans les deux cas, le grand angle m’a permis de donner de l’information au spectateur sur le contexte de chaque situation. À gauche, le tournage d’un vidéoclip. À droite, une séance de signature d’autographes.

Dans ces deux images, j’ai utilisé une focale d’environ 24mm. Dans les deux cas, le grand angle m’a permis de donner de l’information au spectateur sur le contexte de chaque situation. En haut, le tournage d’un vidéoclip. En bas, une séance de signature d’autographes.

L’objectif standard

Les objectifs dits « standards » ont généralement des longueurs focales situées entre 35 et 70 millimètres. Les objectifs standards portent cette appellation parce que ce sont eux qui se rapprochent le plus de la vision humaine (outre la vision périphérique).

Ces objectifs sont parfait pour les portrait pris de près, ou les plein pieds. Ce sont des objectifs polyvalents. C’est la raison pour laquelle la plupart des objectifs de kit se situent dans cette plage de focales. Si toutefois vous cherchez à vous ajouter des possibilités en termes d’ouverture, un objectif à focale fixe comme le 50mm f/1.8 est un excellent choix pour une solution de qualité à faible coût.

D’ailleurs, plusieurs photographes professionnels qui oeuvrent dans le portrait ne jurent que par les objectifs fixes, puisqu’en enlevant la complexité d’un zoom, les fabricants arrivent à une qualité optique remarquable.

Ces deux photos ont été prises avec un 50mm. Comme il s’agit d’un objectif à très grande ouverture, il est possible de photographier même dans des situations de très faible lumière.

Léger téléobjectif

C’est à ce point que la majorités lentilles de kit arrêtent. On qualifie de léger téléobjectif les focales de 70 à 105 millimètres. Les meilleures lentilles de portrait se retrouvent habituellement parmi les légers téléobjectifs puisque la perspective demeure naturelle.

Téléobjectif

Les téléobjectifs sont les objectifs qui se situent dans les focales entre 105 et 300 millimètres (ou plus). Ils sont utilisés principalement pour les sujets distants, comme pour la photographie de nature et animalière, la photographie de sport, la photographie de spectacles ainsi que la photographie de presse.

Pour ces deux images du Festival d’Été de Québec, j’ai utilisé un objectif 70-200mm. Cela m’a permis de remplir le cadre de mes photos tout en créant un beau flou d’arrière plan.

Comment la focale influence-t-elle la perspective dans une photo?

La perspective fait référence à la dimension des objets ainsi que la distance entre eux. 

Plus un objet est près de l’appareil photo, plus il sera perçu comme « gros » par rapport aux autres, et vice versa. Avec un objectif, un peu truquer la perspective et donner l’illusion que certains objets sont plus loin, ou plus près les uns des autres.

Avec un grand angle, on « étire » la perspective,  ce qui donne l'impression que les objets dans l'image sont très loin les uns des autres. 

Inversement, avec un téléobjectif, on compresse les plans, ce qui donne l’impression que les objets dans la photos sont plus près les uns des autres, presque empilés.

Pour bien comprendre, imaginez que vous marchez dans la rue où vous habitez. Les voitures stationnées sur un coté sont « loin » de celles stationnées de l’autres coté de la rue, n’est-ce pas? Si par contre vous retournez chez vous et vous observez la rue à partir de votre fenêtre, les voitures semblent collées les une par dessus les autres.

C’est un peu le même phénomène qui se produit avec un objectif. Avec un grand angle, on est plus près du sujet, tandis qu’avec un téléobjectif, on se trouve en réalité plus loin du sujet, ce qui donne cette impression de proximité entre les plans.

Tout cela peut sembler bien abstrait, alors voici un exemple visuel de ce phénomène.

Même si la taille du kiwi est restée la même dans ces 4 photos, la taille des bananes a beaucoup changé entre la première et la dernière image. Je vous promet qu’aucun des objets n’a bougé! En fait, ces différences sont entièrement créées par la focale utilisée. De gauche à droite : 24mm, 35mm, 50mm, 200mm.

Même si la taille du kiwi est restée la même dans ces 4 photos, la taille des bananes a beaucoup changé entre la première et la dernière image. Je vous promet qu’aucun des objets n’a bougé! En fait, ces différences sont entièrement créées par la focale utilisée. De haut en bas : 24mm, 35mm, 50mm, 200mm. 

Pour terminer

En résumé, nous avons vu la différence entre les différentes longueurs focales, ainsi que leur effet sur la perspective dans vos images. 

En gros, la focale est exprimée en millimètres. Plus le nombre est petit, plus on dézoom : nous avons alors affaire à un grand angle. Plus le nombre est grand, plus on zoom : nous avons alors un téléobjectif.

Le grand angle permet d'inclure plus d'éléments dans votre photo pour aider à la mise en contexte. Par contre, il tend à étirer la perspective, c'est-à-dire donner l'impression que les différents plans dans l'image son plus loin les uns des autres. 

Au contraire, le téléobjectif vous permet de vous rapprocher virtuellement de votre sujet et donner l'impression que les différents plans sont plus près les uns des autres.

D'ailleurs, en portrait, il est préférable d'utiliser une focale plus longue pour éviter de déformer le visage de votre modèle...


J’espère que cet article vous aura aidé dans votre compréhension ce de phénomène et qu’il vous inspirera à aller prendre des photos en tirant avantage de la perspective!

N'hésitez pas à me laisser vos impressions et questions dans les commentaires!

Sur ce, je vous dis à la prochaine et bonnes photos!


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

8 raisons pourquoi vos photos sont floues!

Aujourd’hui, on va parler d’un sujet qui vous frustre certainement, parce qu’aujourd’hui, on parle des PHOTOS FLOUES.

Que vous fassiez des photos depuis longtemps ou que vous soyez nouveau votre aventure d’apprenti photographe, vous rencontrerez forcément l’immense frustration de vous demander : « pourquoi mes photos sont floues »?

Tôt ou tard, il nous arrive de prendre LA photo, pour finalement nous rendre compte qu’elle est floue et inutilisable! C’est une des pires situations qu’on peut rencontrer! Le pire dans tout cela, c’est que, dans bien des cas, on ne peut pas récupérer la photo au traitement...

Ainsi, la seule façon de se débarrasser des photos floues, c’est de ne capturer que des photos nettes, à chaque fois. Mais comment y arriver?

Aujourd’hui, nous allons discuter de 8 raisons pourquoi vos photos sont floues et comment éviter es photos floues. Puis, je vous parlerai de deux façons d’améliorer la netteté de vos images dans Lightroom et Photoshop.

Pour voir la version vidéo de ce tuto, c'est par ici! 

Erreur numéro 1 : vos photos sont floues parce que votre sujet bouge

« Oui, mais je photographie plein de sujets en mouvement! Mes photos de devraient pas être floues pour autant! » 

Vous avez raison. Cependant, il faut savoir que les sujets en mouvement nécessitent des réglages particuliers de votre appareil pour réussir à les figer dans votre image.

Pour y arriver, il faut que l’appareil photo soit plus rapide pour capturer la photo que la vitesse à laquelle le sujet bouge.

Pour modifier la vitesse à laquelle votre appareil capture vos photos, il faut modifier la vitesse d’obturation. Celle-ci, affichée en secondes ou en fractions de seconde, peut être contrôlée dans le mode manuel, le mode priorité à l’ouverture ou le mode programme.

En règle générale, si votre photo est floue, il faudra augmenter votre vitesse d’obturation jusqu’à ce que votre sujet soit bien figé dans votre image.

Comment savoir quelle vitesse choisir?

Il n’y a pas de nombres magiques, mais voici quelques indices!

Pour figer des animaux qui se déplacent lentement ou des personnes qui marchent, utilisez une vitesse d’au moins 1/250 de seconde.

Pour les sujets qui se déplacent plus vite, comme les animaux ou les personnes qui courent, les athlètes, etc, privilégiez une vitesse d’au moins 1/500 de secondes.

Pour les sports motorisés, une vitesse d’au moins 1/1000 de seconde sera nécessaire pour éviter les photos floues.


Erreur numéro 2 : vos photos sont floues parce que vous bougez

Si vous avez des photos sont floues au grand complet, même si votre sujet ne bougeait pas, il y a de fortes chances que vous et votre appareil ayez bougé.

Même si on a parfois l’impression d’être parfaitement immobile, il est très probable qu’on bouge quand même. Même si on s’est appuyé contre un arbre ou une table. Même si on retient son souffle. Eh oui! Du moment qu’on tient l’appareil à main levée, il est possible d’avoir des photos floues.

Comment éviter cela? La règle à retenir est que, pour les photos à main levée, votre vitesse d’obturation doit être proportionnelle à la focale maximale de votre objectif.

En français, cela peut dire que si votre objectif est un 70-200, vous devriez au minimum utiliser une vitesse de 1/200 de seconde. Si votre objectif est un 50mm fixe, utilisez une vitesse d’au moins 1/50 de seconde.

Pourquoi la vitesse minimale recommandée change-t-elle selon les focales? Parce que plus votre objectif a une longue focale, plus il est lourd. Plus votre objectif est lourd, plus il sera difficile pour vous de le stabiliser à main levée.

Si vous n’arrivez pas à la vitesse minimale recommandée parce qu’il fait trop sombre, augmentez votre ISO, ou posez votre appareil sur un trépied.


Erreur numéro 3: vos photos sont floues parce que votre mise au point est mauvaise

Maintenant que nous avons éliminé la possibilité que ce soit la vitesse d’obturation qui cause vos photos floues, il faut maintenant vérifier que la mise au point est faite correctement.

La mise au point peut s’avérer un peu plus complexe qu’elle en a l’air, mais je vais tenter de la simplifier le plus possible.

Il y a essentiellement 2 composantes qui peuvent influencer le rendu de la mise au point. D’abord, il faut déterminer correctement l’endroit où se fera la mise au point. Puis, il faut aussi décider de comment faire la mise au point.

Où faire la mise au point pour éviter les photos floues?

Pour faire la mise au point au bon endroit, il faut que le collimateur de mise au point se trouve sur notre sujet.

Le collimateur de mise au point est souvent représenté par un petit carré qui s’illumine en rouge ou en vert dans le viseur.

Pour que le collimateur soit sur votre sujet, deux options s’offrent à vous. Vous pouvez déplacer votre collimateur sur votre sujet avec les contrôles de votre appareil.

Vous pouvez aussi faire la mise au point en gardant le collimateur de mise au point au centre. Il suffit de mémoriser la mise au point, et de recadrer par la suite.

Comment faire la mise au point?

Il y a deux façons de faire la mise au point. La mise au point simple et la mise au point continue.

Avec la mise au point simple, vous appuyez sur le déclencheur à mi-course et l’appareil fait la mise au point sur votre sujet. Tant que vous ne lâchez pas le déclencheur, la mise au point restera inchangée. Ce mode de mise au point est parfait pour les sujets qui ne bougent pas.

Avec la mise au point continue, l’appareil tente de suivre le sujet, tant que vous tenez le déclencheur enfoncé à mi-course. Ce mode de mise au point est parfait pour éviter les photos floues lorsque votre sujet se déplace.

Erreur numéro 4 : vos photos sont floues parce que votre zone de netteté est trop courte

Si vous avez un objectif qui vous permet d’avoir une très grande ouverture, vous être probablement coupable de la prochaine erreur. Ce n’est pas parce que votre objectif vous permet une grande ouverture qu’il faut absolument l’utiliser pour tout, tout le temps.

Ce qu’il faut savoir, c’est que l’ouverture du diaphragme influence la taille de la zone de netteté, aussi appelée profondeur de champ. Plus votre ouverture est grande, et plus la zone de netteté sera courte. Dans la vraie vie, cela signifie que,, si vous faites un portrait à f/1.8, il est possible que seulement un seul des yeux de votre modèle soit net.

Si jamais vous voyez que c’est le cas de votre photo, essayez de réduire un peu l’ouverture du diaphragme.


Erreur numéro 5 : vos photos sont floues parce que votre objectif est mal calibré

Il est possible que votre objectif soit mal calibré, même si c’est un objectif tout neuf.

En effet, pour les appareils reflex, il arrive que l’appareil croie à tort que la mise au point est bonne, même si l’objectif n’est pas parfaitement au point.

Pour remédier à ce problème, il faut calibrer l’objectif avec une mire spéciale conçue à cet effet.

Ce ne sont pas tous les appareils qui permettent ce genre d’ajustements. Par contre, si votre appareil vous permet d’effectuer une calibration de vos objectifs, je vous invite à aller voir ce tutoriel pour apprendre à le faire vous-même. Si cela vous embête, vous pouvez aussi déléguer la tâche à un technicien chez tout bon réparateur.


Erreur numéro 6 : vos photos sont floues parce que vous utilisez mal la stabilisation de votre objectif

La stabilisation de l’objectif est un très bon outil pour éviter les photos floues.

Par contre, la stabilisation de l’objectif peut aussi vous jouer bien des tours si votre appareil photo est sur trépied.

En gros, si vous tenez votre appareil à main levée, utilisez la stabilisation de l’objectif.

Si votre appareil est sur trépied, en revanche, le moteur de stabilisation peut créer des vibrations qui nuiront à la netteté de votre image. Il est donc préférable, dans ce cas, de désactiver la stabilisation, surtout si vous utilisez une très longue focale.

Erreur numéro 7 : vos photos sont floues parce que l’ajustement dioptrique de votre appareil est déréglé

Si vos photos semblent floues lorsque vous regardez dans le viseur, même lorsque la mise au point a bien été effectuée, peut-être que la dioptrie de votre appareil photo est déréglée.

La dioptrie permet d’adapter votre viseur à votre propre vision, un peu comme des lunettes.

Si la dioptrie n’est pas ajustée à votre vision, vous pourriez être porté à ajuster manuellement votre mise au point, même lorsque celle-ci est correcte, parce que ce que vous voyez ne vous plaît pas.


Erreur numéro 8 : vos photos sont floues parce que vous n’ajoutez pas de netteté au traitement

Si vous prenez vos photos en JPEG, il y a de fortes chances que votre appareil-photo soit muni d’un préréglage de développement qui ajoute de la netteté à vos images.

Cependant, si vous faites vos photos en raw, vous remarquerez probablement que vos photos ne semblent pas avoir le « croustillant » qu’elles devraient avoir.

Au risque de vous décevoir, la netteté parfaite n’existe pas. Il faut donc en ajouter un petit peu!

Attention cependant! Les techniques que je m’apprête à décrire doivent être utilisées modérément et ne peuvent pas réellement récupérer une mauvaise mise au point ou un flou de mouvement.

Comment ajouter de la netteté dans Lightroom

Il existe quelques solutions dans Lightroom pour ajouter le peu de netteté qui manque à vos images.

Personnellement, j’utilise la fonction netteté, qui se trouve dans l’onglet détail du panneau de gauche, dans le module de développement.

Vous allez remarquer, normalement, 4 curseurs que vous pouvez ajuster.

Le gain, c’est ce qui détermine la quantité de netteté ajoutée. C’est un peu comme le bouton de volume, si on veut.

Le rayon, lui, détermine la taille des halos près des contours de l’image. En gros, la grosseur des détails appliqués.

Les deux autres réglages servent à limiter l’étendue de la netteté ajoutée. Le détail vous permet de réduire l’effet de halo près des contours de l’image.

Le masquage, lui, est très pratique, parce qu’il vous permet de déterminer où appliquer votre effet. Par exemple, avec un portrait, vous pourriez vouloir ajouter de la netteté au niveau des yeux, cheveux, etc, mais sans affecter la texture de la peau.

Pour voir plus facilement où s’appliquent vos réglages, vous pouvez maintenir la touche art ou option enfoncée lorsque vous faites vos réglages.


Comment ajouter de la netteté dans Photoshop

Pour ajouter de la netteté dans Photoshop, j’utilise le filtre passe-haut.

L’avantage de cette méthode est que vous pouvez mieux contrôler la quantité de netteté ajoutée, de même que l’endroit où vous voulez l’appliquer.

Pour utiliser cette méthode, il suffit de dupliquer votre image sur un deuxième calque.

Ensuite, allez dans filtre, divers, passe-haut. Avec le curseur de rayon, choisissez la quantité de netteté que vous voulez ajouter.

Maintenant, vous avez une image complètement grise. Pour ramener la couleur dans votre photo, vous devez changer le mode de fusion du calque de netteté.

Le mode de fusion choisi aura un impact sur la quantité de netteté qui s’appliquera à votre image. En général, j’utilise le mode de fusion Incrustation, qui est plus subtil.

À partir de là, vous pouvez modifier l’opacité de ce calque pour réduire l’effet.

Si vous préférez appliquer votre réglage seulement à certains endroits précis, ajoutez un masque de fusion sur votre calque, que vous remplirez de noir. Puis, avec un pinceau blanc, vous pourrez révéler l’effet uniquement aux endroits qui vous intéressent.

Souvent, en portrait, on utilisera un masque pour ajouter de la netteté au niveau des yeux, sourcils, lèvres, etc.


Conclusion

Aujourd’hui, nous avons vu les principales raisons pourquoi vos photos sont floues. Nous avons commencé par les erreurs les plus communes, suivi de trucs un peu plus avancés.

En premier lieu, nous avons vu qu’il est primordial d’utiliser une vitesse d’obturation qui soit adaptée au sujet photographié ainsi qu’à votre focale, si vous tenez votre appareil à main levée.

Puis, nous avons ensuite discuté de l’importance d’une bonne mise au point. Avez-vous fait votre mise au point au bon endroit? Avez-vous utilisé le bon mode de mise au point? Ce sont toutes des questions à garder en tête lorsque vous faites des photos.

Ensuite, nous avons vu que l’ouverture utilisée pouvait aussi créer des flous. En effet, lorsque l’ouverture est très grande, la zone de netteté est plus courte, ce qui peut faire en sorte que votre sujet soit en partie flou.

Si, après avoir réglé tous ces problèmes, vos photos sont encore floues, il y a d’autres solutions possibles.

Vous pouvez tenter de calibrer vos objectifs, si votre appareil vous le permet.

Méfiez-vous de la stabilisation d’objectif, qui peut causer des flous lorsque vous photographiez sur trépied.

Ajustez la dioptrie de votre appareil pour votre vision, pour éviter de corriger une mise au point qui était déjà correcte.

Enfin, je vous ai aussi parlé des façons d’ajouter un peu de netteté dans Lightroom et dans Photoshop, pour donner à vos images le « croustillant » qui leur manque. Évidemment, comme toute bonne retouche, la modération et le bon goût sont de mise!

J’espère que cet article vous aura aidé à ce que les photos floues soient chose du passé.

Si cet article vous a aidé, n’hésitez pas à le partager avec vos amis! Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les écrire en commentaires!

Sur ce, je vous dis à la prochaine, et bonnes photos! 


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Le triangle d’exposition : une infinité de possibilités!

Après avoir appris les bases de l'exposition et de ces différents paramètres, pourquoi ne pas s'aventurer dans le mode manuel? Ça ne doit pas être compliqué...right?

Si vous êtes comme moi, je parie que vos premières expériences se sont résumées à ceci : essais, erreurs, essais, erreurs, essais...encore ERREURS!

Le mode manuel est souvent complexe et difficile à maîtriser pour les débutants. C'est normal et je vous comprends! Après tout, il y a plusieurs boutons à connaître, plusieurs contrôles à maîtriser...et ce n'est pas toujours évident d'arriver à la bonne exposition.

Mais, ne vous découragez pas! Déjà, si vous avez lu l'article sur l'exposition, vous avez une base très solide sur l’un des aspects les plus importants de la photographie! Vous savez ce qu’est l’exposition et ce qui peut l’influencer, à savoir l’ouverture, la vitesse, et l’ISO.

Mais après avoir appris toutes ces notions, après avoir pratiqué dans les modes semi automatiques, vous aimeriez vous aventurer dans le mode manuel pour avoir un maximum de contrôle? Il ne vous manque qu’un élément à maitriser : le triangle de l'exposition

Le triangle d'exposition, c’est quoi?

Le triangle d'exposition est une loi qui définit le lien de cause à effet entre chacun des paramètres d’exposition. En français, cela veut dire que chacun des trois est inter-relié : si on modifie l’ISO, l’ouverture ou la vitesse, pour arriver à la même exposition, nous devrons modifier un autre des paramètres pour conserver la même lumière. 

Pourquoi utiliser le triangle d'exposition?

Le triangle d'exposition est très utile lorsque vous souhaitez changer les effets de profondeur de champ ou de mouvement dans vos photos sans affecter l’exposition. 

En effet, le triangle de l'exposition sert à obtenir un effet précis dans vos photos sans compromette une bonne exposition. Par exemple, il se pourrait que vous souhaitiez ajouter un flou d'arrière plan en augmentant votre ouverture. En mode manuel, si vous modifiez l'ouverture, votre exposition changera. Alors, vous devrez aussi modifier un autre paramètre d'exposition pour maintenir la même luminosité.

Dans cette situation, nous avons un bel exemple de l’effet du triangle d''exposition. À exposition identique, l’effet de chaque image est différent. Pour l’image de gauche, j'ai utilisé les paramètre suivants : ISO 50, f/22, 1/15 secondes. La petite ouverture m'a permis de rendre presque nette les branches, qui étaient beaucoup plus près de l’appareil que la chute. De plus, la vitesse plus lente (sur trépied) a dessiné le mouvement de l’eau de la chute. Pour la seconde photo, à droite, mes paramètres étaient de 50 ISO, F/4, 1/500 seconde. L’ouverture plus grande a rendu les branches plus floues, jusqu’à pratiquement disparaître. Cette fois, par contre, le mouvement de l’eau a été figé par la vitesse beaucoup plus rapide. 

Dans cette situation, nous avons un bel exemple de l’effet du triangle d''exposition. À exposition identique, l’effet de chaque image est différent. Pour l’image du haut, j'ai utilisé les paramètre suivants : ISO 50, f/22, 1/15 secondes. La petite ouverture m'a permis de rendre presque nette les branches, qui étaient beaucoup plus près de l’appareil que la chute. De plus, la vitesse plus lente (sur trépied) a dessiné le mouvement de l’eau de la chute. Pour la seconde photo, en bas, mes paramètres étaient de 50 ISO, F/4, 1/500 seconde. L’ouverture plus grande a rendu les branches plus floues, jusqu’à pratiquement disparaître. Cette fois, par contre, le mouvement de l’eau a été figé par la vitesse beaucoup plus rapide. 

Mais comment savoir de combien modifier chacun des paramètres pour arriver au résultat escompté? Je pense qu’on est dus pour une petite métaphore!

La métaphore du verre d’eau

Pour expliquer le triangle de l'exposition, rien de mieux que la métaphore du verre d’eau. Je sais, cet exemple est assez classique, mais il l'est pour une bonne raison : il est efficace!

Imaginons que le verre d’eau correspond au capteur et à sa sensibilité (ISO), que le robinet et le débit d’eau représentent l’ouverture du diaphragme et que le temps pour remplir le verre représente la vitesse d’obturation. Supposons également qu’un verre plein à ras bord soit une exposition correcte.

Dès qu’on change l’un des trois éléments, forcément, quelque chose d’autre changera. Pas certain de comprendre? Allons-y avec quelques exemples.

Disons que j’ai un grand verre d’eau de 500 ml à remplir, en utilisant le débit maximal d’eau dans mon robinet. Cela prendra relativement peu de temps à remplir mon verre, probablement environ 4 secondes.

Dans cet exemple, nous pouvons remplacer les données par nos paramètres de photo. Supposons que notre verre est un capteur réglé à une sensibilité de 100 ISO, que mon robinet au maximum correspond à un objectif à son ouverture maximale, disons f/2.8 et que le temps de remplissage du verre d’eau, pour garder un chiffre rond, correspondant à une vitesse d’obturation de 4 secondes.

Si je change mon verre de 500ml pour un verre de 250ml, soit deux fois plus petit, en gardant le débit d’eau au maximum, qu’arrivera-t-il au temps qu’il faudra pour le remplir? Forcément, il diminuera..de moitié!

Transposé en photographie avec notre exemple précédent, notre ISO de 100 devient alors 200, notre ouverture de f/2.8 reste la même, mais comme on a doublé la sensibilité du capteur à la lumière, il faudra réduire le temps d’exposition de moitié pour éviter que le capteur ne «déborde» de lumière! Notre 4 secondes du départ deviendra alors 2 secondes.

Dans cet exemple, le même débit d’eau est utilisé. Par contre, nous avons un verre qui est pratiquement deux fois plus petit dans l’exemple de droite. Il se remplit donc beaucoup plus vite pour avoir une quantité d’eau égale au verre de gauche.

Dans cet exemple, le même débit d’eau est utilisé. Par contre, nous avons un verre qui est pratiquement deux fois plus petit dans l’exemple du bas. Il se remplit donc beaucoup plus vite pour avoir une quantité d’eau égale au verre du haut.

Je sais que cela fait beaucoup d'information à digérer par écris, alors j'ai pensé à tous mes amis visuels parmi vous! Voici donc une petite vidéo très bien faite pour voir la métaphore du verre d'eau en action!

Comment calculer les différences de luminosité?

Vous avez probablement déjà entendu le terme «stop» en rapport avec la lumière, mais de quoi s’agit-il? Non, ce n’est pas pour vous dire quand arrêter de tourner vos molettes de réglages! Le «stop» est simplement une unité de mesure de la luminance (c'est-à dire, la quantité de lumière). Chaque fois qu’on double ou qu’on diminue de moitié la quantité de lumière totale, on a affaire à un stop.

Par exemple, disons que pour avoir l’exposition correcte j’ai besoin de deux ampoules. Si j’enlève une ampoule, j’ai la moitié moins de lumière. Donc, j’ai diminué la luminosité de 1 stop. Si, par contre, j’éclaire la scène avec 4 ampoules plutôt que deux, alors j’ai doublé la luminosité. Alors, on a augmenté d’un stop.

Les stops et l’ISO

Pour l’ISO, c’est très simple. Quand le nombre ISO double, alors on a une différence d’un stop. Par exemple, de ISO 100 à 200, on a +1 stop. De 800 à 400, on a -1 stop.

Souvent, les appareils photos permettent de faire des réglages précis qui sont moins important que de doubler ou réduire de moitié la lumière.

Selon les paramètres choisis sur votre boîtier, vous aurez des paliers de 1/3 ou 1/2 stop. Certains appareils d’entrée de gamme ne permettront pas cette précision au niveau de l’ISO. Il faudra donc y faire plus attention.

Les stops et la vitesse

Pour la vitesse d’obturation comme pour l’ISO, le calcul demeure très intuitif. Par exemple, si vous utilisez une vitesse d’une seconde et passez à une vitesse de 2 secondes, alors vous doublez le temps d’exposition, ce qui donne une différence de +1 stop.

Inversement, si en partant d’une seconde vous changez pour 1/2 seconde, nous aurons une différence de -1 stop. Encore là, vous aurez des nombre entres ces valeurs «pleines» pour plus de précision, souvent des tiers ou demi stop.

Attention cependant! Les valeurs de vitesse se comptent très bien, à part 2 petites exceptions : de 1/8 à 1/15, on considère qu’il s’agit d’une différence dune stop. De 1/60 à 1/125 aussi. Il faut croire que les fabricants d’appareils photos voulaient conserver de beaux chiffres. Imaginez 1/8 - 1/16 - 1/32 - 1/64 - 1/128 - 1/254 de secondes… cela n’aurait pas de sens!

Les stops et l’ouverture

Lorsqu’on arrive avec l’ouverture, il devient moins intuitif de juger quelles valeurs constituent une modification d’un stop, car elles ne sont pas linéaires, c’est à dire que f/8 n’est pas deux fois plus grand que f/16.

Sans entrer dans les détails de pourquoi c’est comme ça, je vais simplement vous donner les ouvertures qui correspondent à des paliers d’un stop : f/1 - f/1.4 - f/2 - f/2.8 - f/4 - f/5.6 - f/8 - f/11 - f/16 - f/22 - f/32.

Encore une fois, vous aurez également le choix de 1/2 ou de tiers de valeurs pour augmenter la précision des changements que vous voudrez apporter.

Comment maîtriser le triangle d'exposition?

Je sais que ce sujet du triangle d'exposition est assez lourd et pas toujours facile à maitriser. Je me souviens de mes premiers examens théorique en photographie, où j’écrivais sur le haut de ma feuille de réponse tous les crans d’un stop d’ouverture, de vitesse et d’ISO que j’avais appris par coeur! Je les encadrais et je comptais le nombre d’encadrés qu'il y avait entre chacun. Comme l’examen était seulement à l’écris, je n’avais pas le loisir d’utiliser mon appareil photo à titre de référence! 

Heureusement, sur le terrain, avec votre appareil dans les mains, c’est beaucoup plus facile à calculer! Si votre caméra fonctionne en tiers de valeurs, la molette de contrôle tournera, logiquement, de trois crans avant d’avoir modifié l’exposition d’un stop.

Mon conseil serait de vous exercer à modifier l’exposition pour une même scène, en mode manuel, en prenant une première photo, puis en ajustant 2 paramètres respectivement de 3 crans de plus sur la molette de contrôle, et 3 crans de moins pour l’autre, pour ensuite reprendre une photo.

L’exposition restera la même, mes vous verrez en temps réel les changements de vitesse, ouverture et ISO. Vous pouvez aussi vous référer à ce tableau, qui est un très bon aide-mémoire!

Pour terminer

En bref, nous avons vu que pour savoir comment utiliser le mode manuel, il est impératif de comprendre le triangle d'exposition. Nous avons vu comment fonctionne ce principe grâce à la métaphore du verre d'eau.

En passant, si vous aimeriez avoir une autre métaphore pour mieux comprendre, je vous invite à visiter mon article sur l'exposition ici.

Ensuite, nous avons discuté de la notion de stop, qui permet de calculer les différences de luminosité entre deux valeurs d'exposition.

Enfin, nous avons vu les valeurs principales d'ISO, de vitesse et d'ouverture et j'ai terminé en vous donnant quelques trucs pour éviter les erreurs lorsque vous modifiez vos paramètres, grâce aux crans de vos molettes de contrôle. Avec tous ces conseils, vous devriez être en mesure de vous débrouiller sur le terrain!

Sur ce, si l’article vous a plu, n’hésitez pas à le partager avec vos amis! Si vous avez des questions, ne vous gênez pas de me laisser vos interrogations en commentaire ou via la boîte de clavardage!

Su ce, je vous dit à la prochaine, et bonnes photos! 


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

L’histogramme et le posemètre : deux essentiels pour une exposition parfaite!

Vous avez votre appareil photo depuis quelques temps, vous pratiquer la photographie aussi souvent que possible et vous comprenez assez bien les effets de l’ouverture, de l’ISO et de la vitesse sur vos images, mais il vous arrive à l’occasion de ne pas avoir la bonne exposition?

Vous avez regardé l’écran de votre appareil et tout semblait parfait sur le terrain, alors qu’arrivé à la maison, la réalité est tout autre?

Je sais, c'est très frustrant. À quoi bon se donner tout le mal du monde à comprendre l'exposition si, malgré tout, notre exposition s'avère mauvaise?

Pourtant, la solution n'est pas bien loin! Il y a deux petits outils souvent ignorés qui aurait pu vous sauver tous ces problèmes : l’histogramme et le posemètre.

Qu’est-ce que l’histogramme?

L’histogramme est en fait une représentation graphique de la distribution des tons clairs et foncés dans votre photo.

Si on fait un petit voyage dans le temps pour retourner à vos cours de mathématiques du secondaire, on peut penser à l’histogramme comme un plan cartésien.

L’axe vertical nous donne le nombre de pixels tandis que l’axe horizontal nous donne la valeur de luminosité. En gros, lorsqu’on l’examine de gauche à droite, on retrouve d’abord les tons foncés, ensuite les tons moyens et finalement les tons clairs.

Plus il y a de pixels dans l’image correspondants à ces tonalités, plus vous verrez un gros «pic» dans l’histogramme à cet endroit. Bref, l’histogramme est un outil indispensable en photographie lorsqu’on veut tout savoir sur l’exposition de notre photo!

Voici un exemple d’histogramme:

L’histogramme donne une représentation graphique de la luminosité dans votre photo. Dans cet exemple, il y a une grande quantité de pixels dans la zone centrale, correspondant aux tons moyens. Il n’y a pas de pics collés aux extrémité de l’histogramme, indiquant une bonne exposition.

Où trouver l’histogramme?

L’histogramme peut s’afficher systématiquement avec vos photos sur votre appareil. Il suffit de programmer votre appareil à cet effet en allant activer cette fonction dans les menus. Vous pourrez trouver cette information dans le manuel de l’utilisateur.

En faisant cela, vous vous éviterez bien des surprises.

Si, par contre, vous préférez avoir un affichage normal de vos photos sur votre écran suivant la prise de vue, vous pouvez également demander à l’appareil d’afficher l’histogramme via un bouton d’information ou autre touches, selon les différents modèles. 

De quel genre d’histogramme avez-vous besoin?

En temps normal, l’histogramme d’une photo bien exposée devrait ressembler à une montagne, avec une majorité de tons moyens.  Donc, il devrait y avoir un pic au milieu. Il peut aussi y avoir un pic du coté des noirs ou des blancs, selon les contrastes du sujet photographié.

Pour s’assurer que la photo n’est ni sous exposée, ni surexposée, les différents pics de l’histogramme ne devraient jamais toucher des côtés du graphique. Cela signifierait qu’il y a un manque d’information dans les tons foncés ou pâles, et il serait alors impossible de récupérer ces informations au traitement.

Voici quelques exemples de photos avec leur histogramme pour nous aider à comprendre.

Ici, ce qui explique le pique à droite de l’histogramme est la grande quantité de mousse blanche sur l’image. À gauche, le pic correspond aux chandails des participants et aux arbres foncés.

Ici, le sujet la photo est presque entièrement blanc. Ainsi, il est logique que l’histogramme se situe majoritairement à droite, dans la section des hautes lumières. La photo n’est pas surexposée pour autant.

Cette image est principalement composés de tons moyens, sans grandes zones de tons particulièrement foncés ou pâles. Ainsi, l’histogramme correspondant nous montre une répartition plutôt égale de pixels dans l'ensemble du graphique.

Cette image est surexposée : on perçoit à peine la couleur du ciel, les arbres sont délavés et il n’y a pas de détail dans les nuages. L’histogramme nous démontre le problème : le graphique colle le coté droit.

Cette image est sous-exposée : plusieurs zones de l’image sont complètement noires. On a l’impression de regarder la scène à travers des lunettes fumées. Le graphique en témoigne en étant entièrement collé au côté gauche.

Cette image est  légèrement sous-exposée volontairement, pour montrer les couleurs du ciel mais également diminuer l’attention portée aux rochers. Le graphique indique donc un pic à gauche dans la zone des noirs.

Que faire si l’histogramme indique une sous exposition ou une surexposition?

La première étape après avoir vérifié l’histogramme est de le comparer avec la photo elle même.

Avez vous une photo très contrastée? Si oui, il est fort probable que l’histogramme n’ait pas vraiment l’air d’une montagne, comme nous avons vu avec les exemples précédent.

Votre histogramme n’est pas centré, mais se situe plutôt d’un coté que de l’autre? Si votre photo n’est pas particulièrement claire ou sombre dans son ensemble, il se pourrait que vous ayez affaire à une mauvaise exposition.

Dans ce cas, deux options s’offrent à vous. Si vous utilisez un mode semi-automatique, utilisez le bouton de correction d’exposition (+/-) pour modifier l’exposition et reprendre votre photo pour ainsi rétablir la situation.

Si vous utilisez le mode manuel, changez l’un des paramètres d’exposition, soit l’ouverture, l’ISO ou la vitesse d’obturation, en fonction de l’effet artistique recherché.

Un autre indispensable : le posemètre

L’histogramme est un outil fantastique, autant à la prise de vue qu’à la retouche. Il n’a qu’un seul petit désavantage : il ne s’affiche pas pendant la prise de photo.

Heureusement, il existe un autre outil très pratique pour évaluer l’exposition en temps réel : le posemètre.

Le posemètre, c’est un peu comme le petit frère de l’histogramme. Il s’affiche de façon plus compacte et un peu différente, mais nous indique tout aussi fidèlement l’état de l’exposition.

En fait, le posemètre s’affiche seulement à l’horizontal, comme une échelle graduée. Voici un exemple:

Un exemple de posemètre, sur les appareils Nikon. À gauche, nous avons un exemple de posemètre lorsque l'exposition est normale. Au centre, une sous-exposition de 1/3 de stop. À droite, une surexposition de plus de 2 stops.

Lorsque le curseur se retrouve au centre de l’échelle du posemètre, nous avons une exposition adéquate.

Les petites barres de chaque coté indique des tiers de stop (ou demi, si c’est le réglage que vous avez choisi pour votre caméra) et les grandes barres indiquent les stop complets.

Dans la grande majorité des cas, l’histogramme vous donnera une représentation juste de l’exposition recherché.

Cependant, comme l’histogramme, il fonctionne mieux dans des situations normales.

Lorsque vous photographiez une scène très sombre, par exemple un spectacle, ou inversement, un paysage hivernal couvert de neige, un posemètre au centre ne donnera pas l’effet recherché.

Une règle de base pour vous aider dans ces cas là est de surexposer de 1 à deux stops pour les scènes très claires, et sous exposer de 1 à 2 stops pour les scènes plus sombres!

En bref

Si l'exposition est généralement correcte lorsque vous utilisez un mode semi automatique, il arrivera inévitablement des situations où l'appareil ne vous donnera pas exactement le résultat escompté.

Pour remédier à ce problème, une des meilleures solutions est d'apprendre à lire l'histogramme, qui donne des informations très précieuses sur l'état de l'exposition.

Nous avons vu qu'en général, un histogramme indique une bonne exposition lorsqu'il s'étend sur toute sa largeur, avec un pic souvent au centre. Cependant, grâce à plusieurs exemples, nous avons aussi vu que, dans certaines situations particulières, l'histogramme aura un pic qui ne sera pas centré, mais plutôt du coté des tons clairs ou foncés.

En plus de l'histogramme, nous avons aussi discuté du posemètre, qui s'affiche pendant la prise de vue. Comme l'histogramme, il indique généralement une bonne exposition lorsqu'il est centré, mais peut aussi indiquer une bonne exposition lorsqu'il tend plus d'un côté que de l'autre avec des sujets plus clairs ou plus foncés.

Finalement, je vous ai donné quelques barèmes pour vous guider lorsque vous corrigez votre exposition, selon vos sujets. Je souhaite que ces outils vous aideront à avoir de bonnes expositions à partir de maintenant! 

Si vous avez des questions, n'hésitez pas à m'écrire, soit dans les commentaires ou via messenger!

Sur ce, je vous dit à la prochaine, et bonnes photos!

 


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

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