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Comment changer la couleur des vêtements dans Photoshop

Il peut arriver que vous ayez besoin de changer la couleur des vêtements dans Photoshop.

Que ce soit pour mieux agencer les vêtements de plusieurs personnes dans un portrait de famille ou pour un catalogue à la demande d'un client,  savoir changer la couleur vous sera très utile. 

Donc, aujourd'hui, je vous enseignerai comment changer la couleur des vêtements dans Photoshop, avec l'outil teinte-saturation et le filtre de couleur unie. 

Ces deux techniques très simples vous dépanneront dans la une gros éventail de situations. Vous allez pouvoir utiliser la même méthode pour changer la couleur d'à peu près n'importe quoi. 

Et si vous préférez apprendre en vidéo, voici le tuto! 

Étape 1 : la sélection


Il existe plusieurs façons de faire un sélection dans Photoshop. 

Par contre, plusieurs méthodes sont longues, difficiles ou simplement inefficaces. 

Ma méthode de sélection préférée, surtout lorsqu'il s'agit de précision, est la sélection par plage de couleurs.

Avec cette méthode, Photoshop sélectionne tout ce qui est inclus dans les teintes que vous avez déterminées. 

Voici comment utiliser la sélection par plage de couleur : 

Allez à sélection / plage de couleurs.

Dans la fenêtre de plage de couleur, sélectionnez l'option pipette dans le menu déroulant en haut de la fenêtre.

Cliquez sur le vêtement à modifier avec la pipette.

Vous pouvez enlever ou ajouter des parties à la sélection avec les pipettes à droite de la fenêtre.
Si la sélection n'est pas parfaite à ce point-ci, pas de panique! La sélection est enregistrée sur un calque, que vous pourrez modifier facilement.


étape 2 : le changement de couleur


Pour changer la couleur des vêtements ou d'autres objets, il y a 2 techniques que j'utilise très souvent : teinte-saturation et couleur unie.  Certaines situations se prêtent mieux à l'une ou l'autre des techniques. Alors n'hésitez pas à essayer les deux!

Changer La couleur avec teinte-Saturation

La technique de teinte saturation permet de changer n'importe-quelle couleur pour une autre en faisant des variation de la couleur (teinte) et de la saturation.

Cette méthode permet aussi de changer uniquement certaines plages de couleurs sans avoir fait de sélection au préalable. Si vous voulez voir comment faire, je vous suggère d'aller voir cette vidéo.

Pour notre photo d'exemple, voici la marche à suivre. 

Assurez-vous que la sélection faite précédemment est encore active. Sélectionnez le réglage de teinte-saturation dans le panneau des ajustements. Un masque sera automatiquement ajouté au réglage.

Comme la sélection a déjà été faite pour le chandail, nous allons simplement bouger les curseurs de teinte et de saturation jusqu'à ce que la couleur soit convenable, en laissant le paramètre prédéfini  à par défaut et le réglage de zone à global.

Dans le cas de cette photo, il semblerait que le chandail ait certaines dominantes de couleurs. Pour avoir un meilleur résultat, nous allons utiliser un autre technique.

CHANGER LA COULEUR AVEC le filtre de couleur unie

Le filtre de couleur unie sert à appliquer une couleur spécifique à l'image en entier ou à certaines zones. La beauté de cette technique est qu'il est très facile de changer l'effet de la couleur sur l'image en changeant le mode de fusion ou en ajoutant un masque.

En plus, comme c'est un réglage dynamique, il est très facile de changer la couleur en quelques clics. C'est donc beaucoup plus efficace que de peindre directement sur un calque et avoir à changer le calque en entier. 

Pour notre photo, voici comment faire.

Dans le bas du panneau des calques, cliquez sur le biscuit demi-lune. Puis, cliquez sur le premier réglage en haut du menu, c'est à dire couleur unie.

Dans le sélecteur de couleur, choisissez une couleur proche de ce que vous voulez. Pas besoin d'être précis, parce que vous pourrez changer la couleur très facilement plus tard.

Changez le mode de fusion de l'ajustement pour teinte ou couleur. Vous pouvez le changer pour teinte si vous voulez conserver le niveau de saturation d'origine. Dans ce cas, on veut avoir plus de saturation, alors allons-y pour couleur.

Maintenant, la couleur prendra toute la place dans la photo. Par contre, nous pouvons utiliser la sélection faite précédemment pour appliquer la couleur à ce qu'on veut. Pour cela, il suffit de cliquer sur le masque en tenant la touche opt ou alt enfoncée, puis de le glisser sur l'ajustement de couleur unie.

Si la couleur n'est pas exacte, il suffit de cliquer à nouveau sur l'ajustement de couleur unie pour changer la couleur. Le sélecteur apparaîtra et vous pourrez cliquer sur un élément du décor avec la pipette pour l'agencer parfaitement.

ÉTAPE 3 : Parfaire la sélection

Généralement, la sélection par plage de couleur fonctionne très bien sans laisser trop d'éléments indésirable dans la sélection. 

Par contre, lorsque la couleur sélectionnée se retrouve un peu partout dans le décor, on a un peu plus de défi à relever. 

Dans ce cas-ci, le chandail à changer de couleur était peu saturé, et notre sélection a inclus la neige et le ciel aussi. 

Voici donc comment y remédier. 

Pour modifier un masque facilement, il faut d'abord bien voir ce qu'on fait. Pour bien voir votre masque, cliquez dessus tout en tenant la touche opt ou alt enfoncée. 

Sélectionnez l'outil pinceau avec l'opacité et le flux à 100%. Puis, peignez par dessus les parties blanches autre que le chandail à changer. N'allez pas trop près du chandail pour ne pas dépasser.

Pour noircir les parties près du chandail sans dépasser, utilisez l'outil densité plus. Puis, dans la barre d'outils du haut, changez la gamme pour tons foncés. De cette façon, vous allez foncer uniquement les tons foncés.

Pour pâlir les zones déjà pâles sans affecter les zones foncées, utilisez l'outil densité moins. Pour la gamme de tons, utilisez tons clairs.

S'il reste des zones à arranger, vous pouvez finir avez le pinceau. 

Une fois terminé, cliquez à nouveau sur votre réglage en tenant la touche alt ou opt enfoncée pour revoir votre photo dans son état normal.


Conclusion

Bref, c'est comme cela que je change la couleur de n'importe quel objet dans Photoshop. 

Que vous ayez des vêtements à changer de couleur ou n'importe quoi d'autre, la méthode demeurera sensiblement la même. 

En résumé, pour changer la couleur d'un élément dans Photoshop, vous devez, dans un premier temps, effectuer une sélection efficace. Pour cela, j'utilise souvent la sélection par plage de couleur. 

Ensuite, vous pouvez utiliser l'ajustement de teinte-saturation ou le filtre de couleur unie. Dans ce cas précis, nous avons vu que le filtre de couleur unie était plus efficace. 

Enfin, il faut finaliser la sélection si la sélection initiale n'était pas parfaite. Pour y arriver facilement, je vous ai enseigné comment le faire en affichant d'abord clairement votre masque, puis en peignant par dessus. Pour éviter de dépasser, n'oubliez pas la magie de l'outil densité plus et densité moins! 

Bref, j'espère que ce tutoriel vous sera utile pour vos futurs projets de retouche! 

N'hésitez pas à me laisser vos questions et impressions dans les commentaires!

Sur ce, je vous dit à bientôt, et bonnes photos! 


à propos de moi

Quatre ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

7 trucs pour réussir ses photos de groupes à tous les coups!

Comment réussir ses photos de groupes? C’est une question qu'on me pose très souvent. Et ce n’est pas pour rien.

En effet, photographier un groupe de personnes peut être assez intimidant. Il faut s’assurer d’avoir un bon cadrage, de voir tout le monde, d'avoir tout le monde bien net, diriger tout le monde… Bref, il y a beaucoup de défis à relever.

Alors, comment éviter les problèmes lorsqu’on fait des photos de groupes?

La meilleure chose à faire est de bien se préparer, en lisant les trucs que je vous ai préparés pour l’article d’aujourd’hui! Si vous voulez ne plus jamais rater vos photos de groupes, lisez ce qui suit! 

Conseil numéro 1 : utilisez le bon objectif!

Pour réussir vos photos de groupes, vous devez voir tout le monde dans votre photo. Mais, avec certains objectifs, ça ne sera tout simplement pas possible.
 

Choisissez la bonne focale

Si vous essayez de faire une photo de groupe avec un téléobjectif de 200 millimètres, vous serez tellement loin de votre groupe qu’il faudra les diriger avec un porte-voix… et ça, c’est si le lieu où vous êtes vous permet de reculer! 

Donc, vous l’aurez deviné, vous allez avoir besoin d’un objectif plutôt grand-angle. Une focale de 24 à 35mm serait un bon point de départ.

Reculez!

Mais attention! Si vous utilisez un objectif à très grand angle, vous risquez de déformer vos sujets. Les gens qui sont sur les côtés apparaîtront plus larges que la réalité. Si vous êtes trop près du groupe, les gens à l’arrière auront l’air très petits en comparaison. 

Alors, pour corriger la situation, reculez et utilisez une focale un peu plus longue. 

Pour cette première photo, j’étais près des sujets, avec une courte focale. Remarquez comme les personnes sur les côtés semblent étirées.

Maintenant, regardez comme l’aspect des photos change quand on utilise une focale un peu plus longue. C'est beaucoup mieux, n’est-ce pas?


Conseil numéro 2 : Choisissez les bons réglages!

Pour les photos de groupes, il faudra choisir les réglages adéquats pour que chaque personne soit bien nette. Le plus important sera assurément votre ouverture, puisque c’est elle qui contrôle la profondeur de champ, en majeure partie. Pour en savoir plus sur la profondeur de champ, allez lire cet article!
 

Comment choisir la bonne ouverture pour les photos de groupe?

Plus vous aurez de gens dans votre photo, plus vous aurez de rangées. Et plus vous allez avoir de rangées, plus vous allez avoir besoin d’une grande profondeur de champ. 

Qui dit grande profondeur de champ dit petite ouverture. Donc, en règle générale, vous allez devoir choisir une ouverture de plus en plus petite selon le nombre de personnes sur votre photo. 

Voici quelques points de départ.

Lorsque vous avez une seule rangée de personnes qui sont toutes à distance égale de l’appareil, vous pouvez utiliser une ouverture assez grande, comme f/2.8. Si vous avez deux rangées, utilisez au maximum f/4 ou f/5.6. À trois rangées, f/8 serait un bon point de départ. Faites la mise au point sur la première rangée.

Naturellement, ces réglages ne sont pas infaillibles et il faudra tester sur le terrain! 

Pour cette photo, j'ai utilisé une ouverture de f/1.8, ce qui était une trop grande ouverture pour que les trois enfants soient parfaitement nets. À 2.8, j'aurais eu une bonne netteté partout. 

Comment choisir la vitesse d’obturation et l’idée pour les photos de groupe 


Pour contrôler l’ouverture sans trop avoir à réfléchir aux autres réglages, utilisez le monde priorité à l’ouverture. Essayez toutefois d’avoir une vitesse assez rapide pour éviter d’avoir du flou de mouvement. Ayez au moins une vitesse de 1/60 de seconde. Pour l’ISO, gardez-le aussi bas que possible pour avoir un maximum de qualité.


Conseil numéro 3 : choisissez votre éclairage judicieusement!

 

Si vous êtes à l’extérieur, positionnez les gens à l’ombre ou dos au soleil. Déjà que d’avoir les yeux de tout le monde ouverts n'est pas évident, vous ne voudrez pas que le soleil vous nuise!  

Si vous faites des photos à l’intérieur, éviter le flash de votre appareil. Comme il n’est pas très puissant, il y a de fortes chances que les gens de la première rangée soient beaucoup plus pâles que ceux qui sont derrière.

Si le flash est absolument nécessaire, utilisez un flash cobra. Pointez la tête du flash vers le plafond ou un mur de couleur neutre qui se trouve à mi-chemin entre vous et le groupe. La lumière sera répartie de façon plus uniforme avec cette technique. 

En pointant mon flash vers le plafond, la lumière de mon flash cobra s'est répandue dans l'ensemble de la scène, éclairant ainsi les membres de ce collectif de hip-hop de manière plus uniforme.

Conseil numéro 4 : gardez l’ordre et n’hésitez pas à diriger.

Un groupe de gens peut vite se transformer en chaos si vous ne prenez pas le contrôle rapidement. Assurez-vous de donner des instructions claires et concises.

Essayez autant que possible d’appeler chaque personne par son prénom si vous les connaissez. Vous aurez leur attention plus facilement.

Placez les gens en vous assurant de ne pas trop laisser de trous entre eux. S’ils font partie de la même famille ou qu’ils sont des amis proches, faites-leur placer leurs mains sur une épaule ou un bras de la personne à côté, par exemple. 

Pour cette image, le photographe Edward Cisneros a réussi à nous faire sentir l'amour entre la maman et ses garçons en les plaçant très près les uns des autres.

Conseil numéro 5 : assurez-vous que tout le monde vous regarde

Avant de prendre la photo, demandez au groupe si chaque personne vous voit bien avec ses deux yeux.

C’est un principe de base, mais si les gens ne vous voient pas bien, votre appareil ne les verra pas bien non plus! Ensuite, avant de prendre votre photo, dites à tout le monde de tenir la pose pendant 5 secondes, pour être capable de faire plusieurs photos. 

Faites une série d’images, puis dites à tout le monde de rester immobile le temps que vous vérifiiez vos prises. Regardez les visages un à un pour valider que tout le monde a un beau sourire et les yeux ouverts. Dans le doute, recommencez. 

Les gens seront peut-être impatients, mais si c’est le cas, dites-leur à la blague que ça ira plus vite si tout le monde collabore! 

Pour photographier un groupe de jeunes du secondaire, il faut savoir être rapide et diriger d'une main de fer dans un gant de velours! Pour les groupes plus nombreux, se placer en hauteur est aussi très avantageux. Pour cette photo, j'étais debout dans les estrades.

Conseil numéro 6 : Utilisez des poses dynamiques!
 

Lorsque vous placez les gens, ne vous contentez pas de les placer en rang d’oignon! Placez-la à différentes hauteurs et essayez de former des triangles entre leurs têtes. 

Essayez aussi des poses ou les gens se regardent entre eux. Donnez leur quelque chose de drôle à faire et guettez les rires qui vont suivre pour prendre votre photo à ce moment-là!

Pour cette photo d'Émilie et sa famille, du blogue Famille Keto, nous avons décidé de donner des actions à faire à tout le monde, pour donner un effet spontané à la pose!

Conseil numéro 7 : utilisez les éléments du décor pour mieux placer les gens!

Le plus gros défi pour les photos de groupe est sans doute d’avoir tout le monde dans la photo. Mais, la meilleure façon de vous aider et de vous servir de ce que vous avez à porté de main pour placer les gens à différentes hauteurs… ou VOUS placer en hauteur! 

Lorsque vous êtes à l’extérieur, cherchez des escaliers! Ils vous aideront énormément à voir plus de gens! Une table à pique-nique peut être très pratique! Placez des gens debout ou à genoux par terre, des gens assis ou debout sur le banc et debout ou à genou sur la table! 

Si vous n’avez rien de tout cela, essayez de vous positionner en hauteur.

Pour cette photo de mariage, le fait de placer mes sujets sur le pont m'a permis d'ajouter du dynamisme à la photo et de me placer à bonne distance sans laisser trop de vide dans ma photo.

Conclusion


Bref, les photos de groupes ne sont pas toujours faciles à réussir. Par contre, en ayant la bonne préparation, vous y arriverez sans trop de problèmes! 

En gros, utilisez une focale courte pour arriver à avoir tout le monde dans le cadre. Faites seulement attention aux déformations. Ensuite, choisissez une ouverture assez petite pour avoir tout le monde net.

Assurez-vous que tout le monde soit bien éclairé.

N’ayez pas peur de diriger les gens et de garder l’ordre en travaillant efficacement avec des directives courtes et précises. N’hésitez pas à appeler les gens par leur nom! Assurez-vous que tout le monde vous voit bien et prenez plusieurs photos pour que tout le monde ait les yeux ouverts et un sourire! Vérifiez vos photos avant de laisser votre groupe se disperser!

Enfin, utilisez ce que vous avez sous la main pour vous positionner en hauteur, ou pour faire varier les hauteurs des sujets. Votre composition sera plus intéressante!

Enfin, j’espère que cet article vous aura aidé à prendre confiance pour réussir vos photos de groupe! Si vous avez aimé l'article, n’hésite pas à le partager et à me laisser vos impressions dans les commentaires!

Sur ce, je vous dis à la prochaine, et bonne photos!


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

7 trucs de pro pour éviter les reflets de lunettes

femme avec des lunettes remplies de reflets dans un éclairage tamisé

Ahhhhhh les reflets dans les lunettes...

Avez vous déjà eu des problèmes de reflets dans les lunettes quand vous faites des portraits? Si vous avez déjà photographié des gens, la réponse est assurément OUI.
 
Que vous fassiez des photos en lumière naturelle ou en studio, vous devrez, tôt ou tard, trouver des solutions pour éliminer ces fichus reflets. Et quand on ne sait pas comment s’en débarrasser dès la prise de vue, retoucher des reflets de lunettes sera assurément un véritable CAUCHEMAR!

enfant qui prend son petit déjeuner et qui porte des lunettes avec des gros yeux


Essayer de redessiner les motifs uniques dans l’iris de quelqu’un lorsqu’ils sont cachés derrière une tache blanche est un gros défi, même pour les retoucheurs les plus chevronnés.
 
Mais alors, comment faire pour les éviter? Doit-on faire enlever leurs lunettes à tous nos sujets? Absolument pas! En fait, je vous ai préparé aujourd’hui un guide complet pour dire bye bye aux reflets dans les lunettes!

Pour connaître tous mes lisez ce qui suit!

Pourquoi les gens ont des reflets dans leurs lunettes


Typiquement, les reflets qui apparaissent sur les surfaces transparentes sont là parce qu’il y a un objet plus lumineux d’un côté que de l’autre de la surface.

Par exemple, s’il fait noir dans votre maison, mais qu’il fait clair dehors, alors vous verrez des reflets dans les fenêtres. Si le fond d’un lac est sombre, le ciel, qui est plus clair, se réfléchit sur l’eau.

image symétrique d'une montage qui se réfléchit dans l'eau transparente d'un lac

Crédit photo Christian Holzinger sur Unsplash


Le même phénomène se produit sur les lunettes. Comme votre source de lumière est plus claire que les yeux et la peau de votre sujet, les reflets apparaissent.

Mais si avoir une source de lumière est important pour avoir un regard lumineux, comment fait-on pour ne pas avoir de reflets de lunettes? Voici quelques solutions.

Solution numéro 1 : changez d’angle!


Si votre sujet regarde vers la lumière, il y aura un beau catchlight dans ses yeux, mais il y aura aussi, fort probablement, des reflets dans ses lunettes.

Pour l’éliminer, il suffit, bien souvent, de faire des petits ajustements dans l’angle de l’appareil par rapport au sujet.

Essayez de prendre votre photo légèrement en plongée (au-dessus) ou en contre-plongée (en dessous) et vous pourriez être surpris du résultat.

Essayez aussi de vous déplacer légèrement vers la gauche ou vers la droite, si c’est possible. De cette façon, le reflet changera de position par rapport à l’appareil, et vous pourrez l’atténuer ou le faire carrément disparaître!

Pour cette photo, j’avais des reflets dans les lunettes de mon sujet. Pour les éliminer, je me suis simplement déplacé vers la gauche, et hop! Le reflet est disparu!

portrait d'un jeune homme en studio qui a des reflets dans ses lunettes
photo d'un jeune homme en studio sans reflets de lunettes


Pour ce deuxième exemple, mon modèle avait un gros reflet dans les yeux à cause de la position de sa tête. Comme je ne pouvais pas déplacer mon flash, je lui ai fait baisser le menton, et le problème s’est réglé tout de suite!

portrait sur fond noir d'un jeune homme avec reflets dans ses lunettes
photo d'un jeune homme sur fond noir sans reflets de lunettes

Solution numéro 2 : modifiez l’angle des lunettes elles-mêmes!


Si vous ne pouvez pas vous déplacer ou changer votre angle parce que vous cherchez à avoir un résultat bien précis au niveau du cadrage, essayez d’ajuster la position des lunettes sur le visage de votre sujet.

Pour ce faire, demandez à votre sujet de faire remonter la branche de ses lunettes sur ses oreilles.

Ainsi, les verres des lunettes se retrouveront inclinés vers le bas.

Cela va vous donner un bon coup de pouce pour éviter que la lumière s’y réfléchisse directement.

un garçon à la peau noir avec un éclairage et un habillement coloré baisse ses lunettes sur le bout de son nez


Solution numéro 3 : placez votre sujet à contre-jour!

Si les deux premiers trucs que j’ai mentionnés ne fonctionnent pas du tout, vous pouvez essayer de faire faire demi-tour à votre sujet.

En plaçant la source de lumière derrière la personne, vous vous assurerez qu’il n’y aura pas de reflets… tant que vous n’avez pas un réflecteur pour renvoyer la lumière directement vers le sujet!

Ce truc fonctionne particulièrement bien si vous photographiez un groupe de personnes qui ont toutes des lunettes et que la lumière naturelle devient trop difficile à gérer!


Solution numéro 4 : déplacez la source de lumière!


Si vous utilisez un flash de studio ou un réflecteur, vous vous faciliterez déjà beaucoup la vie!

Pourquoi? Parce que dans la majorité des cas, votre problème de reflet pour être résolu en déplaçant tout simplement votre éclairage.

Si vous utilisez un parapluie ou un softbox en studio, placez-le plus haut et inclinez-le légèrement vers l’avant. Vous pouvez faire la même chose si vous utilisez un réflecteur!

Si votre plafond de studio est bas et que vous êtes limités en hauteur, essayez d’utiliser les trucs numéro 1 et 2 pour corriger la situation!

Si jamais vous utilisez le flash intégré de votre appareil photo, il se peut que vous n’arriviez tout simplement pas à vous débarrasser des reflets, puisque la source de lumière est attachée directement à votre appareil.

Si vous devez utiliser un flash sur votre appareil, à l’intérieur, privilégiez un flash cobra. Pointez la tête du flash vers le plafond. La source de lumière proviendra donc du plafond au lieu de l’appareil directement.

S’il reste des reflets, essayez de placer votre main ou un morceau de carton ou de mousse opaque sur le devant du flash.


Comment retoucher des reflets de lunettes?


La façon de retoucher des reflets dans les lunettes dépend du type de reflet que vous avez. Certains reflets sont plus intenses et plus opaques que d’autres. Certains reflets ont une teinte particulière, d’autres non. Voici quelques solutions pour les différents types de reflets.


Le facile : corriger un voile dans les lunettes.

Dans cette image, mon sujet regardait vers la lumière, qui débordait sur le mur blanc de mon studio. Sans que ce soit un reflet direct, on dirait qu’il y a une espèce de voile blanc devant ses yeux. 

lunettes avec un voila blanc

Heureusement, retoucher cela est très facile. Il suffit d’ajouter simplement du contraste à cet endroit précis.

Pour ce faire, je vais utiliser le pinceau de retouche de Lightroom. Je vais augmenter le contraste. Tout le reste va rester à zéro.

pinceau de retouche avec contraste dans Lightroom
ajout de contraste dans Lightroom

Il ne reste qu’à peindre sur les verres des lunettes et ajuster l’intensité du contraste.

Et voilà!

L’intermédiaire : retoucher un reflet coloré


Si vous avez un reflet dans les lunettes qui n’est pas opaque, mais qui a une teinte de couleur, votre retouche se fera en deux temps. Je vous conseille de retoucher d’abord la couleur, et ensuite le reflet.

La façon la plus simple de corriger les couleurs localement est d’utiliser un calque en mode de fusion couleur dans Photoshop.

Pour ce faire, ouvrez votre image dans Photoshop. Ensuite, créez un nouveau calque vide. Puis changez le mode de fusion pour couleur.

mode de fusion couleur dans Photoshop


Ensuite, avec l’outil pinceau, vous devrez peindre la bonne couleur par-dessus les parties affectées.

Pour choisir la bonne couleur, appuyez sur ALT ou OPT pour faire apparaître la pipette et cliquez sur la couleur que vous voulez copier.

échantillonnage de couleur avec la pipette dans Photoshop

Puis, avec une opacité à environ 30 pour cent, peignez par dessus les zones affectées.

Si vous avez dépassé, il faudra appliquer un masque de fusion pour effacer certaines parties de l’effet.

lunettes avec correction des couleurs


Ça se peut que vous ayez à faire quelques essais et erreurs pour avoir des couleurs qui semblent logiques.
 
Ensuite, créez un nouveau calque vide. Vous utiliserez celui-ci pour corriger les lignes de contour du reflet qui pourraient rester.
 
Faites des essais avec l’outil pièce. 

retouche d'un reflet de lunettes avec l'outil pièce

Si vous voyez qu’il semble rester un voile dans les lunettes, vous pouvez utiliser la même technique qu’on a utilisée dans Lightroom, mais avec le filtre de luminosité et contraste dans Photoshop.

ajout de contraste avec le calque de réglage luminosité/contraste dans Photoshop
ajout de contraste avec le calque de réglage luminosité/contraste dans Photoshop
ajout de contraste avec le calque de réglage luminosité/contraste dans Photoshop

Le difficile : le reflet blanc opaque.


Avant de commencer cette retouche, je tiens à dire qu’il sera parfois quasi impossible de retoucher ce type de reflet parfaitement. Par contre, si votre sujet était de face, vous avez de bonnes chances de vous en sortir avec un usage rusé de l’outil tampon et quelques sélections!

La première chose à faire est d’ouvrir la photo dans Photoshop. Créez un nouveau calque vide.

Ensuite, sélectionnez l’outil tampon. Puis, allez au menu Fenêtre et choisissez source de duplication. Ce panneau est très utile parce que vous pouvez inverser le sens de ce que vous dupliquez! C’est exactement ce que tous allons faire.

source de duplication

Cliquez sur l’icône rectangulaire qui a une flèche au-dessus à côté de la lettre L (pour Lenght). Ensuite, échantillonnez l’oeil qui n’a pas de reflet, puis copiez-le de l’autre côté. Si ce n’est pas parfait, vous devrez procéder autrement.

panneau source de duplication
échantillon de l'outil tampon inversé sur le sens horizontal avec le panneau source de duplication

La deuxième option est de copier l’oeil qui est correct au complet, puis de transformer la sélection pour que ça s’assemble bien.

Pour ce faire, je vais sélectionner le bon oeil avec la sélection rectangulaire (raccourci clavier M).

Ensuite, je vais ajouter un contour progressif à ma sélection. Pour faire cela, allez dans la barre d’outils en haut à gauche et entrez un nombre de pixels. Je vais utiliser 10.

Puis, je vais sélectionner le bon oeil. Enfin, je vais le dupliquer sur un nouveau calque avec le raccourci clavier CMD J.

sélection rectangulaire avec 10 pixels de contour progressif

Maintenant, il faut transformer ce nouvel oeil.

D’abord, il faut l’inverser de sens pour qu’il corresponde à l’autre oeil. Appuyez sur la touche cmd ou ctrl T. Vous verrez qu’il y a maintenant une sorte de sélection autour de l’oeil. Faites un clic droit et cliquez sur symétrie axe horizontal.

Maintenant, déplacez l’oeil par-dessus celui que vous voulez remplacer.

symétrie axe horizontal
positionnement de l'oeil après la transformation


Réduisez l’opacité pour essayer de bien le positionner. Maintenant, vous verrez que ça a l’air très bizarre. Vous allez devoir le déformer un peu pour que tout s'aligne bien.

Appuyez à nouveau sur le raccourci cmd T. Dans la barre d’outils en haut de la fenêtre, environ au centre, vous allez voir trois symboles. Cliquez sur le premier des trois, celui qui ressemble à un encadré courbe. C’est l’outil de déformation.

Maintenant, jouez avec les différents points jusqu’à ce que la sélection semble bien alignée avec l’oeil original.

icône de l'outil déformation
outil de déformation

Enfin, ajoutez un masque de fusion sur ce calque et peignez seulement là où c’est nécessaire pour cacher le reflet.
 
Terminez avec l’outil correcteur, l’outil tampon ou l’outil pièce si nécessaire.
Vous pouvez répéter la même opération pour un autre reflet!

correction avec l'outil pièce

Conclusion


En conclusion, les reflets dans les lunettes peuvent être un vrai cauchemar pour un photographe.
 
Heureusement, il existe plusieurs trucs que vous pouvez utiliser pour vous en débarrasser dès la prise de vue.

En effet, vous pouvez changer l’angle de votre appareil par rapport au sujet ou lui faire incliner la tête. Vous pouvez aussi lui faire positionner ses lunettes autrement. Ensuite, si cela ne fonctionne pas, vous pouvez prendre votre photo à contre-jour!

Si vous faites des photos au flash, changer la position du flash par rapport au sujet vous aidera beaucoup. En règle générale, le meilleur truc est de simplement remonter le flash un peu plus haut.

Si vous faites des photos au flash cobra, pointez-le vers le plafond et bloquez la lumière sur le devant!

Enfin, si tous ces trucs n’ont pas fonctionné, ou que vous avez des reflets parce que vous avez pris une photo en vitesse, pas de panique! Référez-vous à mes trucs de pros pour retoucher les lunettes en restant zen!

J’espère que cet article vous a plu! Si c’est le cas, partagez-le et laissez moi vos impressions en commentaires!

Sur ce, je vous dis à la prochaine, et bonne photos!


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

La photo sur fond blanc : photographier les gens

Vous souhaitez vendre vos projets d’artisanat? Vous avez une petite boutique en ligne? Vous vendez des objets sur Ebay? Votre cousin, votre frère ou votre ami est un entrepreneur? Vous faites des montages photo? Vous faites du web marketing? Vous souhaitez travailler comme photographe?

Peu importe la question à laquelle vous avez répondu oui, vous avez un point en commun.

Vous avez besoin de photos sur fond blanc, sans ombres.

Mais, avoir des photos sur un fond parfaitement blanc est beaucoup plus complexe que ça en a l’air.

Vous avez trop d’ombres, votre un fond est un peu trop gris, vous passez beaucoup trop de temps à détourer sur Photoshop ou vos résultats ne sont tout simplement pas uniformes?

Quels que soient les défis que vous avez à surmonter, faire des photos sur fond blanc ne devrait pas être compliqué!

C’est pourquoi j’ai décidé d’écrire une mini série d’articles à ce sujet!

Aujourd’hui, pour la première partie de cette série, nous allons voir comment photographier les gens sur fond blanc.

Nous allons voir exactement ce dont vous avez besoin pour réussir vos portraits ou photos de vêtements sur fond blanc dès la prise de vue!

Puis, je vous expliquerai comment éclairer votre fond et votre sujet pour les meilleurs résultats possible.

Enfin, je vous montrerai une manière très simple de traiter vos images pour rendre votre fond parfaitement blanc!

Prêts? Allons-y!

De quoi avez-vous besoin pour faire des photos sur fond blanc?


Avant d’entrer dans les détails du matériel à se procurer pour faire des photos sur fond blanc, je vous invite à consulter mon article sur comment équiper son studio photo pour pas cher. Vous y trouverez une foule d’astuces et d’aubaines pour commencer à équiper votre studio si ce n’est pas déjà fait!

Pour photographier des personnes sur fond blanc, vous aurez besoin des bons outils! Voici une petite liste du matériel que je vous conseille pour commencer à faire des photos sur fond blanc!

Le fond blanc


Votre fond peut simplement être le mur de votre salon, si celui-ci est peint en blanc, évidemment. Tant que vous ne faites pas de photo en plein pied, un simple mur blanc fera l’affaire. Si vous faites des photos en plein pied, vous aurez besoin d’un sol aussi blanc que votre mur. Sinon, bonjour le détourage complexe!

Vos murs sont tous très colorés et vous voulez faire des photos en plein pied? Vous aurez besoin de fonds en papier blanc. L’avantage du papier est qu’il est très lisse. Vous éviterez d’avoir à vous en faire avec un tissu froissé.

Les fonds de papiers se vendent généralement en deux tailles : 5 pieds ou 9 pieds.

Si vous faites des photos en plein pied, optez pour un fond de 9 pieds. Cela vous facilitera beaucoup la vie en vous donnant assez d’espace pour vos photos. Cependant, si vous ne faites que des plans rapprochés de vos sujets, un fond de 5 pieds conviendra parfaitement!


L’éclairage


Personnellement, je préfère travailler avec des flashs. Ceux-ci sont offrent généralement plus de contrôle et plus de puissance. Ils permettent d’avoir un résultat constant, en plus d’éviter le flou de mouvement dû à une vitesse d’obturation trop lente.

Quel est le type de flash idéal pour les photos sur fond blanc?


Il existe plusieurs types de flashs de vous pouvez utiliser pour réussir vos photos sur fond blanc. Que ce soit un flash de type cobra ou un plus gros flash de studio, vous pourrez obtenir de bons résultats. La différence principale se trouvera dans le prix. (Vous avez des problèmes de photos floues? Cliquez ici!)

Si vous débutez et que vous avez un budget limité, je vous suggère de vous procurer les flashs cobra yongnuo YN-560 IV. Ils sont peu chers et sont faciles à utiliser, en plus d’être faciles à transporter si vous devez installer votre matériel ailleurs que chez vous à l’occasion.


De combien de flashs avez-vous besoin?


Pour obtenir un arrière-plan parfaitement blanc, vous allez devoir éclairer le fond lui-même séparément de votre sujet. Donc, vous aurez besoin d’un minimum de deux flashs : un pour le fond, et un pour votre sujet. Sachez par contre que si vous cadrez plus large, il est possible qu’un seul flash ne soit pas suffisant pour éclairer le fond en entier. Ainsi, si votre budget le permet, avoir au moins trois flashs serait l’idéal.

Au final, le nombre de flashs nécessaire dépend directement de la taille du sujet que vous photographiez. Si vous faites un gros plan d’un visage, deux flashs suffiront. Cependant, il m’est déjà arrivé de faire des photos de famille sur fond blanc avec pas moins de CINQ flashs seulement pour éclairer le fond!


Les accessoires à avoir pour de belles photos sur fond blanc


Dans mon article à propos de comment monter son premier studio pour pas cher, j’ai parlé de nombreux accessoires à ce procurer pour équiper son studio. Je vous recommande fortement à le consulter, si vous débutez!

Voici quand même la petite liste des accessoires à avoir :

  • Les trépieds pour flashs. Vous pouvez en trouver à mini prix sur Amazon.
  • Un kit de support pour votre fond. Optionnel si vous collez votre fond de papier au mur. Personnellement, j'utilise cette pôle télescopique avec ces trépieds.
  • Des déclencheurs pour flash ou un fil Synchro flash. Si vos flashs sont munis d’un oeil magique, ils se déclencheront aussitôt qu’un autre flash s’activera. Vous pouvez donc brancher votre appareil photo à votre flash principal avec un fil Synchro flash, et tous les flashs se déclencheront. Pour éviter de s’encombrer de fils supplémentaire, je vous suggère d’avoir un émetteur pour l’appareil et un récepteur pour le flash. Je recommande la marque Vello, qui offre un bon rapport qualité-prix. 
  • Un posemètre, pour évaluer plus facilement l’exposition à utiliser pour votre sujet. Pour apprendre à utiliser un posemètre, je vous recommande cette vidéo.
  • Des modificateurs de lumière, comme des boîtes à lumière ou parapluies.


La photographie sur fond blanc : les bases à connaître


Si vous êtes nouveau dans l’univers de la photographie de studio, je vous invite fortement à consulter mon article sur les éclairages de base à connaître lorsque vous débutez en studio. J’y explique plusieurs des bases en photographie au flash. Il vous aidera à mieux comprendre certains des concepts que j’aborde ici!

Le défi avec la photo sur fond blanc est qu’en plus de se soucier de bien exposer le sujet, il faut également se préoccuper de bien exposer le fond.

Il y a 3 paramètres qui influencent l’exposition du sujet lorsqu’il est éclairé au flash : la puissance du flash, l’ouverture du diaphragme de l’appareil photo, et la distance entre le sujet et le flash.

C’est ce troisième paramètre qui rend la photographie sur fond blanc plus complexe. Logiquement, le sujet et l’arrière-plan ne peuvent pas être tous les deux à la même distance du flash. Ainsi, si le sujet est bien exposé, le fond ne pourra pas être bien exposé aussi. Donc, en utilisant un seul flash, il arrivera l’une de ces deux choses. Soit votre fond blanc deviendra gris, soit il sera presque blanc, mais vous verrez l’ombre de votre sujet dessus.

Pour éviter ces problèmes, vous devez éclairer le fond lui-même. Voici comment.


Éclairer le fond pour les plans plus serrés


Si vous faites des plans plus serrés, comme des gros plans, par exemple, placez un flash nu directement derrière votre sujet, dirigé vers le fond. Gardez au moins un mètre de distance entre le flash et le fond, pour lui donner la possibilité de couvrir un espace plus grand.

Pour déterminer la puissance du flash à utiliser, commencez par faire vos photos avec votre sujet en silhouette, sans votre éclairage principal. Ajustez votre appareil à f/8 ou f/11, 1/125 seconde, iso 100.

Puis, activez le signal de surexposition dans votre appareil photo. Cette fonction vous permettra de voir facilement les parties de votre image qui sont surexposées.

Signal de surexposition sur le
Nikon D750

Ensuite, augmentez graduellement la puissance du flash jusqu’à ce que le fond soit surexposé complètement, ou presque. L’idée est de surexposer le fond autant que possible, mais sans que la lumière ne déborde trop sur les contours de votre sujet.

Éclairage du fond à un seul flash

Si la lumière déborde sur les contours de votre sujet, votre flash de fond est trop fort.


Éclairer le fond pour les plans plus larges


Le problème lorsque vous faites des photos sur fond blanc en plan plus large est qu’il sera beaucoup plus difficile de cacher un flash derrière votre sujet. Non seulement cela, mais le flash nu a tendance à être beaucoup plus fort au centre, et beaucoup moins sur les côtés. Il sera donc très difficile de surexposer le fond de façon uniforme de cette manière.

Alors, comment faire pour éliminer le problème?

La première étape est d’utiliser deux flashs pour le fond. Placez-les de chaque côté du fond, de manière à l’éclairer avec un angle de plus ou moins 45 degrés.

Pour la première image, j'ai activé uniquement les flashs qui éclairent le fond. Comme l'intérieur de mon studio est complètement blanc, la lumière se réfléchit partout. C'est ce qui fait que je ne suis pas complètement en silhouette. Sur la deuxième image, j'ai activé mon flash principal pour être bien exposée. Ces deux images n'ont pas été retouchées.

Je vous recommande aussi d’utiliser des modificateurs de lumière, comme des softbox, par exemple, pour disperser la lumière. Ainsi, les flashs couvrent une zone plus large et votre fond sera éclairé de manière plus uniforme. De plus, les softbox agiront pour bloquer les débordements de lumière sur votre sujet.

Pour ajuster les flashs, assurez-vous qu’ils soient réglés à la même intensité. Puis, pour trouver la bonne intensité, suivez la méthode décrite au point précédent.


Éclairer le sujet avec le flash principal


Pour éclairer votre sujet avec votre 3e flash, utilisez un softbox ou un parapluie avec votre flash.

Ensuite, placez le flash directement devant votre sujet, ou légèrement de côté, et un peu plus haut que votre sujet.

Enfin, augmentez progressivement la puissance du flash principal jusqu’à ce que votre sujet vous semble être exposé correctement. Vous pourrez ajuster l’exposition au post traitement.

Cependant, je vous recommande d’utiliser un posemètre pour mesurer l’intensité de la lumière sur votre sujet, pour plus de précision.

Que faire si vous n’avez qu’un seul flash à votre disposition?


Si vous n’avez qu’un seul flash à votre disposition, obtenir le fond blanc parfait peut être un peu plus difficile, mais pas impossible. Vous devrez cependant utiliser un logiciel de traitement pour rendre le fond parfaitement blanc, ou presque! 

Pour l'image de gauche, je me suis positionnée à a peine quelques centimètres du mur et j'ai utilisé seulement mon flash principal. Sur la deuxième image, j'ai augmenté l'exposition des blancs dans Lightroom. Sur la troisième image, j'ai ramené l'exposition des hautes lumières à la normale avec l'outil pinceau correcteur.

Placez votre flash principal directement devant votre sujet, mais en hauteur. Ainsi, l’ombre de votre sujet se retrouvera derrière lui. Ajustez la puissance du flash pour que l’exposition soit appropriée.

Approchez votre sujet du fond jusqu’à ce que l’arrière-plan soit le plus pâle possible, sans laisser apparaître trop d’ombre.

Post-traitement des photos de personnes sur fond blanc


Si vous avez suivi ce guide jusqu’à présent, vos fichiers raw demanderont très peu de travail au post-traitement. Vous pourrez obtenir le fond blanc parfait seulement avec Lightroom!


Étape 1 : régler la balance des blancs


À quoi bon prendre des photos sur fond blanc, si vos blancs ne sont pas blancs?

Pour régler la balance des blancs dans Lightroom, il suffit d’utiliser l’onglet de balance des blancs dans le panneau de droite du module de développement. Essayez d’utiliser le réglage automatique. Cela fera l’affaire dans la plupart des cas. Si toutefois cela ne fonctionne pas, essayez de réajuster le tout avec les curseurs de température et de teinte.


Étape 2 : Éclaircir les blancs sans surexposer le sujet


Pour éclaircir les parties du fond qui ne seraient pas encore parfaitement blanches, utilisez le curseur des blancs dans l’onglet exposition du panneau de droite du module de développement.

Pour savoir quand vous arrêter, vous pouvez activer l’avertissement de surexposition des hautes lumières, dans Lightroom, qui se trouve en haut à droite de l’histogramme.


Étape 3 : augmenter l’exposition dans les zones plus sombres de l’image


À cette étape, j’aime beaucoup utiliser le filtre gradué.

Il suffit de le sélectionner dans le module de développement, puis d’augmenter l’exposition de l’outil.

ÉTAPE 4 : rétablir l'exposition du sujet


Après avoir augmenté les hautes lumières et l'exposition de votre image, il est possible que votre sujet soit un peu surexposé. 

Pour rétablir la situation, utiliser le pinceau de réglage de Lightroom et peignez sur votre sujet. Réduisez les hautes lumières, les blancs ou l'exposition. Testez-les et voyez ce qui fonctionne le mieux. Vous verrez les résultats en temps réel.


Conclusion


Bref, nous avons vu comment faire des photos de personnes sur fond blanc, pour avoir un minimum de retouches à faire au post-traitement.

En résumé, nous avons vu l’équipement nécessaire aux photos de studio sur fond blanc. D’abord, il vous faudra au moins de deux à 3 flashs, un fond blanc en papier de 5 ou 9 pieds selon les plans que vous souhaitez capturer, ainsi que des déclencheurs pour vos flashs et quelques accessoires.

Ensuite, nous avons vu qu’il était primordial de surexposer le fond, en ajustant les flashs avec votre sujet en silhouette. Le but est d’avoir un fond surexposé, sans que trop de lumière déborde sur votre sujet. Lorsque vous prenez des plans plus larges, je vous conseille d’utiliser des parapluies pour éclairer le fond pour mieux disperser la lumière.

Puis, lorsque le fond a été surexposé correctement, il ne reste qu’à ajuster le flash principal pour exposer votre sujet correctement.

Enfin, un traitement très simple dans Lightroom vous permettra de rendre votre fond blanc parfait. Il suffit d’ajuster la balance des blancs, d’augmenter l’exposition des blancs, et d’éclaircir les zones plus sombres avec le filtre gradué.

Comme vous aurez pu le constater, la photographie sur fond blanc est relativement simple, lorsqu’on sait comment elle fonctionne!

Si le sujet de la photographie sur fond blanc vous intéresse, particulièrement la photographie de produits pour le e-commerce, restez à l’affût! La semaine prochaine, je vous parlerai de la photographie de produit!

À bientôt, et bonnes photos! 


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Tout sur la retouche de cheveux dans Photoshop!

Salut tout le monde! Aujourd’hui, je vous parle de la retouche des cheveux dans Photoshop!

On va se le dire, les cheveux ont leur propre petit caractère. Ils font ce qu’ils veulent, et un rien peut les déplacer. Sans parler du fait qu’avec des cheveux longs, même un nuage étouffant de spraynet ne peut empêcher les frisottis.

Si avoir une chevelure absolument impeccable dans vos photos est impossible à la prise de vue, il faut donc forcément avoir recours à la retouche. Mais, la retouche des cheveux peut être un processus particulièrement long et frustrant, en plus de souvent donner des résultats vraiment ordinaires.

Alors, comment faire pour retoucher les cheveux dans Photoshop sans y passer des heures? Comment faire une belle retouche de cheveux de façon réaliste et efficace?

Aujourd’hui, nous allons voir plusieurs méthodes pour retoucher les cheveux sans s’arracher les cheveux de sur la tête. Si vous souhaitez suivre les techniques de A à Z, voici la vidéo! 

Comment retoucher les cheveux : enlever les frisottis

Peu importe le temps que votre sujet aura passé devant le miroir à se coiffer, les frisottis vont apparaître dans vos images, plus souvent qu’autrement. Heureusement, certains outils peuvent vous donner d’excellents résultats pour retoucher les cheveux avec Photoshop.

Retoucher les frisottis à l’aide du correcteur localisé

Le premier outil à essayer est l’outil correcteur localisé

Pour obtenir les meilleurs résultats possible avec cet outil, il faudra changer quelques paramètres. D’abord, vous allez devoir changer le mode normal par le mode remplacer. Le type doit être contenu pris en compte. Enfin, cochez l’option échantillonner tous les calques.

Nous allons faire la retouche sur un calque séparé, pour garder le contrôle sur le travail que nous allons faire.

Pour avoir un résultat satisfaisant, il va falloir utiliser un pinceau légèrement plus gros que les frisottis qu’on souhaite enlever. Ensuite, il suffit de tout simplement peindre par dessus les cheveux que vous voulez effacer. Pour les meilleurs résultats possible, peignez d’un trait dans la direction du cheveu à retoucher.

Si cet outil ne donne pas de résultats satisfaisants, passez au prochain…

Retoucher les frisottis à l’aire de l’outil tampon

L’outil tampon est très pratique pour enlever les frisottis. Pour obtenir de très bons résultats, il suffit de l’utiliser en réduisant le flux autour de 30 à 40 pour cent. Le flux, c’est ce qui indique à Photoshop que vous souhaitez augmenter graduellement l’effet à chaque passage de votre pinceau. Vous pouvez donc bâtir vos retouches par couches, en quelques sortes.

Dans ce cas-ci, avec une opacité de 100% et un flux de 30%, échantillonnez le fond en tenant compte des éléments d’arrière plan.

Pour échantillonner, appuyez sur la touche alt ou option, et cliquez sur le point de source. Si votre fond comporte des dégradés, il faudra échantillonner dans le but de continuer ces dégradés.

Lorsque j’utilise cet outil, je ne cache pas les frisottis complètement. De cette façon, les cheveux n’ont pas l’air d’avoir été découpés de façon trop abrupte.

Retoucher les frisottis avec le filtre anti poussière

Le filtre anti poussière peut être une alternative intéressante pour corriger les cheveux dans Photoshop, surtout pour enlever les frisottis rapidement. Ce filtre était souvent utilisé pour corriger les poussières et égratignures sur les négatifs numérisés, en ajoutant un peu de flou.

Pour l’utiliser, dupliquez le calque d’arrière-plan. Puis, transformez le calque en objet dynamique. Cela va vous permettre de modifier le flou que nous allons appliquer autant de fois que vous voudrez.

Enfin, allez à filtre, bruit, anti poussière. Vous allez devoir choisir un rayon qui va vous donner une ligne distincte entre les cheveux de votre sujet et l’arrière-plan.

Maintenant, l’image est complètement floue. Il faudra donc utiliser un masque pour cacher l’effet du filtre antipoussière et l’appliquer seulement où on veut.

 Tenez la touche alt ou option enfoncée et appuyez sur le bouton de masque au bas du panneau des calques. Puis, pour enlever les frisottis, vous n’avez qu’à peindre sur le masque avec un pinceau blanc, pour révéler l’effet. Les frisottis disparaîtront comme par magie!

Remarquez cependant que cette technique ne fonctionne que pour les images qui ont un fond flou ou relativement uniforme.

Si vous voyez en zoomant dans votre image que votre retouche laisse une trace trop floue, vous pouvez ajouter du bruit, pour en quelque sorte imiter le bruit dans le reste de l’image. Pour ce faire, allez à filtre, bruit, ajout de bruit. Choisissez les options uniforme et monochrome. Un rayon de 1,5 est généralement suffisant. Et voilà!

Ajouter du volume aux cheveux et réduire les frisottis en une étape avec le filtre de fluidité

Le filtre de fluidité est reconnu par plusieurs comme le filtre de la minceur. En effet, le filtre de fluidité est souvent utilisé pour altérer les courbes du corps de nombreuses façons.

Mais, le filtre de fluidité peut aussi être utilisé pour augmenter le volume dans les cheveux ainsi que de dompter les frisottis qui sont trop difficiles à retoucher. Voici comment.

Ajouter du volume aux cheveux dans Photoshop

Pour ajouter du volume aux cheveux, il suffit d’utiliser l’outil déformation avant du filtre de fluidité. En utilisant une pression entre 20 et 30 et une densité de plus ou moins 60, «tirez» les cheveux vers l’extérieur. C’est aussi simple que cela.

Réduire les frisottis avec le filtre de fluidité

Pour réduire les frisottis qui seraient trop difficiles à retoucher avec les outils précédents, le filtre fluidité peut être très efficace. Pour obtenir un beau résultat, il suffit de bloquer l’effet du filtre sur les cheveux qui sont déjà à leur place, puis de pousser les frisottis vers l’intérieur.

Pour y arriver, activez l’outil «blocage de masque». Peignez par dessus les cheveux qui ne doivent pas bouger. Si jamais vous peignez au-delà des régions qui vous intéressent, il est possible d’efface le blocage de masque avec l’outil juste en dessous : libération de masque.

Enfin, utilisez l’outil déformation avant pour pousser les frisottis vers l’intérieur. Attention de ne pas y aller trop fort, sinon votre retouche va sembler trop évidente.

Ajouter des cheveux dans Photoshop

Il arrive assez souvent que plusieurs mèches de cheveux se déplacent lors d’une séance photo. Se faisant, elles laissent des trous dans les cheveux qui peuvent être un peu distrayants.

Boucher ces trous peut être assez simple. Voici comment faire!

Copier des mèches de cheveux avec l’outil lasso

D’abord, sélectionnez une section de cheveux près du trou que vous voulez camoufler à l’aide du lasso. Pour activer le lasso, il suffit d’appuyer sur la touche L de votre clavier. Avant de faire votre sélection, il faudra ajouter un contour progressif à votre lasso, pour que votre retouche se mélange plus facilement au reste de l’image. Je vous recommande environ 20 pixels.

Sélectionnez une section de cheveux dont la couleur, la luminosité et la netteté se rapprochent de la section à camoufler. Puis, dupliquez votre sélection sur un autre calque. Pour ce faire, il suffit d’appuyer sur cmd ou ctrl J.

Enfin, pour changer la direction des cheveux, activer l’outil de transformation avec le raccourci clavier cmd ou ctrl T. Ensuite, activez la déformation en cliquant sur le troisième bouton à partir de la droite dans la barre d’outils. Ainsi, vous allez pouvoir cliquer sur les points d’intersection entre les lignes pour changer la forme de la mèche de cheveux que vous avez copiée!

Si votre copie de la mèche de cheveux ressemble trop à l’originale, vous pouvez la foncer ou la pâlir avec l’outil courbe. Vous pouvez aussi y ajouter un masque de fusion pour en cacher certaines parties.

Le détourage des cheveux dans Photoshop

Détourer les cheveux dans Photoshop peut être très difficile quand on ne sait pas par où commencer. Voici une méthode très efficace pour détourer les cheveux!

Détourer les cheveux dans Photoshop avec plage de couleurs

Pour cette image, nous allons placer notre modèle sur un fond de couleur plutôt qu’un fond blanc. L’avantage sur fond blanc est que nous allons pouvoir sélectionner le blanc de l’arrière-plan pour ne conserver que notre modèle.

Créer une sélection avec l’outil plage de couleur

Faites une copie de votre travail sur un nouveau calque avec le raccourci clavier cmd opt shift E (ou ctrl alt shit E). Puis, allez dans le menu sélection, et plage de couleurs. Commencez par choisir hautes lumières dans le menu déroulant de l’outil.

Vous allez voir dans le rectangle du bas ce qui a été sélectionné ou non. Ce rectangle correspond au masque qui sera créé avec la sélection. Votre sujet devrait être blanc. Comme nous avons choisi de sélectionner le fond, votre sujet va être noir. Pour inverser la sélection, cocher l’option inverser. Cliquez sur OK.

Créer et modifier un masque de fusion pour détourer les cheveux

Maintenant, notre sujet a été sélectionné. Pour pouvoir altérer notre sélection à l’infini, nous allons créer un masque de fusion. Cliquez sur le bouton de masque en bas du menu des calques.

Vous allez voir que le masque n’est pas tout à fait parfait. Nous avons encore des parties qui n’ont pas été sélectionnées correctement. Pour nettoyer le masque, il suffit de remplir ces zones de blanc. Appuyez sur opt ou alt et cliquez sur le masque pour voir uniquement le masque. Puis avec l’outil lasso, sélectionnez les zones à corriger. Assurez-vous que le sélecteur de couleur est en blanc. Puis, vous pouvez remplir votre sélection de blanc grâce au raccourcis clavier alt ou opt delete. 

Maintenant, le masque est très bien, mais il reste encore beaucoup de blanc dans les cheveux du modèle. Pour changer cela, il va falloir raffiner le masque.

Raffiner le masque pour obtenir une sélection parfaite

Pour raffiner le masque, double cliquez sur le masque de fusion. Dans les options de masque, vous allez voir un bouton sélectionner et masquer.

Cette fonction permet de modifier le masque de façon globale pour obtenir de meilleurs résultats.

Dans le mode d’affichage, choisissez afficher sur noir. Vous allez voir plus facilement où se trouvent les résidus blancs qu’il faut enlever.

Essayez d’abord d’augmenter le rayon, jusqu’à ce que vous ayez un maximum de cheveux de sélectionné, mais avec le moins de blanc possible.

Ensuite, cliquez sur l’outil amélioration des contours. Passez votre pinceau sur le contour des cheveux. De cette façon, Photoshop détectera mieux les cheveux à retoucher.

Enfin, utilise le curseur de décalage du contour. Cet outil sert à ramener le contour plus loin vers l’intérieur ou l’extérieur. Dans ce cas-ci, nous allons le ramener vers l’intérieur, pour enlever encore un peu de résidus blancs.

Lorsque vous avez terminé, appuyez sur OK. Si la sélection n'est toujours pas parfaite, vous pouvez toujours la modifier en peignant en noir ou en blanc sur le masque de fusion créé au départ!

Conclusion

En conclusion, il existe plusieurs façons de retoucher les cheveux pour améliorer vos images.

Que ce soit pour enlever des frisottis, ajouter du volume aux cheveux ou carrément placer un modèle sur un autre fond, Photoshop nous offre plusieurs possibilités.

D’abord, nous avons vu plusieurs façons de retoucher les frisottis. L’outil correcteur localisé, l’outil tampon et le filtre anti poussière sont de bonnes méthodes pour effacer les cheveux déplacés.

Nous avons également vu une façon impressionnante de modeler les cheveux avec le filtre de fluidité.

Puis, j’ai parlé de comment ajouter des cheveux pour masquer les trous dans la coiffure avec l’outil lasso et transformation.

Enfin, je vous ai montré une technique de détourage des cheveux avancée pour vous permettre de facilement changer le fond de vos portraits.

J’espère que cet article vous aura aidé à améliorer vos retouches de cheveux. Si vous avez des questions ou suggestions, n’hésitez pas à me les écrire en commentaire!

Sur ce, je vous dis à la prochaine, et bonne retouche! 



à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

5 erreurs à éviter pour vos photos de portraits

Si vous faites des portraits depuis un moment, vous commencez certainement à avoir une bonne maîtrise de votre appareil photo. Vous avez peut-être un joli objectif à focale fixe pour vous aider à faire de beaux flous d’arrière-plan. Vous savez cadrer vos images, et les poses que vous utilisez pour vos modèles sont très réussies.

Mais, malgré tout cela, peut-être qu’il manque un petit je ne sais quoi à vos images pour qu’elles soient à la hauteur de vos attentes. Peut-être que, sans vous en rendre compte, vous commettez l’une des erreurs que je m’apprête à vous indiquer.

Soyez rassurés, même les photographes plus expérimentés font se genre d’erreurs régulièrement.

Pour vous le prouver, je vais vous montrer mes propres photos comme exemple! Je vais vous indiquer ce qu’il faut éviter et comment arriver à une solution sans trop se casser la tête. Prêt? C’est parti!

Erreur numéro 1 : les pollutions de couleur


La première erreur dont je vais vous parler est un de mes plus gros irritants. Et je vois ce genre de problème à tous les jours dans les groupes de photographes.

Honnêtement, rien ne peut autant gâcher une photo quasi parfaite que cela.

Quoi donc? Les pollutions de couleur. C’est quoi ça?

Ce sont des couleurs qui apparaissent sur le visage de vos modèles alors qu’elles n’ont pas leur place. Elles peuvent apparaître quand il y a plusieurs sources de lumière de couleur différente, ou encore quand la lumière se réfléchit sur un élément de couleur qui se trouve près de votre sujet.

Avec l’été qui arrive, vous allez probablement faire des photos dans l’herbe, et voir ensuite apparaître des taches jaunes vertes sous le menton, le nez, et les yeux de vos modèles.

Ça, c’est très mauvais, et il faut éviter cela à tout prix, au risque de donner un air étrange à vos sujets.

Je n’avais pas d’exemple de cette situation précise dans mes propres photos, mais je vais vous montrer d’autres exemples qui sont tout aussi pertinents.

Comment retoucher les pollutions de couleur dans Lightroom

Pour cette première image, je voulais créer une image ton sur ton, puisque le mur rose complémentait bien le teint de la modèle.

L’ennui est que, à l’ombre, la lumière était plutôt bleutée, ce qui avait tendance à rendre les cheveux et le chandail de la modèle trop bleus.

Vous voyez que même en ajustant un peu la balance des blancs, le bleu reste toujours là. Alors, comment faire pour l’enlever?

Dans cette situation, il n’y a rien de bleu qu’on veut conserver dans l’image. Alors, dans Lightroom, on peut simplement désaturer le bleu grâce à l’outil TSL.

Vous pouvez activer la cible en appuyant sur les touches cmd opt shift S.

Si vous trouvez que le chandail semble trop gris, vous pouvez conserver un peu de saturation, mais tenter de changer la teinte de la couleur qui dérange.

Comment retoucher les pollutions de couleur dans Photoshop

Pour la deuxième photo, c’est la réflexion de la lumière sur le mur orangé qui donne une teinte orange au visage de la modèle. Même si la balance des blancs est correcte, remarquez comme le côté droit de son visage est beaucoup trop orangé.

Si on essaie de désaturer l’orange, l’effet affectera l’image au complet, alors que c’est seulement une région précise qui nous intéresse.

Le même genre de problème survient avec les photos prises dans l’herbe, près de feuillage ou dans un sous bois. Alors, comment faire pour retoucher ça?

À mon avis, la façon la plus simple d’y arriver est d’utiliser Photoshop.

Pour enlever la pollution de couleur, créez un nouveau calque vide.

Ensuite, sélectionner l’outil pinceau. Appuyez sur la touche alt ou option pour faire apparaître la pipette. Puis, sélectionnez une couleur sur le visage qui se rapproche de la couleur que vous souhaitez utiliser pour cacher les taches de couleurs indésirables.

Ensuite, peignez la bonne couleur par-dessus les couleurs indésirables.

Enfin, changez le mode de fusion du calque pour couleur, puis ajustez l'opacité de ce calque jusqu'à ce que le résultat soit naturel.

Vous aurez peut-être besoin de faire de petites modifications, mais cela fonctionne plutôt bien en général! Voici le avant-après : 


Prévenir les pollutions de couleurs à la prise de vue

Vous pouvez aussi tout simplement éviter le problème à la prise de vue. Dans le cas de cette photo sur le mur orangé, j’ai décidé de placer la modèle dos au mur à la place. Ainsi, la pollution de couleur a disparu.

Une autre façon de faire disparaître les pollutions de couleurs est de simplement éclairer votre sujet avec un réflecteur blanc ou argent. Comme votre source de lumière sera plus forte et de couleur neutre, ce sera assez facile de faire disparaître des couleurs indésirables!

Erreur numéro deux : le teint bleu!

Le problème du teint bleu est assez fréquent pour les photos en lumière naturelle. Comme les photos sont souvent prises à l’ombre et que c’est à l’ombre que la lumière est le plus bleue, il est difficile d’y échapper. Alors, comment faire pour l’éviter?

La première étape est de prendre les photos en raw. Ensuite, au traitement dans Lightroom, utilisez l’outil de balance des blancs pour sélectionner une zone neutre. Petite astuce : pour aller plus vite, vous pouvez utiliser le raccourci clavier W. 

Dans cette photo, nous allons choisir l’arrière-plan, qui était en pierre grise. Maintenant, le teint de la modèle est mieux, mais j’aurais aimé garder un peu de bleu dans l’arrière-plan pour ajouter un contraste de couleur chaude et froide.

À la place d’appliquer mon réglage de balance des blancs sur toute l’image, je vais utiliser le pinceau correcteur pour appliquer le réglage seulement à mon sujet.

Pour accéder au pinceau correcteur, vous pouvez utiliser le raccourci clavier K. Pour savoir si le visage a une teinte assez chaude, observez le blanc des yeux de votre sujet. Si le blanc des yeux est plutôt neutre, vous êtes sur la bonne voie!

Un petit mot sur les yeux...

Parlant des yeux, j’ouvre une petite parenthèse puisque cette image est un bon exemple d’une autre erreur à éviter : les yeux flous!

Si les yeux ne sont pas nets dans un portrait, la photo est bonne pour la poubelle!

Dans ce cas-ci, la mise au point a accidentellement été faite sur la frange de cheveux à gauche.

L’un des yeux est flou et l’autre n’est pas tout à fait net non plus.

En portrait, il est conseillé de toujours faire la mise au point sur l’oeil le plus près de l’appareil.

Vous pouvez vous faciliter la vie pour les plans rapprochés en utilisant une plus petite ouverture. Ainsi, vous aurez plus de marge de manoeuvre pour une meilleure netteté!

Erreur numéro 3 : mauvais éclairage


Il ne suffit pas d’avoir une bonne exposition, une bonne balance des couleurs et un bel arrière-plan flou pour faire de beaux portraits. Il faut que la lumière avantage votre modèle! Sinon, vos efforts n’auront servi à rien!

Comment maîtriser la lumière du soleil

Dans cette première image, la lumière est beaucoup trop dure. Le soleil est très haut dans le ciel.

Même si j’ai tenté de diriger mon sujet pour qu’elle soit face au soleil pour minimiser les ombres indésirables, l’éclairage demeure beaucoup trop contrasté.

En plus, remarquez ses yeux : comme l’éclairage est beaucoup trop haut, il n’y a aucune lumière dans ses yeux, ils sont complètement noirs!

Pour adoucir la lumière, j’ai choisi d’utiliser un diffuseur. J’en ai aussi profité pour changer de point de vue pour faire disparaître les éléments d’arrière-plan et ne garder que le ciel.

 Le diffuseur a aussi fait apparaître un catchlight dans les yeux de mon sujet, ce qui est très important pour qu’il y ait de la vie dans les yeux.

Si vous n’avez pas de diffuseur, la solution la plus simple est de prendre votre sujet en photo à l’ombre ou dos au soleil. Mais attention! Vous ne serez pas toujours tiré d’affaire pour autant...

L'impact de la direction de la lumière : évitez l'éclairage du dessous!

Pour cette image, on a placé la modèle dos au soleil, mais on a fait face à un autre problème très fréquent en photo de portrait : l’éclairage du dessous.

Dans les premiers films d’horreur, les personnages effrayants étaient éclairés du dessous pour leur donner un air menaçant…et ce n’est pas pour rien. Personne n’est avantagé lorsqu’il est éclairé du dessous!

Dans le cas de cette photo, la lumière du soleil se réfléchit sur le sol en béton de couleur claire. Ceci cause un tas de problèmes.

Premièrement, le cou de la modèle est éclairé presque directement, ce qui le fait apparaître plus large que la réalité.Ensuite, ceci crée des ombres sous son nez et sous ses yeux. En plus, la couleur de cette lumière est plutôt orangée alors que le reste est plutôt bleu. Alors, que faire?

Une solution aurait été de la prendre plus à l’ombre, de la faire reculer de quelques pas. Mais, si on veut conserver la lumière dans ses cheveux, on peut prendre la photo au même endroit.

Il faut cependant couper cette lumière dérangeante. La meilleure façon d’y arriver est de placer un réflecteur noir, avec le noir vers le haut, entre la modèle et la lumière réfléchie sur le sol.

D’ailleurs, parlant de réflecteur, il arrive souvent de le placer trop bas. Lorsque le réflecteur est trop bas, la lumière du dessous apparaîtra alors que c’est précisément ce qu’on cherche à éviter!


Erreur numéro 4 : pas de catchlights, pas de vie dans les yeux!

Lorsque vous faites des photos en lumière naturelle, il peut arriver que votre source de lumière soit plutôt indirecte. Il pourrait donc manquer de lumière dans les yeux de votre modèle.

Voici un exemple.

Dans la première photo, la lumière est très douce, ce qui est très avantageux pour les gens. Mais, remarquez qu’il n’y a presque aucun reflet de lumière dans les yeux de la modèle.

J’ai donc simplement tourné autour de mon sujet jusqu’à ce qu’il y ait des reflets qui apparaissent dans ses yeux. La différence est évidente!​

Dans le cas où il n’y a aucune source de lumière assez forte pour créer de beaux catchlights, essayez d’approcher un réflecteur blanc ou argent de votre sujet.

Erreur numéro 5 : les objets qui sortent de la tête

Si vous êtes absorbé par votre séance photo, peut-être que vous oublierez de vérifier l’arrière-plan pour détecter les objets qui peuvent donner l’impression de sortir de la tête de votre modèle…

Prenez cette photo, par exemple. La lumière, l’angle, tout était parfait. Mais, la barrière en métal noir est venue tout gâcher!

Heureusement, c’était une retouche assez facile à faire dans Photoshop, avec l’outil tampon!

Voilà le résultat avant-après! Beaucoup mieux, n’est-ce pas?

Conclusion

Que vous soyez débutant ou plus avancé et peu importe l’équipement que vous avez entre les mains, les 5 erreurs dont je vous ai parlé aujourd’hui peuvent vraiment faire la différence entre une jolie photo et une photo de calibre professionnel.

En résumé, soyez attentifs à la couleur de la lumière sur votre sujet. Y a-t-il des couleurs sur la peau de votre sujet qui ne devraient pas y être? Pouvez-vous positionner votre sujet autrement? Sinon, essayez de corriger ces couleurs parasites avec un calque de couleur dans Photoshop!

Ensuite, assurez-vous que votre balance des blancs ainsi que votre traitement d’image donnent une belle couleur chaude au teint de vos modèles. Sinon, vos sujets auront l’air malades!

Puis, évitez les deux types de lumière qui désavantage tout le monde : la lumière directe du soleil de midi… et surtout, la lumière du dessous!

Assurez-vous que les yeux brillent en cherchant une source de lumière qui pourrait créer de beaux catchlights. Demandez à votre modèle de changer de position pour être en direction de la lumière ou ajoutez un réflecteur!

Enfin, évitez les éléments du décor qui pourraient «sortir» de la tête de vos modèles. Ceci évitera les distractions inutiles.

Bref, j’espère que cette vidéo va vous avoir aidé à détecter les faux pas les plus communs en photo de portrait, pour faire passer vos images à un calibre plus élevé!

Sur ce, je vous dit à la prochaine, et bonnes photos!


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Pourquoi vous devez copier les autres photographes

Pinterest, Instagram, magazines... L'inspiration peut être trouvée partout. Qu'on se l'avoue ou non, nous avons tous, tôt ou tard, copié la photo d'un autre photographe...ou tenté de le faire. En apparence, tout le monde semble condamner ce genre de pratique. Mais est-ce vraiment aussi diabolique qu'on le dit? Au risque de choquer les puristes du droit d'auteur, voilà mon opinion sur la question : oui, vous DEVEZ copier les autres photographes.

Quoi?

Attention, je ne vous dit pas de copier les photos des autres dans les moindres détails, de l'éclairage aux réglages en passant par le décor, le concept, la pose, voir même le physique du modèle lui-même!

Par contre, le fait de savoir analyser une image que vous aimez vous aidera énormément à progresser et à établir votre propre style.

Alors, comment reproduire les effets qui vous plaisent sans plagier? Comment devriez-vous analyser des images? En quoi copier les autres photographes peut vous aider à développer votre style? Aujourd'hui, je vous donne quelques pistes de solutions.

Copier les autres photographes sans plagier : quelques mots sur les droits d'auteurs

Avant de copier les photos d'autres photographes, il est important de faire mention des droits d'auteurs. Attention, je ne suis pas avocate. Je ne peux donc pas vous donner de conseils légaux, mais voici mon opinion sur la question.

Depuis 2012, au Québec, la loi sur le droit d'auteur accorde automatiquement aux photographes le droit d'auteur sur leurs images, du moment qu'ils appuient sur le déclencheur.

Donc, techniquement, si vous reproduisez la photo d'un autre, mais avec votre propre appareil, vous êtes propriétaire du droit d'auteur sur cette nouvelle image, n'est-ce pas?

Ce n'est pas aussi simple que cela. Aux États-Unis, le Copyright Act prévoit la protection des oeuvres basées sur d'autres oeuvres. À titre d'exemple, une chanson remixée ou une peinture imitée avec une variante ne sont pas considérées comme des violations du droit d'auteur aux yeux de la loi.

Une oeuvre dérivée d'une autre est ainsi protégée par la loi sur le droit d'auteur, en autant qu'elle contienne assez d'éléments nouveaux. C'est là qu'il y a beaucoup de place à l'interprétation.

Dans cet article publié sur Peta Pixel, il est question du cas d'un photographe dont la photo a été imitée par une agence de publicité. Selon l'auteur de l'article, Adam Remsen, avocat, l'agence de publicité n'est pas fautive, puisqu'il y a assez d'éléments différents entre les deux.

Légal, peut-être, mais pas éthique à mon avis.

Si vous voulez vous faire votre propre opinion, voici les deux images :

Mais au Canada, comment ça marche?

La loi canadienne sur le droit d'auteur ne prévoit pas de clauses particulières concernant les oeuvres dérivées. Il ne semble pas non plus y avoir de directives claires pour déterminer si une oeuvre a été plagiée.

Cependant, cela pourrait être appelé à changer! Le cas de Claude Robinson servira forcément d'exemple pour la suite des choses.

Pour faire une histoire courte, celui-ci avait présenté à Cinar son concept d'émission pour enfant intitulé Robinson Curiosité. Après une mésentente entre Robinson et Cinar, la compagnie de production a lancé Robinson Sucroe, une série copiant les personnages, la trame de l'histoire, le thème, etc. Les dessins originaux ont été refaits différemment, mais malgré cela, la cour suprême du Canada a donné raison à Robinson, après un combat de près de 20 ans.

La photographe Cindy Hains a voulu connaître la position de la cour quant au plagiat de concepts photo. Voyant qu'une de ses photos avait été imitée par une autre photographe, elle a intenté une poursuite pour plagiat.

La cour des petites créances lui a octroyé 2500$ pour la copie et la publication d'une photo presque identique à la sienne à des fins commerciales (la photographe fautive ayant produit la photo dans le cadre d'une séance photo payante). Pour avoir plus de détails sur ce cas, vous pouvez lire l'article publié sur le blogue de Francis Vachon.

Bref, inspirez-vous des autres photographes pour comprendre leurs techniques. Mais, lorsque vous faites des photos qui seront publiées, assurez-vous d'amener assez d'éléments nouveau en terme de pose, de cadrage, etc. Votre créativité s'améliorera beaucoup plus, et vous vous éviterez beaucoup de problèmes...

Que devriez-vous analyser pour reproduire vos photos préférées?

Comme je l'ai expliqué précédemment, l'objectif ici n'est pas de reproduire une photos dans ses moindres détails. En réalité, il s'agit plutôt de reconnaître ce que vous aimez dans une image pour ensuite le réutiliser dans vos photos. Comme le dit très bien Jake Hicks dans cet article, votre seul objectif devrait être de créer une copie évoluée de ce que vous avez vu. Je vous invite à aller consulter les images d'exemples qu'il a utilisées. Vous verrez que les photos ne sont jamais des copies conformes des originales!

Mais alors, si vous ne copiez pas la photo dans son ensemble, comment devriez-vous copier les autres photographes?

L'idée est d'observer d'abord l'éclairage, puisque c'est ce qui a le plus d'importance pour l'ambiance d'une image. Si vous êtes capable de reproduire l'éclairage d'une image, il ne restera plus qu'à utiliser votre créativité pour obtenir de superbes photos!

Trouver l'éclairage utilisé dans une photo : le secret est dans les yeux!

Le première étape pour découvrir quel éclairage a été utilisé pour une photo est d'observer la forme et l'emplacement des catchlights dans les yeux.  Pour en savoir plus à propos des catchlights, je vous recommande d'aller lire mon article sur la retouche des yeux! 

Voyons quelques exemples.

Dans cette photo, la réflection de la lumière dans les  yeux est en forme d'anneau. Donc, on peut déduire que cette photo a été prise avec un ring light

Comme le catchlight est presque en plein centre de l'oeil de la modèle,  cela nous indique que l'éclairage était positionné directement devant elle. La lumière est très douce et il n'y a presque aucune ombre sur le visage de la mannequin.

Pour avoir une lumière aussi douce,  il faut avoir une source de lumière très grande en relation avec le sujet. Dans ce cas ci, comme la plupart des ring lights sont plutôt petits en général, le photographe a du positionner la lumière très près du sujet. 

Pour l'effet halo derrière le sujet, il y a deux possibilités. L'effet a peut-être été créé à la retouche dans Photoshop. Sinon, il y a de bonnes probabilités que le photographe ait utilisé un flash pointé vers le fond, avec une grille en nid d'abeille pour contrôler l'étendue de la lumière. 

Contrairement à l'image précédente, celle-ci est beaucoup plus contrastée. Le reflet de la lumière dans l'oeil semble être en forme de croissant, et est située un peu plus à droite. 

Vous allez me dire qu'il n'y a pas de modificateurs de lumière en forme de croissant, et c'est tout à fait juste. En fait, si on observe  de plus près, on voit qu'il s'agit en fait du flash qui cache une partie du parapluie dans lequel il se réfléchit! 

Comme je ne vois pas  d'autres réflexions dans les yeux, je ne crois pas qu'il y ait de réflecteur. Comme les ombres ne sont pas complètement bouchées, je me risquerais à dire que la lumière qui se réfléchit sur les bras de la mannequin est ce qui éclaircit les ombres.

Enfin, à voir la couleur de fond, je crois que la modèle était assez loin de ce dernier. Le fond a probablement été éclairée de la même façon que pour la photo précédente, à faible intensité.

Comment copier l'éclairage d'une image prise en lumière naturelle? 


En lumière naturelle, vous trouverez des catchlights très indistincts, ou au contraire, vous saurez au premier coup d'oeil qu'il s'agissait du soleil. Les deux photos de cette publication sur instagram sont un bon exemple. Pour voir la deuxième image, cliquez sur la publication!

Sur la première image, la lumière est très douce et on ne distingue pas de forme précise pour le reflet de lumière dans les yeux.  À mon avis, cette photo a été prise alors qu'un nuage passait devant le soleil, ou à l'ombre, en gardant une partie du ciel visible dans les yeux.  

Pourquoi pas dos au soleil? Parce que si ça avait été le cas, il y aurait eu beaucoup plus de lumière dans l'arrière-plan et dans les cheveux de la mannequin.

Sur la deuxième photo, en revanche, c'est le soleil qui est la source de lumière principale. Remarquez comme le reflet dans les yeux est petit et rond. L'ombre du nez de la modèle est aussi très découpée. Une lumière aussi dure est souvent créée par le soleil ou un flash nu.

Il y a deux raisons qui me font dire que c'est le soleil et non un flash. La première, c'est que l'arrière plan est éclairée de la même façon et dans la même direction que le sujet. Si un flash avait été utilisé, l'arrière plan aurait probablement eu l'air plus sombre. La deuxième, c'est que la couleur de la photo dans son ensemble nous indique que la photo a probablement été prise au coucher du soleil. Ceci justifie donc que le catchlight soit plus bas dans les yeux.

Comment analyser l'éclairage lorsque les yeux ne sont pas visibles?


Vous avez vu une superbe photo que vous aimeriez reproduire, mais vous ne voyez pas de reflets? Dans ce cas, il faudra observer la direction et la qualité de la lumière! 

Prenons cette superbe photo de nouveau-né comme exemple. 

D'abord, on remarque que la photo est plus claire du coté gauche que du côté droit. Donc, la source de lumière principale est forcément de ce côté. 

Ensuite, la lumière est extrêmement douce. Il est presque impossible de dire avec certitude où les ombres commencent et où elles s'arrêtent. Pour obtenir un éclairage aussi doux et diffus, il faut une source de lumière très grande par rapport au sujet.

Dans ce cas-ci, j'aurais tendance à penser que la photo a été prise près d'une grande fenêtre. Si la fenêtre n'st pas une option pour vous, je vous recommande fortement d'utiliser  un gigantesque parapluie muni d'un diffuseur. Plusieurs photographes portraitistes très talentueux en font l'éloge régulièrement! 

Pour cette image, la lumière est diffuse et vient du côté gauche de l'image, puisque c'est ce côté qui est plus lumineux. Pour diffuser l'éclairage, la photographe a probablement utilisé un softbox de bonne dimension. 

L'ombre sous le nez de la mannequin laisse croire que le flash était positionné presque à la hauteur du visage, légèrement à gauche. 

Enfin, comme le côté droit de l'image n'est pas complètement noir, je crois qu'un réflecteur a été utilisé, ou encore un flash a plus faible intensité. Il semble y avoir beaucoup de jaune dans cette zone de l'image. On peut supposer qu'un réflecteur doré a été utilisé. Ou, peut-être que c'est le maquillage qui donne cet effet!  

Copier les autres photographes pour apprendre et trouver son style

Si vous essayez de reproduire l'éclairage des photos qui vous plaisent, vous allez apprendre énormément dans le processus! 

Les essais et erreur que vous allez faire vont vous permettre d'observer votre éclairage et de découvrir plusieurs possibilités. Vous verrez ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas, ce que vous aimez, ce que vous n'aimez pas... 

Petit à petit, vous allez trouver les types d'images et d'éclairage que vous préférez. Ce sont ces préférences qui vont forger votre style unique! 

Conclusion


Bref, même si le fait de copier les autres photographes peut sembler mauvais ou non éthique, c'est un processus qui peut être extrêmement formateur! 

Il ne s'agit pas de reproduire entièrement une photo. Ce serait du plagiat. L'idée de base est plutôt d'analyser ce que font les autres et de créer votre version améliorée de ce que vous aimez.

Pour trouver quel genre d'éclairage a été utilisé, observez les catchlights dans les yeux des modèles. Cela vous donnera une foule d'informations sur l'éclairage utilisé. 

Observez aussi la qualité et la direction de la lumière. Est-elle diffuse? Est-elle dure? Est-elle directement devant le modèle? Derrière? De côté? Les ombres sont-elles découpées ou estompées? Sont-elles complètement noires ou plus claires?

Se sont toutes des questions que vous pouvez poser afin de reproduire la lumière que vous préférez!

Bref, j'espère que cet article vous sera utile pour améliorer vos photos et créer un style qui vous est propre!  Vous avez des photos que vous aimeriez que j'analyse? Mettez le lien dans les commentaires!

À la prochaine, et bonnes photos! 


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

5 trucs pour retoucher les yeux comme un pro!

Vous avez certainement déjà voulu améliorer les yeux dans vos portraits. Vous vous êtes probablement déjà demandé comment retoucher les yeux dans Lightroom ou dans Photoshop.

Après tout, vous déjà entendu le vieil adage qui dit que les yeux sont le miroir de l’âme, ou quelque phrase du même genre. Certains disent qu’en portrait, le regard est d’une importance capitale… et ils ont bien raison!

Si vous voulez que les yeux soient plus lumineux, faire briller les yeux, les éclaircir ou y ajouter de la lumière, vous allez adorer cet article.

Je vous dévoilerai tout! Après la lecture de cet article, vous serez en mesure de rendre le regard de vos modèles complètement envoûtant!

Comment obtenir un regard brillant, dès la prise de vue

Avant de parler de retouche, il serait bon de parler de comment obtenir un regard lumineux et vivant dès la prise de photos.

Soyez rassurés, je ne m’aventurerai pas dans un univers psychologique ou ésotérique!

Je vais plutôt vous parler de ce qui rend les yeux plus brillants : les reflets de lumière dans les yeux, aussi couramment appelés catchlights. Pour mieux comprendre, vous n’avez qu’à vous imaginer les personnages de dessins animés japonais avec leurs yeux énormes. Les catchlights, ce sont les gros points blancs dans leurs yeux.

Les yeux réfléchissent tout ce qu’il y a autour d’eux, comme des miroirs. Cependant, pour que ces reflets soient bien apparents, il faut qu’il y ait quelque chose de très lumineux dans l’environnement.

En studio, obtenir des catchlights intéressants est très simple, puisque le flash se réfléchit directement dans les yeux. Le reflet prendra la forme de ce que vous utilisez pour diffuser votre flash.

Mais, en lumière naturelle, obtenir de beaux reflets lumineux dans les yeux peut être plus difficile. Pourquoi? Parce que ce qui produit le reflet le plus lumineux dans les yeux, c’est le soleil. Or, placer le sujet face au soleil ne nous donnera pas le résultat voulu, la plupart du temps. La lumière sur le sujet sera trop forte, notre modèle va plisser les yeux, bref, une recette pour le désastre!

Alors, comment faire?

À l’intérieur, placez une source lumineuse près de votre sujet : une fenêtre, ou une porte ouverte, par exemple.

À l’extérieur, assurez-vous qu’une partie du ciel soit visible dans les yeux de votre modèle. Sinon, utilisez un réflecteur pour renvoyer de la lumière vers les yeux de votre modèle.

Mais, si malgré tout cela, vous n’êtes pas satisfait de la lumière dans les yeux de vos modèles, les logiciels de traitements voleront à votre secours! Ici, j’ai groupé mes meilleures techniques de retouche pour les yeux. Elles peuvent être utilisées toutes ensemble, ou séparément.

Premier truc pour faire retoucher les yeux : augmenter le contraste de l’iris

L’iris de l’oeil est l’endroit où les couleurs se trouvent, avec tous les détails qui sont uniques à chaque personne. Il est rempli de nervures plus pâles et plus foncées. En augmentant le contraste de l’iris, vous allez accentuer ces détails.

Augmenter le contraste de l’iris dans Lightroom

Pour augmenter le contraste de l’iris dans Lightroom, utilisez le filtre radial. Il est simple d’utilisation, flexible, et vous permet de faire vos modifications en quelques clics!

Pour accéder au filtre radial dans Lightroom, il suffit d’aller le chercher dans le panneau de droite du module de développement. Il est illustré par l’icône ronde sous l’histogramme. Vous pouvez aussi l’activer avec la touche shift+M.

Puis, encerclez l’iris de l’oeil avec le filtre radial. Assurez-vous que l’option inverser est cochée. Puis, vous pouvez ajouter du contraste avec le curseur de contraste, ou en jouant avec les curseurs de blanc, hautes lumières, ombres et noirs. La couleur peut aussi être changée avec les curseurs de saturation et de balance des blancs.

Une fois le premier réglage effectué, vous pouvez appliquer le même effet à l’autre oeil en dupliquant le filtre radial du premier oeil. Il suffit de faire un clic droit sur le point gris, de dupliquer, puis de positionner le filtre sur l’autre oeil!

Augmenter le contraste de l’iris dans Photoshop

Dans Photoshop, il y a de très nombreuses façons de s’y prendre pour ajouter du contraste.

Pour l’iris, nous allons utiliser la méthode la plus rapide pour ajouter du contraste : dupliquer le calque d’arrière-plan, et d’utiliser le mode de fusion lumière tamisée.

Comme le contraste s’applique partout, il va falloir ajouter un masque de fusion, pour appliquer l’effet seulement pour l’iris des yeux. Pour ce faire, appuyez sur la touche option ou alt, et cliquez sur le bouton masque de fusion en bas du panneau des calques.

Pour appliquer l’effet, il suffit de peindre en blanc sur le masque à l’endroit désiré.

Normalement, l’effet devrait être suffisant tel quel. Si c’est trop, il suffit de réduire l’opacité du calque. Si ce n’est pas suffisant, vous pouvez dupliquer le calque où se trouve votre effet.

Pour changer le contraste et les couleurs en même temps

Une autre façon d’augmenter le contraste de l’iris dans Photoshop est d’utiliser l’outil courbe. L’avantage de la courbe est que vous pouvez, en même temps que le contraste, modifier la couleur de l’iris, comme on l’a fait dans Lightroom.

Pour ce faire, il faut créer un calque de réglage de courbe, qui est cette icône-ci dans le panneau des réglages.

Si vous ne voyez pas le panneau des réglages, vous pouvez aller le chercher dans le petit menu des calques de réglages au bas du panneau des calques.

Pour ajouter du contraste, vous n’avez qu’à aller dans le petit menu déroulant et choisir contraste accentué. Le contraste sera très intense, mais ce n’est pas un problème puisqu’on peut modifier l’opacité du calque par la suite.

Pour la couleur, il suffit d’aller changer le canal RVB pour un autre canal. Dans Lightroom, on a ajouté un peu de bleu. Donc, on va légèrement augmenter la courbe de bleu, ainsi que la courbe de vert.

L’effet s’applique partout. Pour que notre effet ne s’applique qu’à certains endroits, il va falloir changer le masque blanc pour un masque noir. Il suffit de cliquer sur le masque et d’utiliser le raccourcis clavier cmd ou ctrl I.

Pour appliquer l’effet seulement à l’endroit désiré, on peut procéder de la même façon que tout à l’heure, en peignant en blanc sur ce masque.

L’effet est très intense alors je vais en réduire l’opacité pour le rendre un peu plus naturel.

Vous verrez qu’entre les deux méthodes, l’effet sur le contraste est assez semblable. La courbe nous aura simplement servi à changer un peu les couleurs.

Deuxième truc pour retoucher les yeux : foncer le contour de l’iris

Le contour de l’iris des yeux est souvent plus foncé que le reste de l’oeil. Pour donner un effet spectaculaire au regard, vous pouvez foncer encore plus le contour de l’iris. Ceci aura pour effet de mieux séparer l’iris du blanc de l’oeil et de faire ressortir la couleur en même temps.

Foncer le contour de l’iris dans Lightroom

Pour foncer le contour de l’iris dans Lightroom, il suffit de sélectionner le pinceau de réglages dans le haut du panneau de droite dans le module de développement. Vous pouvez aussi l’activer avec le raccourci clavier K.

Vous n’avez qu’à réduire l’exposition et peintre sur le contour de l’iris avec un rayon suffisamment petit, et voilà!

La beauté du pinceau de retouche, c’est que vous pouvez augmenter ou réduire l’exposition de l’effet, même après l’avoir appliqué.

Foncer le contour de l’iris dans Photoshop

Pour éclaircir ou assombrir n’importe quelle partie de mes photos, j’utilise la technique de Dodge and burn. Il existe plusieurs méthodes pour éclaircir et assombrir. Personnellement, j’utilise deux calques de réglages de courbe. L’un de deux calques servira à assombrir, et l’autre, à éclaircir.

La raison pour laquelle je sépare les deux, c’est que c’est 100% non destructif. On peut revenir en arrière à tout moment, grâce aux masques.

Comme nous souhaitons seulement assombrir pour le moment, nous allons commencer avec une seule courbe. Pour ce faire, il suffit de cliquer sur l’outil courbe dans le panneau de réglage. Si vous ne voyez pas cette icône, vous pouvez aussi cliquer sur l’icône de réglage au bas du panneau des calques et sélectionner la courbe.

Pour foncer l’image, il suffit de cliquer sur un point au centre de la courbe et de le tirer vers le bas.

Comme on ne veut pas que l’effet s’applique partout, nous allons remplir le masque de noir. Pour ce faire, il suffit de cliquer sur le masque, puis d’utiliser le raccourcis clavier cmd ou ctrl I.

Maintenant, vous pouvez peindre l’effet où vous voulez. Je vous recommande d’utiliser un pinceau blanc, mais à très faible opacité, autour de 10%.

On peut en profiter aussi pour foncer un peu la ligne des cils, le coin de l’oeil, comme pour ajouter un maquillage très subtil.

Il se peut que vous remarquiez une variation des couleurs avec cet ajustement. Si c’est le cas, il suffit de changer le mode de fusion du calque de courbe pour luminosité.


TROISIÈME truc pour ajouter de la vie dans les yeux : un peu plus de lumière

Pour rendre les yeux plus vivants, éclaircissez légèrement la partie inférieure de l’iris. Cet effet est subtil, mais saisissant!

Ajouter de la lumière au regard dans Lightroom

Pour ajouter de la lumière dans les yeux avec Lightroom, nous allons encore procéder avec l’outil pinceau de retouche.

Le principe est exactement le même que pour foncer le contour de l’iris. Avec le raccourci K, activez le pinceau de retouche.

Puis, augmentez l’exposition autour de 0,6. Avec un rayon assez petit, peignez dans l’iris juste au-dessus de la ligne plus foncée du contour.

Encore une fois, si l’intensité de l’effet ne vous plaît pas, vous pouvez à tout moment modifier l’exposition de votre outil.

Ajouter de la lumière au regard dans Photoshop

Pour ajouter de la lumière dans les yeux avec Photoshop, nous allons encore une fois utiliser la technique de Dodge and Burn.

Comme nous n’avons créé que la courbe plus sombre tout à l’heure, il faudra créer la courbe plus claire.

Pour ce faire, cliquez sur le réglage de courbe dans le panneau de réglages, ou allez le chercher dans le menu de réglages en bas du panneau des calques.

Sélectionnez un point central dans la courbe et tirez-le vers le haut. Encore une fois, il faudra inverser le masque pour que l’effet ne soit visible qu’aux endroits choisis, et non partout. Pour y arriver, il suffit de cliquer sur le masque, puis d’utiliser le raccourcis clavier cmd ou ctrl I.

Enfin, utilisez un pinceau blanc à faible opacité pour appliquer l’effet.  Vous pouvez en profiter pour éclaircir le coin inférieur de l’oeil, ou le blanc des yeux, ce qui m’amère au prochain point…

Quatrième truc pour retoucher les yeux : éclaircir le blanc des yeux

Souvent, le blanc des yeux peut sembler plutôt gris. Il existe plusieurs façons de le rendre plus blanc. Comme la majorité des techniques de retouche pour accomplir cela donnent généralement un effet beaucoup trop intense et donnent des yeux qui ressemblent à des yeux d’extra-terrestre, je vous suggère d’y aller avec parcimonie.

La meilleure façon de procéder, à mon avis, c’est avec le pinceau de réglage dans Lightroom, et avec les courbes dans Photoshop.

Comme nous avons déjà utilisé ces outils, je ne repasserai pas toutes les étapes en détail.

J’irai simplement avec une suggestion. N’oubliez pas que les yeux sont une boule. Par conséquent, il faut conserver cette impression de trois dimensions lors de la retouche.

Pour ce faire, peignez votre effet plutôt autour de l’iris, en y allant plus léger près des contours de l’oeil. Ainsi, le volume sera préservé.

Cinquième truc pour retoucher les yeux : enlever les veines

Ah, les petites veines dans les yeux! Elles sont si petites, et pourtant, elles peuvent réellement distraire d’un portrait qui aurait pu être absolument magnifique.

Alors, comment faire pour les enlever?

Malheureusement, le truc dont je vais vous parler ne fonctionne que dans Photoshop. Mais, croyez-moi, il est très efficace. J’ai découvert ce truc grâce à Scott Kelby. Celui-ci disait qu’après avoir utilisé l’outil tampon, l’outil correcteur et à peu près tout ce qui est possible, il a arrêté son choix sur un outil qui pourrait vous surprendre.

Il s’agit de l’outil pinceau, tout simplement. Eh oui! Le secret, c’est de sélectionner la couleur la plus près de la veine qu’on cherche à enlever avec la pipette (raccourcis clavier I). Comme les couleurs dans l’oeil varient beaucoup, vous devrez faire plusieurs sélections de couleur.

Ensuite, il suffit de peindre par dessus les veines sur un nouveau claque, à une opacité du pinceau d’environ 20%.

Lorsque vous avez terminé, vous aurez peut-être l’impression que l’oeil semble un peu trop lisse et parfait. Pour remédier à la situation, il suffit d’ajouter un peu de bruit sur le calque de retouche.

Allez dans filtre, bruit, ajout de bruit. Puis, sélectionnez un rayon d’environ 1,5 et le tour est joué!

Conclusion

Bref, dans cet article, j’ai voulu vous montrer les méthodes les plus simples et efficaces pour obtenir un regard envoûtant dans vos portraits, à tous les coups!

Plusieurs chemins sont possibles pour y arriver, mais j’ai décidé de vous montrer les manières les plus simples et rapides d’arriver à de beaux résultats.

En gros, nous avons vu que la retouche des yeux peut impliquer plusieurs retouches différentes, selon les besoins.

Les retouches que j’effectue le plus souvent sont l’ajout de contraste dans l’iris, foncer le contour de l’iris, ajouter de la lumière dans le regard, éclaircir le blanc de l’oeil et enlever les veines.

Dans Lightroom, la plupart de ces effets peuvent être réalisés  l’aide du filtre radial et du pinceau correcteur.

Dans Photoshop, il y a plusieurs options. Pour ajouter du contraste, j’utilise le mode de fusion lumière tamisée sur un duplicata de la photo. Puis, j’utilise deux courbes pour éclaircir et assombrir. Une plus claire et l'autre plus sombe. Pour retoucher les veines, je peins simplement par dessus.

Rien ne vous oblige à faire toutes ces retouches pour chaque photo. Mon but ici était de vous montrer les possibilités, pour vous permettre de choisir!

J’espère sincèrement que cet article vous aidera à donner à vos modèles un regard spectaculaire! Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les écrire en commentaires!

À la prochaine, et bonne retouche!


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

Faire plus de projets personnels, s’amuser plus et vivre de la photo!

Avez-vous déjà voulu faire plus de projets personnels sans arriver à les intégrer à votre emploi du temps chargé? Avez vous déjà rêvé d'organiser une exposition de vos plus belles oeuvres, mais abandonné l'idée? Avez-vous déjà voulu vous éclater avec d'autres professionnels, mais vous ne saviez pas comment les approcher? Vous êtes-vous déjà demandé comment faire la transition entre votre emploi et vivre de la photo?

Peu importe les questions qui vous touchent parmi celles-ci, je vous promets que vous allez adorer cet article!

L'article d'aujourd'hui est très spécial parce que c'est la première fois que je reçois une photographe professionnelle en entrevue sur mon blogue.

J'ai rencontré pour vous une jeune photographe de Québec qui est très talentueuse et créative. Elle a su se démarquer grâce à de nombreux projets personnels et ses séances photo conceptuelles.

La photographe dont je vous parle, c'est Sandra Des Trois Maisons, aussi connue sous le nom de Sandra Sunshine.

L’idée de cette entrevue m’est venue quand j’ai écrit un article invité sur Photogeek au sujet de l'importance des projets personnels. La personne qui me revenait constamment en tête pendant de la rédaction, c’était Sandra. J’ai alors voulu l’inviter en entrevue et j’ai été ravie qu’elle accepte mon invitation pour partager son cheminement avec vous!

Pssst! Voici l'entrevue en vidéo :

La naissance d'un projet conceptuel : de l'idée à l'exposition

En avril, Sandra a exposé son projet conceptuel intitulé Glitter Body Projet (voir la photo en début d'article). Le résultat est absolument grandiose. Je l'ai interrogé à savoir comment lui était venue l'idée d'un projet d'une telle originalité.

«En fait, dit-elle, ce projet personnel découle d'une autre séance conceptuelle que j'avais déjà faite dans le passé : la séance paillettes. L'idée de cette séance conceptuelle était d'intégrer des paillettes dans les cheveux, au niveau du maquillage, dans les vêtements. Dans mon enthousiasme, j'ai acheté trop de paillettes! Alors je me suis demandé, simplement, comment je pourrais utiliser ces paillettes que j'avais achetées en trop.»

«Puis, soudainement m'est venue l'idée de faire du body painting avec des paillettes. J'ai donc fait une petite annonce sur Facebook pour trouver des volontaires. J'avais besoin de femmes à l'aise avec leur corps, puisque la séance impliquait de la nudité. Une nudité couverte de paillettes, mais où on devinait clairement les formes du corps tout de même. Un bon nombre de femmes ont répondu à mon annonce. J'ai eu des personnes de tous âges, toutes formes et c'était vraiment intéressant.»

Comment organiser sa propre exposition rapidement, avec peu de moyens

À force de faire des photos dans le cadre de son projet, Sandra voyait le potentiel de ses photos. Comme la durée de vie sur les réseaux sociaux est courte, elle s'est dit que les images étaient trop belles pour n'avoir qu'une vie éphémère. D'autant plus que de nos jours, les photos sont souvent condamnées à ne rester que sur un écran d'ordinateur. Elle souhaitait afficher la beauté et la confiance de ces femmes pour leur rendre hommage. Je lui ai alors demandé comment elle avait organisé sa propre exposition.

Première étape : trouver le lieu

«J'ai commencé par chercher un endroit pour exposer mes oeuvres. Ce n'était pas évident, parce que les lieux d'exposition sont souvent réservés plusieurs mois à l'avance, alors que ma décision d'exposer était arrivée d'un seul coup. Je devais trouver un endroit qui pourrait recevoir un bon nombre de gens, en étant adapté pour afficher des oeuvres. C'est là que j'ai arrêté mon choix sur les Ateliers du Réacteur, à Québec. Le lieu peut être loué à la journée, en plus d'avoir un cachet est vraiment très intéressant.»

Deuxième étape : planifier l'accrochage, les amuses-gueule, la promotion et tout le reste

Interrogée sur ses meilleurs conseils en organisation d'un événement du genre, Sandra nous donne un truc simple, mais efficace : faire des listes!

«Personnellement, j'ai quand même certaines compétences en organisation. Je suis aussi une perfectionniste alors j'ai tendance à vraiment penser à tout. J'ai eu la chance d'avoir de l'aide de ma famille et de mon conjoint. J'ai aussi fait beaucoup de listes, pour m'assurer de ne rien oublier! En plus, c'est tellement satisfaisant de cocher ou barrer les tâches de la liste une fois accomplies!»

Troisième étape : attirer un public

Pour Sandra, l'élément le plus stressant était de savoir si son exposition allait attirer un public. Elle en a fait la promotion sur les réseaux sociaux à l'aide d'un événement Facebook, mais demeurait incertaine quant à la quantité de gens qui se déplaceraient.

« Ce qui m'inquiétait le plus, c'était de savoir s'il y aurait des gens. Sur les événements Facebook, les gens disent qu'ils sont intéressés ou qu'ils viennent,  mais finalement, personne ne se déplace. Heureusement, ça s'est très bien passé!  J'ai eu entre 60 et 70 personnes pendant la soirée. Il y avait des gens que je ne connaissais pas, il y avait aussi des clients. Ce n'était pas que la famille et les amis alors je suis vraiment satisfaite! Ce fut vraiment une belle réussite pour moi, d'autant plus que j'ai vendu la moitié de mes oeuvres! »

Trouver l'inspiration pour ses projets personnels et séances conceptuelles

En date d'écriture de cet article, Sandra compte déjà une quinzaine de projets conceptuels à son actif. Je l'ai donc interrogé à savoir comment elle trouvait toutes ses idées. Voici ce qu'elle m'a raconté:

«Tout a commencé avec l'émission America's Next Top Model. Le but de l'émission est de créer une nouvelle modèle américaine. À chaque émission, il y avait une séance photo thématique. Comme j'aime les belles coiffures, le maquillage et les vêtements, ça m'attirait beaucoup.»

«Au début, je reprenais les idées qu'il y avait dans cette émission-là. Inspirée d'une séance faite dans l'émission, une de mes premières séances conceptuelles était sur les 7 péchés.»

«Pour trouver mes collaborateurs, j'écrivais un petit mot sur Facebook et je demandais à mes amis si quelqu'un était disponible pour la coiffure, le maquillage, le modeling, ou simplement pour prêter des vêtements ou accessoires en lien avec le thème. Ce n'était pas encore très professionnel, je n'avais pas encore suivi mon cours en photographie quand j'ai commencé. De fil en aiguille, ça s'est rodé. J'ai fait mon cours et les photos étaient de meilleure qualité. Éventuellement, les gens étaient prêts à payer pour vivre cette expérience et avoir des photos qui sortent de l'ordinaire!»

Maximiser son temps pour faire plus de projets personnels : organisation, accessoires et décors

Pour arriver à faire autant de séances conceptuelles, Sandra nous dit que le secret est dans la préparation. Comme elle fait toutes les prises de vue en un week-end, tout doit être planifié à l'avance. Je lui ai donc demandé quel était son processus créatif.

« Officiellement, je fais une séance conceptuelle tous les deux mois. Seulement pour la préparation, il me faut parfois plus d'un mois pour trouver tous les accessoires dont j'ai besoin. Je crée aussi des vêtements, des bijoux ou des accessoires. J'invite parfois des designers et artisans québécois à prêter de leurs créations en échange de la visibilité. J'utilise aussi beaucoup d'éléments de seconde main. Ainsi, c'est plus économique, tout en évitant la surconsommation. Les magasins comme Emmaüs ou le Village des Valeurs sont de bons endroits où trouver des accessoires originaux pour un univers donné.»

Je lui ai demandé comment elle choisissait ses accessoires et comment elle faisait sa recherche. Elle m'a alors parlé de Pinterest. Pour chaque séance, elle prépare un tableau d'inspiration, non seulement pour les décors, mais également les poses, maquillages et coiffures. Elle m'a expliqué que ces tableaux servaient non seulement à l'inspirer, mais aussi à aider ses modèles moins expérimentés à se préparer pour leur séance.

L'art de transformer une séance photo en expérience mémorable : l'importance du travail d'équipe

Le secret d'une séance réussie, selon Sandra, c'est une collaboration à toute épreuve entre tous les intervenants d'un même projet. Quand je lui ai demandé à quoi ressemblait le déroulement typique d'une de ses séances conceptuelles, voici ce qu'elle m'a répondu : «Les séances sont ouvertes à tous. Alors j'ai des modèles expérimentés et moins expérimentés. J'ai même des clientes qui participent à presque toutes les séances! J'en suis à me demander si je devrais faire une carte fidélité!»

«Lorsque les filles arrivent pour leur séance, elles ont une heure de préparation avec la maquilleuse et la coiffeuse. On en profite au même moment pour choisir comment elles intégreront le concept, selon les vêtements qu'elles ont. Il y a beaucoup de place à l'interprétation. À partir des vêtements ou des accessoires qu'elles vont apporter, on va ajouter des choses que j'ai et on va construire le tout avec la coiffeuse et la maquilleuse.»

«Ce sont vraiment de belles journées. Tout le monde est content. Les filles (et parfois les gars) qui participent sont vraiment dorlotées comme des vedettes et sortent de la séance avec un boost de confiance en eux!»

Comment trouver les bons collaborateurs pour vos projets conceptuels

Sandra a débuté avec des amis, pour le plaisir. Maintenant que les séances ont pris beaucoup d'ampleur, elle travaille désormais avec d'autres professionnels. Je l'ai donc interrogé pour connaître sa façon de recruter des collaborateurs.

« En fait, je pense qu'être photographe c'est beaucoup un métier de contacts. Donc, beaucoup se fait par le bouche-à-oreille. Les gens parlent de leur expérience, alors cela amène de nouveaux clients...et de nouveaux collaborateurs aussi! Je connais beaucoup de photographes, de maquilleuses et de coiffeuses. Quand tu es dans le domaine, il ne faut pas avoir peur d'être ami avec les autres, de s'entraider, je pense que c'est important. Après cela, quand on cherche quelque chose, c'est vraiment plus facile de trouver ce dont on a besoin.»

Dans notre discussion, j'abondais dans le même sens qu'elle. Lorsque c'est un climat d'entraide qui prédomine, les gens sont plus enclins à vous aider dans vos projets, en sachant que vous leur rendrez la pareille. Le fait de publier vos images régulièrement peut aussi attirer des collaborateurs. Bref, les séances conceptuelles sont un bon prétexte pour réseauter.

Trouver des modèles, créer une relation de confiance et retenir les clients

Depuis ses débuts, Sandra a réussi à bâtir un groupe Facebook de plus de 200 abonnés, tous intéressés à participer à ses séances photo. Comment est-elle arrivée à se résultat? La réponse risque de vous surprendre :

«Souvent, pour les idées que j'avais au niveau de la photographie, je postais sur ma page Facebook personnelle pour trouver un modèle qui correspondait à ma vision. Éventuellement, je me suis dit que ce serait préférable de créer un groupe. Ainsi, chaque fois que je chercherais quelqu'un en particulier, ou que j'aurais besoin de quelqu'un qui soit disponible une telle journée pour un projet, ça serait plus facile à gérer, plutôt que d'importuner les gens qui s'en foutent de la photo ou qui ne veulent pas être modèles. Donc, cela permet de centraliser les gens qui ont une envie d'être modèle ou de participer à des séances photo plus créatives.»

Créer des relations qui durent

Lorsque je lui ai demandé comment elle créait une relation de confiance avec ses clients pour faire en sorte qu'ils reviennent sans cesse vers elle, Sandra est restée bien modeste.

«Je crois que cela se fait naturellement. Quand tu es photographe, tu dois être à l'écoute des gens pour être en mesure de créer une image qui corresponde à leurs besoins. Si tu es une bonne personne et que tu as à coeur le bien-être de tes sujets, la confiance s'installera d'elle-même.»

«Je pars avec l'idée que chaque personne a une beauté ou est belle à sa manière et mon rôle est de travailler autour de cette beauté là, finalement. Si tu trouves que la personne est belle, la personne, lorsqu'elle verra ses photos, n'aura pas le choix de se trouver belle!»

Il faut aussi garder à l'esprit que d'être portraitiste, ce n'est pas de montrer toute la personnalité d'une personne dans une photo, mais plutôt notre interprétation artistique de celle-ci.

Comment aller chercher beaucoup de visibilité, sans se casser la tête

Lorsque je lui ai demandé comment elle faisait pour aller chercher de la visibilité, Sandra Sunshine m'a dit que l'essentiel demeure assez simple : il suffit de publier. Simple en théorie, parfois moins simple en pratique, elle a pourtant vraiment insisté sur l'importance de montrer le fruit de son travail.

«L'important, c'est de ne jamais arrêter de faire des photos. Plus tu produis, plus tu publies. J'ai eu des stagiaires de l'école où j'ai étudié et je le dis aux filles : PUBLIE! Oui, c'est beau, tu as fait la photo, elle est belle, mais montre là! Il ne faut pas avoir peur de montrer ce qu'on fait et de le publier , pour que les gens le voient et que les modèles se voient aussi. Si tu fais plein de photos, mais que tu ne publies jamais, les modèles vont se demander où sont leurs photos. Il faut que ça vaille la peine de faire tous ces efforts, et ça ne sert à rien si personne ne voit ton travail!»

Bref, pour être vu, il faut avoir quelque chose à montrer. On ne peut pas avoir de clients si ces derniers ne savent pas qu'on existe!

Gérer le stress de publication

Comme le moment de la publication peut être un moment de vulnérabilité pour les artistes, je lui ai demandé comment elle gérait sa nervosité avant de publier.

«Je pense qu'il faut avoir confiance en soi et en ce qu'on fait. Il y a toujours un petit stress d'appuyer sur le bouton publier. Tout à coup que les gens se disent  «mais qu'est-ce que c'est que ça» ou qu'ils pensent que je me suis plantée. Mais, il faut dire que la photographie c'est un art et que ça reste subjectif. Tout le monde ne peut pas aimer mon travail et c'est tout à fait normal. Il ne faut pas s'arrêter à ça. Si vous avez des idées et que vous voulez les créer, les monter, faites-le! Ne vous arrêtez pas à ce que les gens disent, parce que peut-être que votre cercle qui est plus près de vous aime moins ce que vous faites, alors qu'en dehors de ce cercle-là, il y a gens qui vont vous adorer et qui vont vouloir participer à vos projets!»

Créer un buzz autour de son travail

Suite à ses séances conceptuelles, Sandra publie toutes ses photos en même temps. L'effet d'anticipation et de surprise pour les participants est tel que la publication des photos crée à chaque fois un certain engouement. Intriguée par le phénomène, je lui ai demandé si elle y avait songé comme une stratégie marketing. Voici sa réponse :

«Pour la publication, ce n'est pas vraiment une stratégie en fait. Par contre, les séances ont toutes un concept qui ne sera fait qu'une seule fois. Donc, si les gens voient un thème qui leur plaît, c'est à ce moment-là qu'ils doivent participer. Cela permet une certaine exclusivité, un effet de rareté, en quelque sorte. Les gens ont aussi très hâte de voir leurs photos, surtout pour les séances conceptuelles. Il y a beaucoup de travail qui est fait en post-production. Il me faut parfois un mois pour terminer, à travers mes autres contrats. Je modifie les photos dans Photoshop, j'ajoute des choses, donc les gens ont très hâte de voir ce que ça va donner. Il est là, l'engouement! »

D'ailleurs, la séance qui a créé les plus belles surprises pour les modèles, c'est la séance Galaxie. Pour celle-ci, Sandra a ajouté des étoiles et des nébuleuses autour des modèles, alors que celles-ci avaient été photographiées sur un simple fond noir. Le succès de la séance a été phénoménal.

«Je publie tout en même temps parce que ces gens-là sont tous passés sous ma lentille en même temps. Alors pourquoi est-ce que je publierais la photo d'une personne une semaine avant et l'autre personne devrait attendre? C'est un peu par souci d'équité que les personnes reçoivent toutes leurs photos en même temps.» 

Comment se garder passionné à jamais

L'un des secrets pour rester passionné en photo, c'est de faire des projets qui nous passionnent et qui nous inspirent. Pour Sandra, la liste de séances conceptuelles ne s'achèvera jamais.

«J'ai des idées pour les 20 ans à venir! Si ce n'était que de moi, je ferais une séance conceptuelle à chaque deux semaines! Mais, j'ai le souci du détail alors c'est vraiment important pour moi de prendre le temps de bien construire ces idées-là. Cela me permet d'avoir un résultat final qui est à la hauteur de mes attentes et des attentes de gens aussi. Parce que oui, les gens aiment l'expérience, mais pour moi, le résultat est aussi important que l'expérience elle-même.»

«Si tu donnes ton 100%, tu ne peux pas avoir de regrets. C'est pour cela aussi que j'ai fait le saut pour travailler à temps plein en photo cette année. Avant, j'avais un deuxième emploi qui m'assurait une stabilité financière. Mais, je me suis dit que  je ne mettais pas tous mes efforts et tout mon temps à 100% dans la photographie, je ne pouvais pas récolter 100% de ce qui était possible d'avoir.»

Faire la transition vers une carrière en photo : lentement, mais sûrement!

Devenir photographe est une décision qui doit être réfléchie. Pour Sandra, la transition s'est fait lentement, en prenant soin de tenir compte de ses chiffres d'affaires et de ses besoins.

«C'est certain que c'est bien d'avoir des rêves et d'avoir confiance en soi, mais il faut penser quand même sur le long terme et à l'avenir. Je me suis appuyée sur mes chiffres d'affaires en me disant qu'à ce point, je pouvais presque en vivre. J'ai la chance d'avoir un conjoint qui me soutient dans cette aventure et qui rend le tout possible.»

«Lorsqu'on se lance à temps plein, il faut s'assurer d'avoir au moins quelques clients réguliers. Je fais beaucoup de photos pour des particuliers, ce qui est plutôt aléatoire. Par contre, j'ai des clients réguliers comme des designers comme Akroche Tatuk, Violette et  Putré-Fashion. Ces clients reviennent plusieurs fois par année et m'assurent une certaine stabilité en plus des séances conceptuelles qui reviennent chaque 2 mois.»

Bref, il est normal de ne pas pouvoir vivre de la photo dès le jour 1. Il aura fallu 4 ans à Sandra avant de faire la transition.

Conclusion

En conclusion, Sandra nous aura donné une bonne dose d'inspiration, pour nous pousser à faire plus de projets personnels et d'oser publier.

«N'ayez pas peur de suivre vos idées. Il arrive souvent que ça ne plaise pas à tout le monde, mais si ça vous plaît à vous, c'est sur que ça va plaire à d'autres. Donc, n'ayez pas peur de foncer, d'avoir confiance en vous! N'ayez pas peur non plus de demander conseil à des photographes professionnels, de demander de l'aide à d'autres professionnels de la coiffure ou du maquillage. Si vous voyez une certaine modèle dans un concept, écrivez-lui. Le pire qui va arriver c'est qu'elle vous dise non!»

Bref, j'espère que cette entrevue vous a plu! Pour voir plus du travail de Sandra, visitez sa page Facebook et son site web!

Sur cette belle dose de motivation, je vous dis à la prochaine, et bonnes photos!


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi! 

3 photographes, 1 modèle : mes photos décryptées de A à Z!

Avez vous déjà regardé les photos de d’autres photographes en vous demandant comment ils faisaient ?

Avez-vous déjà cherché à décrypter leurs images pour trouver le secret de leur réussite ?

Si c’est le cas, vous allez adorer l'article d’aujourd’hui, parce que je vous amène en coulisses d’une de mes séances photos !

Je vous dévoilerai exactement comment j’ai pris mes photos, les décrypter de A à Z!

Si vous voulez tout connaître, de l’ange aux réglages en passant par l’équipement utilisé, lisez tout de suite ce qui suit!

Vous pouvez aussi regarder la version vidéo ici! 

3 photographes, 1 modèle, 3 lieux

J’ai récemment participé au défi 3 photographes, 1 modèle. L’idée de cette séance photo vient de mon collègue et ami, Martin Wheeler, qui a décidé d’amener le concept au Québec.

L’idée est simple. Trois photographes se réunissent avec une modèle. Chacun des photographes choisi un lieu pour les photos. Puis, pour chacun des 3 lieux, chaque photographe a 15 minutes pour réaliser une séance photo de la modèle.

Ainsi, pour chaque lieu, on se retrouve avec 3 photos complètement différentes, qui démontrent le style et la vision unique de chaque photographe.

L’expérience a été très enrichissante. Chacun d’entre nous avait une façon différente de travailler, et le simple fait de voir les photos des autres nous a ouvert de nouveaux horizons.

Les deux autres photographe qui m’accompagnaient sont tous les deux bourrés da talent.

Martin est portraitiste. Il se spécialise dans la photographie de mode et éditoriale, et photographie principalement des femmes en lumières naturelle. L’aspect humain de la photographie le fascine, et il a une passion pour la féminité. Vous pouvez voir son portfolio ici.

Christian a son propre studio depuis 2013. As de la lumière artificielle, il photographie régulièrement des modèles pour des séances de portraits. Il se spécialise dans les photos de style cinématographiques et la production vidéo. Pour voir plus de ses photos, visitez sa page Facebook

Bref, j’avais de la compétition !

Curieux de voir ce que ça a donné ? Voici les résultats du défi ! À gauche, les photos de Christian, au centre, les miennes, et à droite, celles de Martin.

5 photos déryptées

Comme nous avions 2 mannequins avec nous, nous avons produit plus que les 3 photos prévues au départ.

Je vais donc décortiquer toutes les photos pour vous.

Pour l’équipement, j’ai utilisé un Nikon D750. Pour l’objectif, comme je travaille souvent avec des zooms pour les portraits, j’ai décidé de me donner un défi et de prendre toutes mes photos avec un 50mm fixe. J’ai aussi fait bon usage de mon réflecteur et diffuseur 5 en 1, comme vous le verrez dans mes prochains exemples!

Enfin, j’ai utilisé le mode priorité à l’ouverture durant la séance. Comme nous avions  plusieurs décors différents et plusieurs conditions d’éclairage différentes, j’ai décidé d’opter pour le monde priorité à l’ouverture. Cela m’a permis de me concentrer uniquement sur la profondeur de champ de mes images, le cadrage, et la direction des modèles.

Dompter la lumière du soleil avec un diffuseur

Pour la première photo, Christian nous a amené dans une ruelle du vieux Québec. Les murs des bâtiments étaient tous assez différents, ce qui nous donnait beaucoup d’options différentes de décors. La ruelle était majoritairement plongée dans l’ombre et ensoleillée par endroits.

Comme j’aime les photos plutôt minimalistes pour mettre en valeur mes sujets, j’ai choisi le mur extérieur d’un condominium comme arrière-plan. Le gris bleuté du mur faisait un beau contraste avec la teinte rosée du chemisier de notre mannequin.

Par contre, la lumière était très dure à cet endroit puisque nous étions en plein soleil.

Pour rendre la lumière plus belle, j’ai utilisé un diffuseur. Le concept du diffuseur est simple. Il suffit de le placer entre votre sujet et le soleil pour réduire l’intensité de la lumière. Cela a pour effet d’adoucir énormément la lumière.

Voici une photo prise par Christian, qui démontre exactement comment nous avons placé le diffuseur pour faire nos photos à cet endroit.

Et voici le résultat obtenu :

Pour les réglages de l’appareil, j’étais à 1/320 de seconde, f/4, ISO 100.

L’arrière plan ne vous plaît pas ? Utilisez le ciel !

Pour la deuxième photo, Martin a été attiré par un édifice de briques roses.  La texture était très intéressante, en plus d’avoir une couleur originale!

Le mur de briques donnait un effet tout de même intéressant, mais j’ai eu envie de créer un look complètement différent.

Donc, à la place, la modèle et moi avons fait volte face, et je l’ai invité à s’appuyer sur la barrière de la terrasse. Comme l’arrière plan était assez chargé, j’ai décidé de l’épurer au maximum en me couchant par terre. Ainsi, c’est le ciel qui occupait toute la place !

Comme nous étions en plein soleil, j’ai utilisé la même tactique que pour la photo précédente : un diffuseur juste au dessus de la tête de mon sujet pour réduire l’intensité du soleil.

Pour mes réglages, j’étais alors à 1/2500 de seconde, f/2.8, ISO 100.

Pour des compositions intéressantes, encadrez votre sujet avec des éléments du décor !

Pour le troisième lieu, j’ai choisi de faire les photos devant l’édifice Norplex, sur la rue Saint-Paul.

L’architecture de ce bâtiment est très intéressante. En effet, les colonnes, les escaliers, les barrières de fer et les lourdes portes en bois massif nous donnaient une foule de possibilités.

En plus, la lumière était magnifique à cet endroit. Nous étions à l’ombre, mais le soleil se réfléchissais sur le sol en pavé et les bâtiments avoisinants, ce qui nous permettait de contrôler la direction de la lumière.

Comme nous avions deux mannequins avec nous, nous avons décidé de faire une photo de chacune d’elles, puis les deux ensembles.

Pour la première photo, le côté technique demeurait assez simple.

À l’ombre, l’éclairage était superbe. Mais, le seul point à surveiller était la vitesse d’obturation. Comme c’était plus sombre qu’en plein soleil, il fallait m’assurer que ma vitesse ne descendrait pas sous 1/60 de seconde, au risque d’avoir des photos floues.

Pour le cadrage de cette photo, j’ai choisi d’encadrer mon sujet avec les éléments du décor. La colonne à côté de mon sujet était idéale pour réussir l’effet que je recherchais.  ​

Je me suis approchée le plus possible de la colonne et j’ai rempli un tiers du cadre avec cette dernière. J’ai décidé de traiter ma photo en noir et blanc, parce que je trouvais que l’émotion dans l’image s’y prêtait bien.

Réglages de l’appareil : 1/125 de seconde, f/5, ISO 100.

Ton sur ton : la meilleure façon d’éliminer les distractions

Comme notre deuxième modèle était vêtue de bleu et noir, j’ai pensé que de la placer dans un décors bleuté donnerait un rendu intéressant.

Je l’ai donc installée dans les escaliers devant l’édifice, à l’ombre. Puis, au traitement, j’ai ajouté un peu de bleu dans les ombres pour garder un aspect homogène dans mon image.

Le résultat? Des tons chauds pour la peau et les cheveux qui font un beau contraste avec les tons plus froids des vêtements et du fond.

Réglages de l’appareil photo : 1/160 de seconde, f/5, ISO 100.

Pourquoi se soucier de l’arrière-plan lorsqu’on peut l’éliminer complètement ?

Pour la photo finale,  il y avait plusieurs possibilités de faire de belles photos avec nos deux modèles. Après plusieurs essais, je trouvais que mes images avaient un fond un peu trop chargé.

J’ai donc décidé d’épurer au maximum, en supprimant carrément l’arrière plan! Je trouve le résultat intéressant.

Cependant, si je devais recommencer cette photo, j’utiliserais une focale plus longue.

Pourquoi?

Parce que, malheureusement, les objectifs comme le 50mm ont tendance à déformer les perspectives, surtout sur un appareil plein capteur. Ce n’est pas souhaitable pour les portraits puisque cela peut changer l’apparence du visage de vos sujets.

Bref, le 50mm peut être une belle focale pour travailler avec des plans plus larges, mais il faut y faire plus attention pour les plans rapprochés!

Faire des photos avec d’autres photographes : apprendre par l’observation

Peu importe votre niveau en photo, le fait de prendre des photos avec d’autres photographes peut être très formateur.

Pendant le défi, l’une des règles était de ne pas intervenir dans les photos des autres et de les laisser travailler. En plus, on ne pouvait pas regarder les photos des autres avant retouche!

Par contre, rien ne nous empêchait d’observer leur moindres gestes! Il fallait tenter de deviner le résultat de chacun en fonction des angles utilisés, des poses etc.

Cela ajoutait une anticipation très intéressante. Honnêtement, j’avais plus hâte de voir les photos des autres que de retoucher les miennes!


Conclusion

En conclusion,  je vous ai partagé certains de mes meilleurs trucs pour les photos en lumière naturelle.

D’abord, le diffuseur peut réellement être votre meilleur allié lorsque vous faites des photos en plein soleil.  En le plaçant entre le soleil et votre modèle, vous adoucirez significativement les ombre et lumières, ce qui rendra l’éclairage beaucoup plus flatteur.

Ensuite, votre point de vue par rapport à votre sujet peut changer complètement l’apparence de votre photo. Avec une forte contre-plongée, il est possible de supprimer complètement l’arrière-plan pour ne garder que le ciel, par exemple.

Pour tirer profit de votre environnement, utilisez-le pour encadrer vos sujets. Ceci vous donnera des compositions très intéressantes!

Finalement, retenez que less is more. Parfois, il suffit de garder un nombre très limité de couleurs dans l’arrière-plan, voir d’éliminer presque complètement l’arrière-plan!

J’espère que cet article vous aura aidé à réaliser de meilleurs portraits! Laissez-moi savoir dans les commentaires si vous avez apprécié ce genre de thème!

À la prochaine, et bonne photos! 


à propos de moi

Trois ans après la fin de mes études en photo, je suis toujours aussi passionnée. J’ai pratiqué la photographie dans de nombreux créneaux, du portrait à l’événementiel en passant par l’immobilier, la mode, le mariage, les bals de finissants et la photographie scolaire. J’ai été publiée sur des sites d’actualité musicale, en plus de photographier pour des catalogues de vêtements, de faire vendre des maisons, de travailler dans un studio de portrait et de photographier les élèves du primaire et du secondaire dans tout le Québec. Maintenant, je souhaite partager ma passion avec le plus grand nombre, afin que la photographie devienne accessible à tous et qu’elle vous fasse sentir aussi vivant que moi!