Tu veux faire des superbes portraits que tout le monde va adorer, mais tu es tanné de te stresser avec la technique? 

Un conseil : abandonne le mode manuel. MAINTENANT! 

Si j'ai piqué ta curiosité, reste ici et lis ce qui suit!

Je vais t’expliquer pourquoi le mode manuel t’empêche de faire les photos de tes rêves, les mythes les plus répandus en photo et pourquoi ils te font perdre du temps et de l’argent et comment tu peux enfin créer de superbes photos sans avoir à gosser avec tes réglages pendant tes séances! 

Mais tu te demandes surement... 

Qui es-tu pour me promettre des photos parfaites sans le mode manuel?

Bref. Ce dont je vais te parler aujourd'hui est le fruit de plusieurs années d'expérience comme photographe, mais surtout comme pédagogue. Ma mission première est d'aider les photographes de portrait à atteindre l'excellence dans la plus grande simplicité possible.

Cet article est carrément le plus aligné avec ma mission, ever. 

Par contre, je préfère t'avertir que ce qui suit ne plait pas à tout le monde...

Ce texte n'est pas pour toi si...

Quand je dis que je ne fais pas dans le flafla et que j'aime faire simple, ça veut aussi dire que je ne veux pas te faire perdre ton temps. Si tu entres dans une des catégories suivantes, quitte cette page tout de suite, sans rancune! 

Tu ne photographie pas les gens...

Si tu fais des photos de fleurs, de paysages ou de tes animaux de compagnie, ou encore que tu veux seulement faire des photos avec ton cellulaire… 

Cet article ne t’aideras pas vraiment.

Par contre, si tu photographie des gens, mais que...

• Tu es souvent déçu des résultats parce que tes photos sont trop claires, trop sombres, floues,
• Tu es super stressé pendant tes séances à force de tout gérer en même temps…
• Tu as l’impression que malgré tes efforts, tes photos manquent encore de wow et que tu rêves de faire des portraits que tout le monde va adorer en ayant du plaisir et sans te stresser…

Tu vas adorer!

Tu te considères comme un puriste...

Pour vrai, les puristes m'haïssent. 

Si tu pense que :

• Tes connaissances sont bien au dessus de mes enseignements
• La photographie s'adresse uniquement à une sorte d'élite 
• Tu es frustré contre les amateurs ou les sois-disant «faux-tographes» (ughhhh je déteste cette expression...comme si il y avait des «vrais» et des «faux» photographes... tu fais des photos, t'es un photographe, c'est tout!)

On ne s'entendra pas.

Mais si tu as une ouverture à apprendre une approche différente et plus simple qui te permettra d'avoir une méthode de travail plus rapide et efficace, de réduire ta marge d'erreur et d'être plus présent pour les gens que tu photographie...Reste ici, tu vas adorer ça!

Comment une photographe professionnelle se retrouve-t-elle en croisade contre le mode manuel!?

Quand la photographie passe d'une passion à une horrible corvée...jusqu'à l'épuisement

En 2022, le lancement de l'une de mes formations a été un point tournant dans ma carrière de photographe et de mentor. 

J'étais en live sur les réseaux sociaux pendant plusieurs jours d'affilée. Mais chaque fois que j'apparaissais en live, j'avais l'air de plus en plus cernée, usée, fatiguée. En une semaine, juste à me regarder, on aurait cru que j'avais vieilli d'une décennie. 

C'était marquant à un point tel que certains de mes abonnés ont commencé à m'écrire qu'il était temps que je me repose, qu'ils étaient inquiets. 

Je m'empressais de les rassurer, mais la vérité c'est qu'ils avaient entièrement raison. 

À l'automne 2022, je souffrais énormément. 

J'en était venue à détester la photographie. J'étais de plus en plus cynique et déprimée. J'avais l'impression que ce que j'enseignait n'avait pas l'impact que je voulais, que je n'avais plus rien à dire. J'étais constamment stressée à force d'avoir le sentiment de courir sur place.

Non seulement mon esprit était éteint, mais mon corps aussi en avais ras-le bol. J'étais si épuisée que j'avais de la difficulté à sortir de mon lit le matin. Mon stress avait créé tellement de tension dans mes muscles que tout mon corps me faisait mal. J'avais tellement trop sollicité mon cerveau qu'il m'a abandonnée, me laissant moins d'une heure de concentration par jour... et ma tête me faisait tellement mal que je peinais à juste me garder les yeux ouverts.

J’avais choisi la photo comme carrière parce que c’était ma passion, mais j’avais l’impression que tout était rendu lourd, compliqué et stressant en photo, autant pour moi que mes clients en coaching. Je ne pouvais plus voir un appareil photo en peinture. J'étais vraiment écoeurée.

C'est là que mon partner, André, m'a fortement conseillé d'aller voir mon médecin. J'ai fini par écouter. 

Le verdict : BURNOUT. 

J'avais le choix : tout abandonner... ou changer complètement ma façon de travailler, d'enseigner... et de VIVRE.

Je ne voulais pas anéantir toutes mes années d’efforts à bâtir cette carrière de rêve en abandonnant complètement la photographie.

Par contre, pour guérir et renouer avec ma passion, il fallait que je change ma façon de travailler pour me rendre la photo simple et amusante à nouveau.

Alors je me suis demandée : qu’est-ce qui m’écoeure et me gruge le plus d’énergie en photo? Qu’est-ce qui allonge mon travail de photographe? Si j'avais une baguette magique pour faire disparaître tout ce que je déteste en photo, qu'est-ce que je ferais?

C’est là que j’ai pensé à tout ce qui rend la photographie compliquée, longue et (parfois) carrément chiante autant pour moi que pour tous les photographes passés sous ma tutelle... 

Les Plus gros irritants en photographie...

• Préparer, recharger, transporter et installer une tonne d'équipement (et dépenser des fortunes pour l’acheter)
• Avoir la tête pleine et être toujours stressé à force de gérer 500 affaires en même temps (les réglages d’un appareil photo, d’un flash, le placement d’un accessoire ou un autre, le cadrage, la lumière, les poses du sujet, blablabla)
• Prendre un temps fou à télécharger, cataloguer et séparer les bonnes photos des photos ratées techniquement ou juste ennuyantes à mourir…
• Retoucher chaque photo une à une pendant de longues minutes pour réparer des erreurs qu’on aurait voulu éviter…et se retrouver avec des photos pas terribles quand même…

En repensant à tous mes étudiants, le plus gros blocage pour atteindre notre but de faire des photos parfaites m’est apparu tout d’un coup comme une énorme évidence! 

Deuxième RAISON D'ABANDONNER LE MODE MANUEL : dès que l’éclairage change le moindrement, il faut tout recommencer…

Un nuage passe devant le soleil?

Tu t'es déplacé d'un endroit ensoleillé à plus ombragé?

Ton sujet s'est tourné dans la direction opposé et l'éclairage est différent?

BAM! Tes réglages ne sont plus bons. Alors retour à la case départ... et à notre problème numéro 1!

Troisième RAISON D'ABANDONNER LE MODE MANUEL : pendant qu’on se casse la tête à trouver et balancer nos réglages, on ne peut pas penser à toutes les autres choses importantes pour créer de belles photos...

Bien faire la mise au point, bien cadrer, vérifier l’éclairage, aider les gens à se placer, tenir une conversation avec eux sont toutes des choses que nous devons faire absolument pour satisfaire les gens qu'on photographie.

Mais faire TOUT CELA en plus de gérer les réglages, c'est vraiment compliqué.

Donc, inévitablement, ça nous arrive de cadrer un peu tout croche, d’avoir des photos embrouillées, mal éclairées, et avoir des gens qui sont gênés parce que ça fait 5 minutes qu’on gosse avec l’appareil photo au lieu de les aider à bien poser.

Et qu’est-ce qui arrive quand on se retrouve devant l’ordinateur après? On est déçu de la majorité des photos, mais en plus, pour le peu de photos intéressantes qu’il reste, il faut retoucher toutes nos erreurs et ça prend une éternité.

Je ne sais pas pour toi, mais moi, quand ça me prend 10 fois plus de temps à retoucher qu’à faire des photos… ça me fait ch*er! 

Maintenant regarde celle-ci. Je l’ai prise sans le mode manuel, avec rien d’autre que mon appareil photo, et sans faire de retouche dans Photoshop…et c’est mieux!

Mes sujets sont bien mis en valeur, la composition est meilleure, leur expression est plus authentique...

Non seulement ça, mais durant cette séance, j'ai supprimé très peu de photos lors de mon tri, parce que l'exposition était parfaite sur toutes les images, aucun recadrage n'a été nécessaire, et les poses étaient meilleures car je pouvais m'y consacrer entièrement.

Le secret pour avoir le plein contrôle de ton appareil... sans le mode manuel!

NON, la solution n'est pas de faire des photos en mode automatique! 😅 

Tu dois simplement connaître l'effet visuel de chacun des principaux réglages sur tes images.

Ensuite, tu places ton appareil dans le mode de prise de vue qui donne priorité à ce réglage-là et tu choisis la valeur qui te donne l'effet que tu veux. 

Puis, pour t'assurer d'éviter les problèmes causés par les autres réglages, il suffit d'utiliser une fonction que très peu de photographes connaissent mais qui va changer ta vie! 

Le savais-tu? Il existe un réglage caché dans les menus de ton appareil photo qui permet de fixer des LIMITES sécuritaires aux réglages gérés automatiquement!

Exactement comme les anti-dalots au bowling, le cruise control pour éviter les excès de vitesse en auto... you get the picture (toudoum tsi! 🥁)

Oui, ça se fait avec tous les appareils photo! Nikon, Canon, Fuji, Sony…ils ont tous ces fonctions là!

Après ça, tes réglages sont ajustés et tu peux les oublier complètement pour le reste de ta séance pour te concentrer sur ta création!

Imagine, avoir un arrière plan flou exactement comme tu voulais, l'exposition quasi parfaite tout le temps, mais sans flou de mouvement, sans excès de grain... LA BELLE VIE!

Mythe numéro 1 : Ça prend beaucoup de matériel pour faire une belle séance photo

Pas du tout.

La pièce d’équipement la plus importante, c’est ton appareil photo (ton appareil photo est très bien, en passant! Pas besoin de le changer!)

Mais encore plus important, l’objectif que tu mets dessus. Tant que cet objectif est bien choisi en fonction de ce que tu fais le plus comme photos, tu vas avoir toute la qualité que tu espères dans tes images et ça ne va t’en prendre qu’un seul pour 90% des photos que tu vas prendre. 

Mythe numéro 2 : Pour que l’éclairage soit beau, ça me prend des flashs et plein d’accessoires.

Encore là, non!

De la lumière, ça reste de la lumière, peu importe d’où elle provient.

Un gros flash, le soleil qui se réfléchi sur une grosse surface pâle, une fenêtre ou un ciel nuageux peuvent tous donner un résultat similaire si on fait bien attention à comment la source de lumière est positionnée par rapport aux gens et si on arrive à reconnaitre un bel éclairage d’un éclairage pas terrible.

Donc, tu peux très bien avoir de superbes photos sans flash. Et c’est plus facile à gérer! 

Mythe numéro 3 : Faire de la photo, ça prend du temps

Ça aussi, c’est un MENSONGE. 

Quand on met notre appareil photo à notre service au lieu d’être son esclave à faire des maths avec nos réglages, on est capables de se concentrer sur ce qu’on voit.

On peut faire le focus correctement au bon endroit, on cadre correctement, on éclaire bien avec ce qu’on a et on interagit avec les sujets pour les aider à bien poser et on clique au bon moment.

Donc : fini les photos floues, plus besoin de recadrer les photos une par une au traitement,  pas besoin de trainer un flash et de le gérer, pas besoin de retoucher des ombres disgracieuses, plus besoin de retoucher la peau à n’en plus finir…plus de temps à perdre à supprimer les photos avec les yeux fermés, les mauvaises expressions ou les postures qui n'avantage pas les gens!

Les tutoriels et explications complexes, ça boost l'égo des formateurs

On veut tous avoir l'air intelligents, créatifs et géniaux. C'est bien normal.

Mais des fois, j'ai juste envie de lancer mon smartphone de toutes mes forces quand j'écoute une vidéo sur une technique photographique.

Pourquoi? Parce qu'au lieu d'aller droit au but, le formateur nous endort avec un étalage de connaissances pas possibles et des théories à coucher dehors.

Ça donne l'impression qu'il (ou elle) veut juste essayer de jouer au plus fin. ÇA GOSSE!

Ah et si tu poses des questions dans des communautés web au sujet de la photo, je mettrais un p'tit 10 piastres sur la table que tu as des noms en tête de gens qui t'expliquent des affaires full compliquées comme si c'était une évidence totale, quasiment pour rire de toi.

Ça donne une raisons aux photographes pros de jouer aux victimes parce que leur métier est telllllllement difficile!

Okay. Avant de me lancer des roches, sache que je me permet de faire la blague parce que j'étais la première à penser que la valeur de mon travail de photographe était dans sa complexité. 

Spoiler alert (et je l'ai appris à la dure): les gens que tu photographies n'en ont rien à foutre d'à quel point ton équipement est couteux, à quel point les techniques que tu utilise sont complexes, à quel point c'est long de faire des retouches et à quel point c'est donc difficile d'être un travailleur autonome. 

Les textes de chialage du style...

«chers clients cheaps et impatients, sachez que pour faire mon merveilleux métier créatif super amusant qui a l'air bien plus le fun que votre job de bureau, j'ai besoin de me former en photographie de mariage en république dominicaine, d'avoir de l'équipement sophistiqué à la fine pointe de la technologie qui m'a coûté un rein et de passer des longues heures à retoucher vos boutons en pyjamas donc je ne peux pas livrer vos photos pour hier» 

STOPPPP! Ça me gosse énormément... et ça gosse tellement nos clients!

(Oui, peu importe à quel point le texte est supposément phrasé diplomatiquement, le client le lit exactement comme je l'ai écrit ici)

Les gens veulent de belles photos d'eux, dans lesquelles ils ont l'air naturels, qu'ils sont beaux, et qui sont 1000 fois meilleures que leurs photos de cellulaire. Ils veulent un photographe qui va les faire sentir bien devant l'appareil, et non tout pogné parce que tu gosse avec tes réglages et tes gadgets au lieu de leur PARLER.

Donne-leur tout ça et ils vont t'ADORER! Et ils vont t'aimer encore plus si tu rends les photos rapidement!

PLEIN D'EXTRAS!

PRÊT À ENFIN MAÎTRISER TON APPAREIL PHOTO ET FAIRE DES PORTRAITS QUE LES GENS VONT ADORER?

Cette image présente plusieurs problèmes. Bien que l'arrière plan ait un beau flou (ce qui indique une grande ouverture de l'objectif), l'ISO était probablement trop haut inutilement, ce qui a causé beaucoup de grain. Une vitesse d'obturation un peu plus lente aurait pu aider...et une bonne exposition... un meilleur cadrage...et une meilleure pose!

COMMENT CHOISIR LA BONNE COMBINAISON DE RÉGLAGES?

Pense à l'effet que tu veux obtenir en premier, selon si tu veux contrôler la profondeur de champ, l'effet du mouvement dans l'image, ou surveiller la quantité de grain dans ta photo. Ensuite, choisi les autres réglages pour compléter l'apport de lumière dont tu as besoin.

Par exemple, si je veux une photo avec un bel arrière-plan flou, je dois m'assurer de bien contrôler mon ouverture d'abord. 

Ensuite, une fois que j'ai choisi une ouverture qui me permet d'avoir le résultat visuel que je veux (l'arrière-plan flou), je vais terminer de régler mon appareil pour obtenir la bonne exposition. 

Je vais m'assurer d'avoir une vitesse d'obturation suffisante pour figer le mouvement de mon sujet (si c'est ce que je veux, bien sûr). 

Enfin, s'il manque encore de la lumière, je vais augmenter l'ISO pour avoir l'exposition voulue.

Je peux faire tout cela dans le mode manuel... ou placer mon appareil en mode priorité à l'ouverture et laisser mon appareil décider du reste! 

Le comment est moins important que le pourquoi! Si je peux arriver au résultat voulu plus rapidement... pourquoi pas!

Cette image est un bon exemple d'une belle gestion des réglages : l'arrière plan a un bokeh fantastique, la photo est bien exposée, il n'y a pas de flou indésirable et la photo est bien clean, sans avoir trop de bruit numérique.

Deuxième RAISON POURQUOI TU N'AIMES PAS TES PHOTOS : tes photos sont souvent floues!

Il n'y a rien de plus frustrant que de faire une photo magnifique exactement au bon moment pour ensuite constater que celle-ci est floue! 

Quand on a des photos floues à répétition, on vient à se demander si le problème pourrait être l'objectif ou l'appareil. 

Je te rassure : ton appareil est très probablement tout à fait normal...et ton objectif aussi! 

Alors c'est quoi le problème? 

Il s'agit très probablement d'un problème de mise au point. Soit la façon de faire la mise au point n'est pas bonne. Soit c'est plutôt la zone de mise au point qui n'était pas adaptée.

Cette image est un bon exemple d'une mise au point faite au mauvais endroit. Le blé devant le jeune homme est plus net que ce dernier, ce qui indique que la mise au point s'est faite à cet endroit au lieu du visage du sujet.

Comment obtenir des photos nettes?

J'ai déjà écrit un article détaillé sur la mise au point que tu pourras consulter au besoin juste ici.

Je vais quand même en résumer les grandes lignes ici. 

En gros, faire la mise au point de l'appareil correctement, c'est un peu plus complexe que d'appuyer sur le déclencheur! 

En réalité, faire la mise au point nécessite une séquence précise de petits gestes rapides, mais importants. 

1. Choisir le bon mode de mise au point
2. Choisir le bon mode de zone de mise au point et placer la cible (ou collimateur) de mise au point sur le sujet ou la partie du sujet qu'on souhaite avoir parfaitement nette
3. Appuyer à mi-course sur le bouton déclencheur pour s'assurer que l'appareil fait bel et bien la mise au point sur le sujet
4. Déclencher

Il suffit d'un seul mauvais choix ou une seule mauvaise manipulation à l'une de ces étapes pour que la photo soit floue! 

Le mode de mise au point

Tu dois choisir la bonne façon de faire la mise au point. Si ton sujet ne se déplace pas, il faudra utiliser le mode de mise au point ponctuel.

Ainsi, l'appareil va mémoriser la mise au point quand tu appuies à mi-course sur le déclencheur et restera bloqué au même endroit tant que tu ne relâcheras pas le déclencheur.

S'il se déplace, il faudra utiliser le mode de mise au point continu pour que l'appareil suive le déplacement du sujet.

Attention! L'appareil ne suit le sujet que si celui-ci est dans la cible!

La zone de mise au point

Tu dois dire à l'appareil quel est le sujet que tu souhaites avoir net. 

Pour ça, tu dois choisir un mode de zone de mise au point. La zone de mise au point permet de déterminer plus facilement dans quelle partie de la photo la mise au point doit se faire.

Dépendant ton choix, la mise au point sera plus ou moins précise et la cible de mise au point dans ton viseur sera d'une taille et d'une forme variable.

N'oublie pas que quoi qu'il arrive, la cible doit être vis-à-vis le sujet pendant que la mise au point se fait, sinon la photo sera floue!

Appuyer à mi-course sur le déclencheur

Le moment où appuyer à mi-course sur le déclencheur est très important. 

Un peu trop tôt ou un peu trop tard et c'est le mauvais objet qui se trouve dans la cible de mise au point au moment où l'appareil fait le focus! 

Par exemple, une erreur fréquente est d'appuyer à mi-course sur le déclencheur, le relâcher, recadrer, puis faire la photo ensuite.

Dans ce cas, la cible de mise au point se trouve au mauvais endroit après le recadrage, et la mise au point est faite par la suite sur la mauvaise chose.

Bien que la composition de cette image ne soit pas mauvaise en soi, l'arbre derrière la demoiselle attire beaucoup l'attention puisqu'il occupe autant d'espace que cette dernière dans l'image. Ajoutons à cela la netteté relative de tous les éléments du décor et le spectateur a de la difficulté à se concentrer sur son visage!

Comment avoir une photo intéressante et claire pour les spectateurs?

Une photo intéressante devrait avoir un sujet principal évident qui surpasse tout le reste en importance. 

Comme disait Saint-Exupéry : «La perfection, ce n'est pas quand il n'y a plus rien à ajouter, mais quand il n'y a plus rien à enlever!»

Donc, assure-toi d'éliminer TOUT le superflu et ne garder que ce qui est réellement utile pour mettre ton sujet en valeur. 

Puis, tu peux essayer de faire ressortir ton sujet du reste du décor en utilisant des contrastes de lumière ou de couleur, ou en utilisant différentes techniques pour encadrer ton sujet avec des éléments du décor!

Même si le cadrage est un peu large pour cette photo, notre regard est attiré directement vers les sujets. Ils font contraste aux tons foncés de la photo et son encadrés par le trou de lumière dans le décor.

Ici, de changer la position du sujet afin d'éviter les taches sur son visage causées par la lumière du soleil aurait été un ajustement simple et efficace!

Comment avoir un bel éclairage?

Le secret pour avoir un bel éclairage, c'est d'abord d'observer l'éclairage sur le visage du sujet.

Est-ce qu'il y a des ombres où il ne faudrait pas? Est-ce qu'il y a des taches de lumière à certains endroits? Est-ce qu'il y a différentes couleurs sur le visage du sujet? Est-ce que les imperfections de la peau sont plus visibles que la normale? 

Si tu réponds oui à l'une de ces questions, essaie de déplacer ton sujet ailleurs pour obtenir un éclairage plus flatteur. Cela réglera le problème dans la majorité des cas.

Honnêtement, c'est aussi beaucoup plus facile de simplement déplacer le sujet plutôt que de chercher à modifier l'éclairage existant avec un flash un un tas d'autres accessoires! 

Pour en savoir plus sur les erreurs fréquentes en éclairage et comme y remédier, tu peux jeter un oeil à cet article : https://joannietherrien.com/5-erreurs-eclairage-portraits/

Parfois, un photo spontanée prise sur le vif peut être géniale. D'autre fois, on se retrouve avec un sujet qui a une moins bonne posture qui ne l'avantage pas...

COMMENT ÉVITER DE MANQUER D'IDÉES DE POSES?

Le secret pour ne jamais manquer d'idées de poses, c'est d'apprendre une série de poses de base pour tous les types de séances que tu fais. 

Commence par en apprendre entre 3 et 5. 

Je sais, ce n'est pas beaucoup, mais tu peux créer plusieurs autres poses à partir d'une pose de base! 

Regardons par exemple les poses de base que j'utilise pour les couples.

Chacune de ses poses peut être modifiée pour créer une foule de nouvelles photos en changeant les interactions, les regards, le placement des mains, le cadrage et ainsi de suite.

COMMENT AVANTAGER LES GENS?

Tout part de ce que chaque personne qui passe devant ton appareil veut! 

Chaque personne qui se fait photographier a des insécurités à l'idée de se faire photographier. 

C'est probablement pour ça qu'environ 90 à 95% des gens qui se présentent à un photographe disent ne pas être photogéniques. 

Notre travail comme photographe est de découvrir quelles sont les insécurités des gens en lien avec leur apparence et de porter une attention particulière à cela durant nos séances.

Par exemple, si une personne est dérangée par un éventuel double menton, on peut lui rappeler constamment durant la séance d'avancer et baisser le menton pour créer une meilleure séparation entre le visage et le cou.

On pourrait aussi utiliser un éclairage qui crée une ombre marquée sous le menton pour remédier à ce problème.

Si ça t’arrive, tu n’es pas seul. Même qu’au moment même où tu lis ces lignes, je parie que c’est en train d’arriver à quelqu’un.

Mais ce n’est pas parce que Photoshop est si complexe que ça. En réalité, Photoshop peut être très simple. 

La vraie raison pourquoi photoshop semble compliqué...et comment le simplifier

Le problème, c’est que la plupart des gens ne l’abordent pas de la bonne manière. Ils pensent qu’il faut simplement cliquer sur quelque chose pour l’effacer, le déplacer, le transformer. Ils pensent qu’une retouche est censée se faire en une seule étape avec un outil magique caché quelque part. 

Mais inévitablement, quand on essaie de tout faire en une seule étape, ça ne marche jamais. 

Ensuite, ils pensent qu’on peut passer l’étape d’apprendre le fonctionnement de base du logiciel avant de sauter dans les retouches. Qu’ils peuvent juste aller voir un tutoriel sur YouTube pour retoucher un truc précis et suivre les étapes. Ça, c’est un désastre assuré!

Pourquoi? Parce que la plupart des instructeurs passent par des chemins vraiment complexes avec des outils compliqués que tu n'utiliseras probablement plus jamais, sans t’expliquer les bases les plus fondamentales. Donc tu n'arrives pas à maîtriser quoi que ce soit. 

Les 6 outils qui vont faire la plus grosse différence

Je te garantis une chose. Tu peux devenir un maître de la retouche de portrait dans Photoshop en connaissant juste SIX outils et fonctions. SIX. 

Les voici :

1. L’outil Pinceau
2. L’outil correcteur et correcteur localisé
3. L’outil tampon
4. Le fonctionnement des calques
5. Le fonctionnement des calques de réglages
6. Le fonctionnement des masques

Si tu comprends bien le fonctionnement de chacun de ces outils et fonctions, je te promets que tout va bien aller pour retoucher au moins 80 à 90% des choses qui t’énervent dans tes photos et avoir de magnifiques résultats.

Mythe numéro 2 : Photoshop, c'est vraiment cher 

Plusieurs me disent qu’ils n’ont pas envie de s’abonner au logiciel et payer un montant par mois. Après tout, quand on consulte le site web d’Adobe, Photoshop est affiché à 28$ canadiens par mois. Cela fait cher assez rapidement, et je comprends.

Toutefois, plusieurs ne le savent pas, mais il existe une formule spéciale exprès pour les photographes, à seulement 13$ canadiens par mois. La formule comprend toutes les mises à jour de Photoshop, Lightroom Classic, Lightroom mobile, Photoshop express pour mobile, en plus de plein de bonus intéressants.

Parmi mes bonus préférés, on retrouve Adobe Portfolio, qui permet de se créer un beau site web pour afficher son travail complètement gratuitement, ainsi que Creative Cloud express, qui ressemble énormément à Canva. 

Petite démonstration d'Adobe portfolio, qui est gratuit avec ton abonnement à Creative cloud!

Dans le passé, acheter la dernière version de Lightroom coûtait environ 100$ par an, et Photoshop environ 600$. 

Avec tous les ajouts du forfait Creative Cloud pour la photographe, de payer 156$ canadiens par an pour avoir toujours la dernière version des logiciels les plus utilisés par les pros de l’industrie, ça semble bien peu en comparaison…surtout qu’on peut annuler l’abonnement à tout moment si on n’en a plus besoin.

Alors, pourquoi se contenter d’autres logiciels moins performants pour éviter de s’abonner? 

Mythe numéro 3 : Je n’ai pas besoin de Photoshop pour faire de belles photos, je veux juste faire des corrections mineures

Lightroom Classic est maintenant très puissant. Pour quelqu’un qui n’a que des retouches globales à faire, ou seulement de toutes petites retouches très mineures, Lightroom peut tout à fait convenir.

Je le crois sincèrement. J’ai d’ailleurs créé une formation complète sur la retouche de portrait en utilisant seulement Lightroom, exprès pour les gens qui n’ont pas envie de s’aventurer dans Photoshop, que tu peux voir en cliquant ici.

Lightroom ne peut pas tout faire : ce que Photoshop fait mieux...

Qu’est-ce qui arrive si on doit retoucher une distraction plus importante? Que faire si on a une retouche un peu plus complexe? 

Lightroom ne peut tout simplement pas remplacer un visage dans une photo de groupe, enlever efficacement les mauvais plis dans les vêtements, changer entièrement un arrière-plan, enlever un reflet de lunette, etc.

Si on essaie de faire ce genre de retouche, on ne trouvera dans Lightroom que de la frustration, et beaucoup de ralentissement de l’ordinateur. 

Bref, tu auras compris que Lightroom, bien que très efficace pour la plupart des retouches qu’on doit faire tous les jours, il faut apprendre Photoshop pour sauver des photos qui seraient bonnes pour la poubelle autrement. 

En plus, comme mentionné au point précédent, que tu aies Lightroom seulement ou Lightroom ET Photoshop…c’est le même prix!

Mythe numéro 4 : Retoucher dans Photoshop, c’est beaucoup trop long

Je vais y aller avec une métaphore. Qu’est-ce qui va plus vite? Construire la charpente d’une maison avec un simple marteau et des clous ou apprendre comment manoeuvrer une cloueuse pneumatique? 

Oui, tu vas pouvoir construire la maison avec ton marteau et tes clous, mais ça va prendre une éternité. La cloueuse, elle, ira beaucoup plus vite, même si elle demande un temps d’adaptation et plus de prudence au début.

Avec Photoshop, c’est pareil. Tu as à ta disposition plein d’outils pour faire les retouches que tu veux. Il y a mille et une façons d’arriver à ton but. 

Par contre, pour 10 façons de faire, il y en a 7-8 qui ne sont pas terribles…et elles sont lentes et compliquées! 

Mon conseil : réfère-toi à des pros qui connaissent le logiciel par cœur pour connaître les façons les plus efficaces de faire les choses. Crois-moi, ça peut être très simple, surtout si tu connais bien les 6 outils et fonctions que j’ai nommés au point 1!

Mythe numéro 5 : Photoshop dénature les gens! Je n’ai pas envie que mes sujets aient l’air d’avoir la peau en plastique!

Comme dans toute chose, tout est une question de dosage. Il existe des méthodes de retouche de peau, par exemple, qui rendent la peau beaucoup trop lisse et floue. 

Un petit peu trop d’intensité sur l’effet, et WOUPS on l'échappe. 

Si tu as peur de faire des retouches qui donnent ce genre de résultat un peu trop artificiel, je te comprends! Par contre, on peut éviter cela en changeant nos méthodes de retouche!

Pour bien retoucher sans que ce soit trop, il faut utiliser les bonnes techniques!

Il existe des méthodes qui respectent beaucoup plus les détails de la photo pour accentuer et parfaire ce qui est déjà là… plutôt que de tout bousiller.

Par exemple, la séparation de fréquences est une technique de retouche de peau très populaire puisqu’elle donne généralement de bons résultats rapidement. Par contre, il est facile d’en faire trop en ajoutant trop de flou. 

Bien que c’était ma méthode préférée lorsque j’ai débuté ce blogue (tu peux d’ailleurs trouver mon tuto à ce sujet ici), je préconise plutôt la méthode de dodge and burn désormais pour égaliser le teint sans rendre la peau floue et sans détails. 

Cette méthode consiste à éclaircir les zones trop foncées et rendre plus sombres les zones trop claires. En minimisant les écarts entre les couleurs, on obtient un teint plus harmonieux…mais sans effacer la texture qui fait de nous des…HUMAINS.

TLDR : Alors, comment on fait pour apprivoiser Photoshop?

D’abord, il faut aborder Photoshop comme un outil puissant pour la retouche d’image, qui peut carrément faire de petits miracles… et non comme un gros monstre qui n’attend que le bon moment pour faire exploser nos ordinateurs. 

La formule d’Adobe Creative Cloud pour la photographie à 13$ par mois est très accessible et avantageuse pour tout ce qu’elle contient, donc on peut s'y mettre à peu de frais et cesser les paiements si on change d’avis.

Ensuite,  au lieu de chercher des tutoriels de qualité variable sur le web et de se lancer dans la gueule du loup les yeux fermés, il vaut mieux apprendre les outils et fonctions les plus essentiels et leur fonctionnement avec une bonne formation structurée donnée par de vrais experts.

En ayant des bases solides, on évite les erreurs irritantes qui nous ralentissent dans notre travail et on bâti notre confiance une étape à la fois, dans la bonne séquence. 

Pour cela, je recommande ma formation Les essentiels de Photoshop, une formation de 11h de vidéos pour maîtriser le logiciel le plus puissant du monde, afin que tu puisses retoucher avec confiance sans frustration!

En plus, si tu bloques, mon équipe et moi sommes là pour t’aider à continuer! 

Au plaisir de t’accompagner dans tes belles retouches! 

À bientôt, 

Ton inspiratrice

On appelle ça de la lumière dure.

Donc, il faut ajouter un accessoire à notre flash pour rendre la lumière plus douce, afin de réduire les reflets de lumière et les ombres trop marquées sur le visage, comme ceci :

Comment choisir le bon modificateur de lumière? 

Je vais te simplifier la vie : peu importe la forme et le style de modificateur de lumière, que ce soit un softbox octogonal, un softbox carré ou rectangulaire, un parapluie…tu ne verras pratiquement aucune différence sur la qualité de la lumière sur ton sujet, si ceux-ci sont tous de la même taille et placés au même endroit. 

Pour te le prouver, j’ai fait un article pour comparer les différents modificateurs de taille similaires que tu peux lire ici.

Certains me diront que la profondeur et la forme du modificateur influencent la largeur du jet de lumière, et ils ont raison.

Toutefois, quand tu choisis ton premier modificateur de lumière, ce n’est pas le temps de penser à ça.  La seule chose dont tu dois te préoccuper, c’est sa TAILLE. 

Plus la source de lumière est grande en relation avec le sujet, plus la lumière sera douce. Inversement, plus la source de lumière est petite par rapport au sujet, plus la lumière est dure. 

Donc, il te faut un modificateur de lumière qui sera suffisamment grand pour avoir de la lumière douce, tout en étant assez petit pour que tu puisses le placer assez haut, même dans une petite pièce. 

Donc, un modificateur d’environ 120 centimètres sera un excellent choix. Mes préférés sont ce parapluie neewer et ce parapluie de chez paul C buff, que j'utilise avec le tissu extérieur noir. Avant que tu me poses la question : oui, ça fonctionne aussi avec un softbox carré ou rectangulaire de taille similaire! 

Étape 2 : placer le modificateur de lumière à la bonne hauteur

Une erreur fréquente en éclairage est de positionner notre source lumineuse principale trop haute ou trop basse.

Trop haute, les yeux seront plongés dans l’ombre. Il n’y aura pas de reflet de lumière dans les yeux du modèle, ce qui donne un regard sans vie. 

De plus, si la source de lumière est trop latérale ou trop haute en relation avec le sujet, la texture de peau devient plus apparente, ce qui n’est pas souhaitable.

À l’inverse, si on positionne la source lumineuse trop bas, l’éclairage devient très plat, ce qui enlève complètement l’effet 3 dimensions sur le visage. 

Pire encore, lorsque la source est très basse, on voit apparaître des ombres indésirables sur le visage. De l’ombre apparaît au-dessus de la lèvre supérieure, donnant l’effet d’une moustache. On voit aussi apparaître de l’ombre au-dessous des pommettes, ce qui donne l’impression que le sujet est très cerné. 

Alors, quelle est la hauteur idéale? Je te dirais que si le bas de ton modificateur de lumière est environ entre la hauteur des yeux de son sujet et son menton, c’est une très bonne position pour éviter les ombres disgracieuses. 

Étape 3 : placer le modificateur au bon endroit par rapport à ton modèle

On me demande souvent quel est le meilleur endroit pour placer la lumière principale par rapport au sujet.

La vérité, c’est qu’il n’y a pas de position idéale, puisque cela dépend du goût du photographe et de la morphologie du sujet. 

Plusieurs positions d’éclairage donnent de bons résultats…et d’autres, pas vraiment! 

Pour te simplifier la vie, voici quelques conseils faciles à suivre. 

1. Ne positionne pas ta source de lumière trop latéralement par rapport à ton modèle, pour éviter de trop faire apparaître d’ombres indésirables et faire ressortir les imperfections de la peau. 
2. De manière générale, le nez du sujet devrait être tourné au moins minimalement vers la source de lumière.

Pour t’aider, voici un cadran de positionnement de la lumière avec, en vert, les positions de lumière que je juge favorables, et en rouge, celles que je n’aime pas, en supposant que le sujet a les épaules légèrement de trois quarts vers notre gauche. 

Étape 4 : ajuster la puissance du flash, les réglages de l’appareil photo, et ajuster le niveau de contraste

Maintenant que tu as installé ton flash au bon endroit par rapport à ton sujet, tu devrais avoir une installation similaire à ceci. Personnellement, j’ai placé mon flash pour qu’il ne soit pas aligné directement vers moi, ce qui rend la lumière un peu plus douce. Je me suis positionnée un peu en retrait derrière le flash, ce qui m’a donné un éclairage que j’aimais.

Toutefois, il reste à déterminer la bonne combinaison de réglages pour l’appareil photo et le flash.
La bonne combinaison de réglages dépend de plusieurs facteurs :

1. Le niveau de contrôle que tu as sur ton flash et sa puissance (et l’exposition qui en résulte)
2. La quantité de profondeur de champ que tu veux
3. Le niveau de contraste que tu veux avoir entre ton flash et l’éclairage ambiant, s’il y a lieu 

Tu peux faire ces choix dans n’importe quel ordre, selon ce qui importe le plus pour toi au niveau du résultat. 

Tu veux plus ou moins de profondeur de champ? Utilise une petite ouverture ou une grande ouverture dans ta combinaison de réglages, puis ajuste la puissance du flash et complète avec un réflecteur. 

Tu veux intégrer de la lumière ambiante pour déboucher les ombres? Ajuste les réglages de ton appareil pour la lumière ambiante, puis ajuste ensuite le flash.

Comment ajuster les réglages de l’appareil et la puissance du flash avec la lumière ambiante comme remplissage?
 

Pour ma photo, j’ai choisi d’utiliser ma porte-fenêtre et la lumière naturelle pour déboucher les ombres dans ma photo et réduire le contraste. 

Donc, j’ai commencé par choisir une combinaison de réglages pour obtenir une photo sous-exposée par la lumière naturelle avant d’intégrer mon flash. Cette photo sous-exposée m’indique à quel point les parties non éclairées par le flash seront claires, ou sombres.

Plus ta photo est sous-exposée, plus les ombres seront foncées. Moins elle est sous-exposée, plus les ombres laissées par le flash seront claires. 

Les réglages que j’ai obtenus étaient  f/4, 1/100s, iso 200. Attention! Peu importe le niveau de lumière ambiante que tu veux, il faut que la vitesse d’obturation soit de moins de 1/200s ou 1/250s selon l’appareil.

Ensuite, j’ai allumé mon flash et réduit sa puissance jusqu’à obtenir la bonne exposition. Je ne te donnerai toutefois le réglage exact de mon flash, puisque ton flash est probablement différent du mien de toute manière. Dans mon cas, le flash était à sa puissance minimale, mais ça pourrait être différent si ton flash est moins puissant ou possède plus de possibilités de réglages que le mien.

Voici le résultat obtenu ensuite, toujours à f/4, 1/100s, iso 200.

En conclusion : comment faire de belles photos avec un seul flash?

Comme tu as pu le constater, obtenir un éclairage flatteur et bien balancé avec un seul flash, c’est possible!

Il suffit d’avoir un modificateur de lumière de bonne taille (de plus ou moins 100 à 120 centimètres), de le placer à la bonne hauteur et en bonne position par rapport au modèle, et de gérer le contraste avec un simple réflecteur…ou la lumière ambiante! 

J’espère que ce petit tuto va te motiver à faire des photos avec 1 seul flash! 

Après tout, une bonne photo, ça n’a pas besoin d’être compliqué! 

À bientôt! 

Ton inspiratrice

PS : Tu aimerais relever le défi et recevoir mon feedback sur tes photos? Joins mon groupe L’École des Photographes Inspirés sur Facebook et partage ta photo! Qui sait…je présenterai peut-être ta photo dans une de mes vidéos!

pourquoi prendre des photos pendant l'heure bleue?

Il y a de nombreuses raisons pourquoi l'heure bleue est un excellent moment de la journée pour la photographie.

L'heure bleue est moins populaire 

Peu de gens prennent des photos à l'heure bleue par rapport au lever et au coucher du soleil.

Cela vous donne la possibilité de capturer des images uniques et de photographier des lieux populaires sans que la foule soit problématique.

L'Heure bleue fait ressortir l'émotion différemment 

L'heure bleue est un excellent moyen de transmettre certaines émotions dans vos photos qui pourraient être difficiles à capturer autrement. 

Les images de l'heure bleue sont généralement sombres et contrastées. La couleur bleue porte également sa propre signification: sérénité, tristesse, paix, etc.

Ces émotions ne fonctionnent pas pour chaque photo, mais si votre scène exige l'obscurité et les tons bleus, il est difficile de battre cette heure de la journée.

LES paysages À L'HEURE BLEUE

L’allure monochrome de l’heure bleue donne un effet intéressant sur les photos de paysages.

De plus, comme l’intensité de la lumière ambiante est plus forte que la nuit, c’est un bon moment pour intégrer la lune dans vos photos sans qu’elle n’ait l’allure d’un gros point blanc.

LES Photos urbaines immobilières À L'HEURE BLEUE

Durant l’heure bleue, il arrive un moment où la lumière artificielle des bâtiments et la lumière ambiante arrivent à la même intensité pour quelques minutes.

C’est donc le moment idéal pour photographier les bâtiments dans leur environnement avec tous les détails, mais sans surexposer l’éclairage artificiel.

Pour réussir votre prise de vue, arrivez sur les lieux avant le coucher du soleil afin de décider de votre cadrage au préalable et ajuster progressivement vos réglages jusqu’au moment propice.

à propos de moi

Mais, l’heure de la séance n’est pas le seul élément à prendre en compte. Il faut aussi pouvoir estimer si l’emplacement du soleil conviendra à la composition et à l’éclairage que vous souhaitez obtenir.

Pour mieux prévoir la direction de la lumière, il existe des applications mobiles créées spécifiquement pour les photographes. 

L’une des plus populaires est probablement Sunseeker, disponible sur iOS et Android. Cela dit, c’est une application payante. Sur iOS, l’application Lumos est une des meilleures alternatives gratuites à Sunseeker que j’ai testé. Grâce à l’application, vous pourrez prévoir l’emplacement exact du soleil dans votre environnement lors de votre repérage. C’est juste fantastique!  

L'éclairage de derrière

Si vous placez votre sujet de dos au soleil, vous obtiendrez une belle séparation entre votre sujet et l’environnement. Votre sujet aura alors un beau contour doré et lumineux.  

Vous devrez toutefois augmenter votre exposition pour vous assurer que vos sujets ne sont pas trop sombres. Pour vous aider, utilisez le mode de mesure d’exposition pondérée centrale ou spot. 

Si vous faites un portrait, il serait sage d’utiliser un réflecteur pour rendre l’éclairage plus uniforme et de la même couleur partout. 

Rayons de soleil et reflets d'objectif (Lens flare)

Ajouter le soleil dans votre photo peut donner un effet très intéressant. En effet, lorsqu’une source de lumière forte entre directement dans l’objectif, celle-ci se réfléchit sur les lentilles, créant des reflets.  

Si vous souhaitez tester cet effet, assurez-vous d’avoir bien nettoyé votre objectif.  

Vous pouvez aussi créer un effet de rayons de soleil en utilisant une petite ouverture comme f/11 ou plus petit.  

Le soleil entrera alors dans l’objectif et se faufilera à travers les lamelles du diaphragme, créant des rayons bien définis. Cet effet est encore plus apparent lorsque le soleil est partiellement caché par le sujet.  

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Dans cet article, je vous donne enfin la vérité sur les couleurs complémentaires et comment mieux les utiliser dans vos photos! 

Qu'est-ce que les couleurs complémentaires? 

Les couleurs complémentaires sont des couleurs qui sont contraires, opposées sur la roue des couleurs. 

Bon, jusque là, si vous avez une roue des couleurs d'artiste peintre, vous verrez probablement les mauvaises couleurs. 

Et oui! 

La roue des couleurs qu'on nous apprend à l'école primaire est un modèle fondamentalement erroné qui a été transmis à travers le temps.

En vérité, un couple de couleurs complémentaires est un couple de  couleurs qui, mélangées, annulent la perception de couleur, produisant un gris neutre.

Si vous essayez de mélanger du rouge avec du vert, vous n'obtiendrez pas du gris, mais bien du brun. Mauve et jaune...brun. Bleu et orange...encore brun. 

Mais alors, quelles sont les vraies couleurs complémentaires?

Les couleurs complémentaires selon la science

Si les peintres d'une époque lointaine avaient tout faux, quelle est finalement la VRAIE roue des couleurs sur laquelle on doit se fier? 

Il y a deux réponses possible : la synthèse additive et la synthèse soustractive. 

La synthèse additive : couleurs de la lumière

Avec le temps, les scientifiques ont découvert que nos yeux perçoivent les couleurs grâce aux cônes rouge, verts et bleus. À partir de ces 3 couleurs, nous sommes capables de percevoir toutes les couleurs. 

Nos appareils photos créent toutes les couleurs à partir de cellules rouges, vertes et bleues sur leur capteur. 

Gros plan des photosites d'un capteur d'appareil photo numérique.

Les écrans de nos appareils électroniques fonctionnent également avec des pixels rouge-vert-bleu pour afficher toutes les couleurs. 

Gros plan des pixels d'un écran.

Et les couples de couleurs complémentaires principaux sont rouge-cyan, magenta-vert et bleu-jaune.

LA SYNTHÈSE sousTractIVE : couleurs de l'encre, de la peinture et de la teinture

Si on peut produire toutes les couleurs avec de la lumière rouge, verte et bleue, il nous faut aussi un moyen de créer toutes les couleurs sur les matériaux avec de la peinture, de l'encre ou de la teinture. 

Vos cartouches d'encre d'imprimantes sont cyan, magenta et jaune. Grâce à ces trois couleurs, toutes les autres couleurs (à l'exception du blanc) peuvent êtres créées. 

Si on mélange les trois couleurs primaires en quantité on obtient du noir. 

Si on mélange le cyan et le magenta, on crée du bleu. Le magenta et jaune donnent du rouge. Finalement, le jaune et le cyan donnent du vert. 

Pour créer cette image, j'ai utilisé des gouttes d'encre pour imprimante magenta, jaune et cyan sur du papier absorbant pour démontrer le résultats des mélanges de couleurs dans la synthèse soustractive. 

La roue des couleurs de la synthèse soustractive ressemble donc à ceci : 

Et le plus intéressant est que les couples de couleurs complémentaires principaux sont encore rouge-cyan, magenta-vert et bleu-jaune.

Couleurs primaires différentes. Même roue des couleurs. Mêmes complémentaires.

Intégrer les couleurs complémentaires dans vos photos

Si vous observez bien votre environnement, vous trouverez facilement des harmonies de couleurs complémentaires. 

L'une des plus courantes est l'harmonie complémentaire orange-turquoise. 

Vous pouvez la trouver dans les plumes d'un oiseau...

Dans les vêtements ou les cheveux de votre sujet...

Au golden hour...

Ou vous pouvez la créer avec des gélatines de couleur!

La seule limite est votre imagination!

L'importance des couleurs complémentaires en retouche Photo

Corriger et modifier les couleurs devient un jeu d'enfant lorsqu'on connaît les couleurs complémentaires, surtout pour corriger les dominantes de couleur, ou faire du color grading.

Corriger les dominantes de couleur grâce aux couleurs complémentaires

Il arrive qu'une photo ait une dominante de couleur, c'est à dire qu'il semble y avoir un filtre de couleur par dessus. 

Cela peut arriver lorsque la balance des blancs n'a pas réussi à la prise de vue, ou qu'un élément dans l'environnement réfléchisse de la lumière de couleur sur le sujet. 

Une bonne façon de contrer les dominantes de couleur est d'ajouter de sa couleur complémentaire pour la neutraliser. 

L'outil balance de couleur de Photoshop est très intéressant pour démontrer cet effet.  

La première image a une dominante de vert, puisque j'ai ajouté le maximum de vert avec l'outil balance de couleur. La deuxième image a reçu le maximum de magenta. Mais lorsque les deux filtres sont appliquées en même temps, il n'y a plus aucune dominante : les complémentaires s'annulent.

En passant, vous allez remarquer que le curseur part de magenta à vert pour vous aider à mémoriser les couleurs complémentaires. 

Au bas du panneau des calques, cliquez sur l'icône demi-lune pour aller chercher le calque d'ajustement de couleur unie. 

Lorsque le panneau de couleurs s'ouvre, choisissez la couleur que vous souhaitez utiliser dans les ombres.

Convertissez le calque de couleur unie dans le mode de fusion exclusion dans le menu déroulant en haut du panneau des calques 

Pour un effet mat, réduisez simplement l'opacité du calque. Si vous voulez un effet plus contrasté, passez à l'étape suivante sans toucher à l'opacité.

Créez un nouveau calque contenant tous les changements faits jusqu'à présent avec le raccourci clavier command+option+shift+E sur mac (control+alt+shift+E sur PC).

Convertissez le nouveau calque en mode de fusion incrustation, lumière tamisée ou lumière vive, au goût. Modifiez l'opacité au besoin.

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Comment créer une symétrie horizontale ?

Comme pour la symétrie verticale, vous pouvez entraîner votre oeil à détecter la symétrie horizontale dans les objets de votre environnement.  

Cela peut être les volets d’une fenêtre, le motif d’un vêtement, ou encore plus facile, un sujet réfléchi dans de l’eau, sur une table en verre ou un miroir sur le sol.  

Symétrique, mais pas plate : la perspective à un point de fuite 

L’équilibre et l’effet de calme créé par une photo parfaitement symétrique sont un couteau à double tranchant. En effet, malgré son esthétique, la photo peut facilement devenir ennuyeuse et perdre l’attention du spectateur.  

Pour ajouter du dynamisme à une photo, vous pouvez essayer de créer une perspective à un point de fuite. C’est quoi ça?  

Grosso modo, la perspective à un point de fuite se produit lorsque l’appareil photo est parfaitement aligné à un sujet perpendiculaire. Cela crée alors des lignes de fuites qui convergent toutes vers un même endroit dans le cadrage.

Si vous placez ce sujet au centre de ces lignes convergentes obliques, la composition sera particulièrement forte, à la fois symétrique (ou pas!) et dynamique.  

Le réalisateur de The Shining et Orange mécanique, Stanley Kubrick, est reconnu pour son usage fréquent de la perspective à un point de fuite. Vous pouvez d’ailleurs voir plusieurs exemples tirés de son oeuvre dans cette vidéo.  

Donc, pour l'exercice, j'ai opté pour une photo avec un éclairage beaucoup plus doux et frontal, pour qu'on n'y voit que du feu!

Étape 2 : créer des guides 

Pour vous assurer de créer la symétrie parfaite, vous pouvez créer des guides dans Photoshop, qui serviront d’axe de symétrie.  

Pour se faire, allez dans le menu affichage > nouvelle disposition des repères. Dans la boîte de dialogue, cochez l’option colonnes et entrez le chiffre 2 dans le champ de nombre.  

Assurez-vous de supprimer toutes les données qu’il pourrait y avoir dans les autres champs (largeur et gouttière), et gardez les options marges et rangées décochées.  

Appuyez sur enter ou cliquez sur OK pour valider. Cela va vous donner un repère sur lequel la moitié copiée pourra s’attacher, pour faciliter l’alignement et la sélection.  

Étape 3 : sélectionner, copier et inverser la moitié choisie 

Avec l’outil rectangle de sélection (raccourci clavier M), dessinez un rectangle autour de la moitié que vous désirez copier. Ce sera facile grâce aux guides créés à l’étape précédente.  

Puis, dupliquez la sélection sur un nouveau calque avec le raccourci clavier command - J (PC : CTRL - J).  

Enfin, pour transformer la sélection, activez l’outil de transformation manuelle avec le raccourci clavier command - T (PC : CTRL - T). Une fois l’outil activé, faites un clic droit sur la partie à inverser et cliquez sur l’option symétrie axe horizontal. 

Étape 4 : positionner la moitié copiée 

En tenant la touche shift enfoncée, glissez la moitié copiée de l’autre côté de la photo. Vous pourriez avoir besoin de baisser l’opacité du calque pour mieux positionner la partie copiée. 

Étape 5 : Enlever l’excédent avec un masque de fusion  

Ajoutez un masque de fusion à la moitié copiée. Vous pouvez le faire en cliquant sur l’icône de masque en bas au centre du panneau des calques. Puis, il suffit de peindre avec un pinceau noir sur le masque pour cacher les parties non désirées. Je recommande un pinceau assez doux.  

Étape 6 : Finaliser l’image avec les outils de correction  

Dans notre exemple, la moto occupait beaucoup de place sur la version symétrique, de sorte que le masque n’a pas suffi à enlever toutes les parties indésirables. Vous pouvez donc utiliser l’outil tampon ou l’outil correcteur pour terminer le travail.  

J'ai aussi décidé d'éclaircir le coin en bas à gauche pour que la luminosité s'agence mieux à l'autre côté avec l'outil courbe et en peignant en noir avec le pinceau doux sur  le masque de fusion.

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Comment choisir les bonnes images?

Lorsqu'on tente de créer un photomontage, on pense souvent que de simplement faire le détourage parfait est suffisant. Après tout, si on ne vois rien de l'arrière plan original sur la nouvelle photo, tout va bien, non?

Pas tout à fait.

En fait, il y a plusieurs facteurs à considérer pour s'assurer que deux (ou plusieurs) images fonctionnement vraiment ensemble. Les plus importants sont la lumière sur les sujets, l'angle, la perspective, et la focale utilisée.

Si l'un ou plusieurs de ces éléments ne sont pas les mêmes entre les images utilisées, le cerveau du spectateur sonnera l'alarme, lui signalant que quelque chose ne va pas.

Le photo montage et l'éclairage

Une erreur très fréquente en photo montage est d'agencer ensemble des photos qui ont un éclairage fondamentalement différents. Les 3 éléments d'éclairage à vérifier sont les suivants :

Est-ce que les photos sont toutes éclairées dans la même direction? Par exemple, si l'arrière plan est éclairé par la gauche tandis que le sujet qu'on ajoute est éclairé par derrière, ça ne fonctionne pas.

Est-ce que les photos sont éclairées avec une lumière de qualité similaire? Lorsqu'on parle de qualité de lumière, on parle de si la lumière est diffusée et douce, comme lors d'une journée nuageuse, ou dure comme en plein soleil. Par exemple, si vous prenez un sujet photographié au soleil de midi sur une plage pour le placer dans un décor montagneux et brumeux, ça ne fonctionne pas non plus!

Est-ce que l'intensité de la lumière et le contraste entre les éléments fonctionnent? Par exemple, un décor éclairé par le soleil couchant sera moins contrasté (et les ombres plus visibles) qu'un sujet photographié en studio à 1 seul flash.

Dans ces deux photos, la direction et la qualité de la lumière sont très semblables. Toutefois, l'exposition et le contraste des deux images n'est pas le même. Si ces photos avaient été en raw, il aurait peut-être été possible de les agencer, mais en jpeg, c'était impossible sans perte de qualité.

Ici, le photo montage n'a pas fonctionné. Bien que la direction et la qualité de la lumière ait été semblables entre le décor et la cavalière, sa photo aurait du être en silhouette pour être cohérente avec la montagne.

Le photo montage et la perspective

La perspective engobe plusieurs éléments, comme entre autres, si l'appareil photo était en plongée ou en contre plongée, si il était en hauteur ou plutôt à raz du sol, ou parallèle ou en angle par rapport au sujet. 

Par exemple, si vous choisissez un décor photographié au raz du sol, vous devriez en principe y placer un sujet qui vous regarde de haut. Si le dessus de la tête du sujet est visible, l'effet ne sera pas génial.

La perspective, c'est aussi d'identifier l'emplacement de la ligne d'horizon et du point de fuite dans la photo. Plus vous placerez les lignes d'horizon et points de fuite des photos à agencer ensemble, plus l'effet sera plausible.

Le cheval de la photo de droite a été photographié en hauteur. On le voit à cause de la ligne d'horizon plus haute. Ainsi, on n'aurait pas pu agencer ce dernier avec celui de la première photo.

Le photo montage et la focale

Un objectif grand angle (courte focale) ne donnera pas le même effet sur un sujet qu'un téléobjectif (longue focale). Lorsqu'un grand angle comme un 20mm est utilisé lors de la prise de vue, il y a souvent des déformations dans l'image, un effet d'étirement. À l'inverse, si un téléobjectif est utilisé, la photo aura beaucoup moins d'effet d'étirement.

Ainsi, pour un photo montage réussi, il faut savoir agencer des photos de focale similaire. 

Même si la lumière avait été cohérente entre ces deux images, il aurait été impossible de les agencer. Les chevaux de la deuxième photo sont trop étirés par rapport à celui de la première photo. De plus, l'angle de vue et la perspective sont trop différents.

Comment agencer parfaitement les images dans un photo montage?

Pour agencer parfaitement les images dans un photo montage, il y a plusieurs étapes à suivre. Voici les étapes principales qui vous attendent!

Étape 1 : placer les éléments

La première étape pour agencer parfaitement les éléments est de les positionner au bon endroit dans la photo et de les redimensionner.

Une bonne façon de procéder est de les convertir d'abord en objet dynamique dans photoshop pour pouvoir les redimensionner sans perdre de qualité. 

Le but de cette étape est d'aligner la ligne d'horizon autant que possible et valider que les images choisies fonctionnent ensemble.

Étape 2 : le détourage

Pour effectuer le détourage, la bonne technique dépend du niveau de détail des images et de la précision nécessaire. 

Si vous débutez, vous pouvez essayer la fonction sélectionner le sujet dans Photoshop, ou utiliser le lasso polygonal.

Une bonne pratique est d'appliquer la sélection à un masque de fusion. Ainsi, on peut modifier la sélection en tout temps.

Étape 3 : Agencer la luminosité et le contraste des éléments

Pour cette étape, on peut appliquer temporairement un filtre noir et blanc sur l'image pour se concentrer uniquement sur la luminosité et le contraste.

Puis, pour régler la luminosité et le contraste des éléments, j'aime utiliser le calque d'ajustement de niveaux. 

Vous éviter de répéter votre sélection, vous pouvez appliquer le calque de niveau à un seul élément de votre composition avec un masque d'écrêtage.

Étape 4 : Agencer les couleurs

À cette étape, il est plus facile d'agencer les couleurs si on applique un réglage pour mieux visualiser les différences de couleur.

Pour vous aider, appliquez un filtre de couleur unie à votre montage et mettez-le en mode de fusion saturation pour mieux voir les différentes teintes.

Puis, vous pouvez utiliser le réglage de votre choix pour ajuster les couleurs.

Personnellement, j'utilise teinte-saturation.

Ensuite, peut-être que la couleur fonctionne, mais pas le niveau de saturation. 

Pour vous aider à mieux percevoir les niveaux de saturation, changez le filtre de couleur unie utilisé précédemment en mode de fusion teinte pour mieux voir les différents niveaux de saturation.

Puis, toujours avec le filtre de teinte-saturation, modifiez le niveau de saturation.

Le mode de fusion saturation donne la saturation maximale des couleurs dans l'image. Il est alors plus facile de voir si certaines couleurs ne s'agencement pas.

Étape 5 : ajouter des ombres et autres éléments de réalisme

Il peut arriver qu'après avoir complété votre montage, certains sujets semblent flotter dans le vide, ou encore que vous ayez besoin de retoucher des parties de votre photo pour enlever des éléments.

Si c'est le cas, vous pouvez ajouter des ombres en peignant en noir à faible opacité où l'ombre est nécessaire.

Vous pouvez aussi utiliser les outils de duplication, transformation et masquage pour retoucher sans laisser de traces!

Pour ajouter de l'ombre, j'utilise un pinceau avec une opacité et un flux assez bas. Puis, je peins en noir sur un nouveau calque, que je converti en mode de fusion incrustation.

Pour copier de grosses parties en respectant la perspective, je duplique la partie de l'image à copier, puis je lui donne la bonne perspective avec l'outil de transformation. Je termine avec un masque.

Pour créer une symétrie parfaite (ou presque!) je duplique la partie de l'image à copier, puis je je termine avec un masque pour bien mélanger la partie copiée au reste de la photo.

Conclusion

Bref, la réussite d'un montage photo exige beaucoup plus qu'un simple détourage. 

Pour réussir vos composites, il faut choisir judicieusement les photos agencées ensemble. La clé est de rester cohérent entre la qualité et la direction de la lumière, la perspective et la ligne d'horizon, ainsi que la focale utilisée pour les différentes photos.

Puis, pour bien agencer les images, il faut savoir bien positionner les sujets, ainsi qu'appliquer les bonnes couleurs et les bons niveaux de luminosité et contraste à tous les éléments.

Enfin, un beau travail de sélection, duplication et masquage peut aider à ajouter plus de réalisme et parfaire votre composition. Rien n'est impossible!

Vous aimeriez vous exercer avec mes fichiers? Cliquez sur le bouton ci-dessous pour télécharger les images et le fichier Photoshop!

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C'est qui, Rembrandt?

Rembrandt (1606-1669) est un artiste peintre néerlandais. Il est connu comme l'un des plus grands peintres de l'histoire de la peinture, particulièrement de l'époque Baroque. 

Il a réalisé au cours de sa vie plus de 400 peinture, en majorité des portraits et  autoportraits, ainsi que des scènes bibliques.

Rembrandt est reconnu spécialement pour son usage d'un éclairage contrasté et ses jeux d'ombre et lumière, ainsi que sa façon de montrer la compassion et l'humanité, qui ressortent dans l'expression de ses personnages.

Comment Rembrandt éclairait-il ses portraits?

Rembrant est particulièrement reconnu pour sa façon d'éclairer ses sujets. Tellement que type d'éclairage qu'il utilisait porte maintenant son nom et est reconnu par quiconque s'intéresse à l'étude de la lumière. 

Mais comment éclairait-il ses sujets? À quoi ressemble l'éclairage Rembrandt? Comment fait-on pour le reconnaître? 

Caractéristiques de l'éclairage Rembrandt

En observant les peintures de Rembrandt, on constate une constance dans son éclairage.

L'une des caractéristiques les plus faciles à remarquer est sans doute le triangle inversé sous l'oeil du sujet, du côté ombragé du visage. 

En observant quelques unes de ses peintures, on constate rapidement la tendance! 

Comment recréer l'éclairage Rembrandt

Jusqu'à présent, on a appris que : 

1. Rembrandt positionne la lumière de façon à créer un triangle de lumière inversée sous l'oeil de ses sujets du côté ombragé
2. Le studio de Rembrant était éclairé principalement avec de petites fenêtres situées plutôt en hauteur

Donc, on peut conclure que pour reproduire l'éclairage de Rembrandt, il faut d'abord avoir une source de lumière relativement douce de taille moyenne placée en hauteur par rapport au sujet sans autre source de lumière du côté opposé.

Puis, on doit travailler sur la position du sujet pour créer le petit (ou moyen, ou gros) triangle inversé sous l'oeil.

Choisir sa source de lumière pour l'éclairage Rembrandt

Pour obtenir la lumière douce et contrasté de l'éclairage Rembrandt, il suffit d'utiliser la lumière provenant d'une fenêtre, ou d'un softbox en studio. Tant que la source d'éclairage est de taille moyenne, l'éclairage sera idéal.

Comment placer l'éclairage pour obtenir un Rembrandt

Pour  créer le triangle sous l'oeil de votre sujet, il faut placer la source de lumière de sorte que l'ombre du nez s'allonge vers le bas et de côté pour aller toucher à la partie ombragée de la joue.

Donc, la source de lumière doit être suffisamment haute et latérale. Comme la plupart de nos fenêtres sont plutôt basses, un bon truc est d'asseoir le modèle au sol, les épaules à 90 degrés de la fenêtre. 

Il suffit ensuite de lui faire tourner la tête ou de le faire avancer ou reculer pour obtenir la bonne forme d'éclairage.

Le principle est semblable en studio. Placez le softbox (ou parapluie) le plus haut possible dans votre studio, environ à 90 degrés de votre modèle. Assoyez votre sujet. Puis, ajustez la position de votre sujet ou de votre flash pour obtenir le Rembrandt.

Voici quelques exemples d'éclairages Rembrandt créés en studio et un aperçu du placement de l'éclairage : 

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