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Vous souhaitez vendre vos projets d’artisanat? Vous avez une petite boutique en ligne? Vous vendez des objets sur Ebay? Votre cousin, votre frère ou votre ami est un entrepreneur? Vous faites des montages photo? Vous faites du web marketing? Vous souhaitez travailler comme photographe?

Peu importe la question à laquelle vous avez répondu oui, vous avez un point en commun.

Vous avez besoin de photos sur fond blanc, sans ombres.

Mais, avoir des photos sur un fond parfaitement blanc est beaucoup plus complexe que ça en a l’air.

Vous avez trop d’ombres, votre un fond est un peu trop gris, vous passez beaucoup trop de temps à détourer sur Photoshop ou vos résultats ne sont tout simplement pas uniformes?

Quels que soient les défis que vous avez à surmonter, faire des photos sur fond blanc ne devrait pas être compliqué!

C’est pourquoi j’ai décidé d’écrire une mini série d’articles à ce sujet!

Aujourd’hui, pour la première partie de cette série, nous allons voir comment photographier les gens sur fond blanc.

Nous allons voir exactement ce dont vous avez besoin pour réussir vos portraits ou photos de vêtements sur fond blanc dès la prise de vue!

Puis, je vous expliquerai comment éclairer votre fond et votre sujet pour les meilleurs résultats possible.

Enfin, je vous montrerai une manière très simple de traiter vos images pour rendre votre fond parfaitement blanc!

Prêts? Allons-y!

De quoi avez-vous besoin pour faire des photos sur fond blanc?

Avant d’entrer dans les détails du matériel à se procurer pour faire des photos sur fond blanc, je vous invite à consulter mon article sur comment équiper son studio photo pour pas cher. Vous y trouverez une foule d’astuces et d’aubaines pour commencer à équiper votre studio si ce n’est pas déjà fait!

Pour photographier des personnes sur fond blanc, vous aurez besoin des bons outils! Voici une petite liste du matériel que je vous conseille pour commencer à faire des photos sur fond blanc!

Le fond blanc

Votre fond peut simplement être le mur de votre salon, si celui-ci est peint en blanc, évidemment. Tant que vous ne faites pas de photo en plein pied, un simple mur blanc fera l’affaire. Si vous faites des photos en plein pied, vous aurez besoin d’un sol aussi blanc que votre mur. Sinon, bonjour le détourage complexe!

Vos murs sont tous très colorés et vous voulez faire des photos en plein pied? Vous aurez besoin de fonds en papier blanc. L’avantage du papier est qu’il est très lisse. Vous éviterez d’avoir à vous en faire avec un tissu froissé.

Les fonds de papiers se vendent généralement en deux tailles : 5 pieds ou 9 pieds.

Si vous faites des photos en plein pied, optez pour un fond de 9 pieds. Cela vous facilitera beaucoup la vie en vous donnant assez d’espace pour vos photos. Cependant, si vous ne faites que des plans rapprochés de vos sujets, un fond de 5 pieds conviendra parfaitement!

L’éclairage

Personnellement, je préfère travailler avec des flashs. Ceux-ci sont offrent généralement plus de contrôle et plus de puissance. Ils permettent d’avoir un résultat constant, en plus d’éviter le flou de mouvement dû à une vitesse d’obturation trop lente.

Quel est le type de flash idéal pour les photos sur fond blanc?

Il existe plusieurs types de flashs de vous pouvez utiliser pour réussir vos photos sur fond blanc. Que ce soit un flash de type cobra ou un plus gros flash de studio, vous pourrez obtenir de bons résultats. La différence principale se trouvera dans le prix. (Vous avez des problèmes de photos floues? Cliquez ici!)

Si vous débutez et que vous avez un budget limité, je vous suggère de vous procurer les flashs cobra yongnuo YN-560 IV. Ils sont peu chers et sont faciles à utiliser, en plus d’être faciles à transporter si vous devez installer votre matériel ailleurs que chez vous à l’occasion.

De combien de flashs avez-vous besoin?

Pour obtenir un arrière-plan parfaitement blanc, vous allez devoir éclairer le fond lui-même séparément de votre sujet. Donc, vous aurez besoin d’un minimum de deux flashs : un pour le fond, et un pour votre sujet. Sachez par contre que si vous cadrez plus large, il est possible qu’un seul flash ne soit pas suffisant pour éclairer le fond en entier. Ainsi, si votre budget le permet, avoir au moins trois flashs serait l’idéal.

Au final, le nombre de flashs nécessaire dépend directement de la taille du sujet que vous photographiez. Si vous faites un gros plan d’un visage, deux flashs suffiront. Cependant, il m’est déjà arrivé de faire des photos de famille sur fond blanc avec pas moins de CINQ flashs seulement pour éclairer le fond!

Les accessoires à avoir pour de belles photos sur fond blanc

Dans mon article à propos de comment monter son premier studio pour pas cher, j’ai parlé de nombreux accessoires à ce procurer pour équiper son studio. Je vous recommande fortement à le consulter, si vous débutez!

Voici quand même la petite liste des accessoires à avoir :

• Les trépieds pour flashs. Vous pouvez en trouver à mini prix sur Amazon.
• Un kit de support pour votre fond. Optionnel si vous collez votre fond de papier au mur. Personnellement, j'utilise cette pôle télescopique avec ces trépieds.
• Des déclencheurs pour flash ou un fil Synchro flash. Si vos flashs sont munis d’un oeil magique, ils se déclencheront aussitôt qu’un autre flash s’activera. Vous pouvez donc brancher votre appareil photo à votre flash principal avec un fil Synchro flash, et tous les flashs se déclencheront. Pour éviter de s’encombrer de fils supplémentaire, je vous suggère d’avoir un émetteur pour l’appareil et un récepteur pour le flash. Je recommande la marque Vello, qui offre un bon rapport qualité-prix. 
• Un posemètre, pour évaluer plus facilement l’exposition à utiliser pour votre sujet. Pour apprendre à utiliser un posemètre, je vous recommande cette vidéo.
• Des modificateurs de lumière, comme des boîtes à lumière ou parapluies.

La photographie sur fond blanc : les bases à connaître

Si vous êtes nouveau dans l’univers de la photographie de studio, je vous invite fortement à consulter mon article sur les éclairages de base à connaître lorsque vous débutez en studio. J’y explique plusieurs des bases en photographie au flash. Il vous aidera à mieux comprendre certains des concepts que j’aborde ici!

Le défi avec la photo sur fond blanc est qu’en plus de se soucier de bien exposer le sujet, il faut également se préoccuper de bien exposer le fond.

Il y a 3 paramètres qui influencent l’exposition du sujet lorsqu’il est éclairé au flash : la puissance du flash, l’ouverture du diaphragme de l’appareil photo, et la distance entre le sujet et le flash.

C’est ce troisième paramètre qui rend la photographie sur fond blanc plus complexe. Logiquement, le sujet et l’arrière-plan ne peuvent pas être tous les deux à la même distance du flash. Ainsi, si le sujet est bien exposé, le fond ne pourra pas être bien exposé aussi. Donc, en utilisant un seul flash, il arrivera l’une de ces deux choses. Soit votre fond blanc deviendra gris, soit il sera presque blanc, mais vous verrez l’ombre de votre sujet dessus.

Pour éviter ces problèmes, vous devez éclairer le fond lui-même. Voici comment.

Éclairer le fond pour les plans plus serrés

Si vous faites des plans plus serrés, comme des gros plans, par exemple, placez un flash nu directement derrière votre sujet, dirigé vers le fond. Gardez au moins un mètre de distance entre le flash et le fond, pour lui donner la possibilité de couvrir un espace plus grand.

Salut tout le monde! Aujourd’hui, je vous parle de résolution, taille d’impression, ppi, dpi et compagnie!    

L’idée de cet article m’est venue après plusieurs discussions animées avec mes amis du club photo.

En effet, alors que l’organisation de leur exposition de photo annuelle battait son plein, plusieurs questions quant à la résolution des photos contre la taille d’impressions ont fait surface.

Plusieurs d’entre nous, moi y compris, avons cherché à répondre à ces questions. C’est alors que je me suis rendue compte que malgré une bonne connaissance du sujet, il y avait certains points qui demeuraient flous, certaines croyances que je voulais remettre en question.

Donc, j’ai pris la décision d’écrire cet article pour résoudre la question, une fois pour toute, le plus simplement possible. J’en fais une affaire personnelle!

Donc, aujourd’hui, je vous parle de mes trouvailles. Nous allons répondre à ces questions

• La résolution, c’est quoi?
• Pourquoi la résolution n’a aucune importance sur un écran?
• Quelle est la résolution minimale pour imprimer?
• Quelle taille peut-on imprimer selon la taille de vos photos?
• Comment redimensionner une image correctement?
  
  

Comment faire pour éviter les erreurs en retouche photo?

La retouche photo est quelque chose de vraiment merveilleux. Lorsqu’une photo a été bien exécutée à la prise de vue, la retouche peut être un excellent outil pour exercer votre créativité et donner une signature visuelle à vos images.

Avec des logiciels aussi puissants que Photoshop, les possibilités sont vraiment infinies. Tout peut être fait avec les bonne techniques, les bonnes connaissances et une bonne dose de minutie et de patience. Ce n’est d’ailleurs pas pour rien que la culture populaire a bien intégré le verbe Photoshoper à son vocabulaire.

Mais si tout peut être fait, est-ce que tout DOIT être fait?

Comme je suis une grande passionnée de retouche photo, je n’effleurerai même pas la question de si on doit retoucher ou non. Pour moi, la retouche est une nécessité et un plaisir. Je ne dirai donc jamais à quelqu’un qu’il ne devrait pas retoucher.

Cependant, il est très facile d’aller trop loin en retouche. Lorsqu’on a les yeux collés sur une image depuis de longues minutes, il est facile de ne plus voir clair.

Alors comment faire pour savoir si un portrait est retouché correctement? Aujourd’hui, je vous montrerai quelques exemples, ainsi que quelques conseils pour vous aider à juger votre travail de manière objective!

Les erreurs en retouche de peau

La retouche de peau est définitivement très répandue. Avec les mannequins à la peau parfaite dans les magazines et les filtres sur les applications comme instagram, Facebook et Snapchat, il semblerait que tout le monde cherche a avoir la peau le plus lisse possible. Mais pour les photographe, à quoi ça rime? Quelles sont les normes? Comment savoir si un retouche de peau est bien exécutée, ou de mauvais goût? Voici quelques exemples.

La peau : trop retouchée

Dans ce cas précis, on a eu recours à un type de retouche qui est indiqués par plusieurs pseudo experts en retouche. L’idée générale : rendre la peau plus floue, pour ainsi faire presque disparaître les irrégularités dans la peau. Le problème avec cette approche est qu’elle ne fait pas disparaître uniquement les problèmes de texture…mais bien toute la texture de peau! On se retrouve donc avec une peau qui semble être en plastique et une retouche qui paraît beaucoup trop.

Les erreurs en retouche des yeux

La retouche des yeux est souvent effectuée pour ajouter un peu d’éclat au regard et faire ressortir la beauté qui s’y trouve déjà. Les pratiques les plus communes sont la retouche des veines, éclaircir le blanc des yeux, accentuer l’iris, etc. Il est important de mentionner qu’aucune retouche ne pourra sauver un mauvais éclairage. Si les yeux n’ont pas été éclairés correctement, essayer de les éclaircir à la retouche ne donnera jamais un résultat naturel.

Les yeux : trop retouchés

Voici un exemple de photo où les yeux ont été trop retouchés. Le blanc des yeux est beaucoup trop blanc partout, ce qui donne un air d’extra terrestre au modèle. Le contour de l’iris est beaucoup trop foncé par rapport au reste de l’oeil, ce qui est à éviter. Enfin, la couleur de l’iris est beaucoup trop saturée. Personne n’a les yeux de cette couleur dans la réalité.

Retoucher les yeux de la bonne façon

Il existe une foule de méthodes pour retoucher les yeux. Je décris mes préférées dans cet article. Pour éclaircir le blanc des yeux, il est préférable d’appliquer l’effet un peu plus autour de l’iris en diminuant vers les côtés.  De cette façon, on conserve l’effet 3D. Pour foncer le contour de l’iris, allez-y doucement, quitte à activer et désactiver votre réglage fréquemment. De plus, appliquez chaque effet sur des calques séparés. Ainsi, vous pourrez diminuer l’intensité de n’importe quel effet à tout moment.

Les erreurs en retouche des couleurs : saturation, vibrance et actions photoshop

S’il y a bien un type de retouche dont il est facile d’abuser, c’est bien les retouches de couleurs en général. Comme je l’explique dans mon article sur le Color Grading, les couleurs peuvent vraiment améliorer une image en y ajoutant de l’harmonie, ou en lui donnant votre signature visuelle. Toutefois, le secret est d’y aller en subtilités afin de rester dans le bon goût sans endommager vos images. Alors comment faire pour ne pas tomber dans le panneau?

La saturation

Honnêtement, si j’étais conceptrice de logiciels de traitement d’image, j’enlèverais carrément la possibilité de toucher à la saturation de façon globale.

Pourquoi?

Quand on y pense, la saturation accentue toutes les couleurs de l’image, partout, à la même puissance. Supposons que vous faites un portrait dans la nature. Vous voulez accentuer un peu (je dis bien un peu) la couleur du ciel et du feuillage. Alors, vous augmentez la saturation.

Le problème, c’est que ce n’est pas que le vert des feuilles et le bleu du ciel qui est accentué. Tout ce qui est rouge, orange ou jaune aussi. Et qu’est-ce qui est orange, rouge et jaune? La peau de votre sujet. Si la personne a des rougeurs au visage, bonjour les problèmes.

Alors quelle est la solution? Mon conseil serait de modifier la saturation pour chaque canal de couleur séparément, grâce à l’outil TSL de Lightroom.

J’aime beaucoup utiliser cet outil avec la cible, qui permet de changer la saturation des couleurs par glissement dans l’image.

En passant, peu importe la technique utilisée pour saturer une image, toute ou en partie, il faut y aller avec pacimonie. Autrement, les zones de l’image qui sont très saturées pourraient manquer de détails. Ce problème ressemble à une surexposition, mais par les couleurs.

La vibrance

La vibrance sert à faire briller un peu plus les couleurs dans vos photos. Au lieu de saturer toutes les couleurs de la même façon, la vibrance est en fait un type de saturation intelligente. La vibrance ne sature que les couleurs qui sont plus terne, en laissant les couleurs déjà saturées telles quelles. Ainsi, il est plus facile d’éviter d’en faire trop.

Les actions photoshop

Avec l’industrie des actions photoshop qui ne cesse de grandir, vous avez probablement déjà essayé ou acheté des actions dans Photoshop. Le but de ces actions est de vous permettre de reproduire un style particulier en quelques clics.

Cependant, je comparerais les actions photoshop aux vêtement one size. Est-ce que le one size fait à tout le monde? Non.

Même chose pour les actions Photoshop. Comme chaque image est différente, les actions n’agissent pas toutes de la même façon sur toutes les photos. Il faut donc ajuster l’effet.

Par expérience, je trouve que les effets des actions photoshop sont un peu trop intense. Souvent, je diminue l’opacité de l’effet d’au moins 10%. Ainsi, cela m’évite les débordements!

Les erreurs en ajout de netteté : clarté, détail, accentuation, passe haut et compagnie

Les outils sont nombreux pour ajouter de la netteté à vos images. L’ajout de netteté est d’ailleurs nécessaire pour tirer le meilleur de vos images, surtout si vous les avez prises en raw.

Les outils les plus fréquemment utilisés pour ajouter de la netteté sont la clarté et le détail dans Lightroom et l’accentuation et le filtre passe haut. Cependant, il y a généralement deux règles à respecter pour s’assurer de faire un ajout de netteté non destructeur.

La première est de ne pas tenter de sauver une photo floue avec un des outils mentionnés plus haut. Peu importe la quantité de netteté ajoutée, une photo floue ne deviendra pas nette pour autant. Il y a de fortes chances que le fait d’ajouter de la netteté ajoutera plus de problème qu’autre chose.

La seconde règle  à respecter est de garder l’effet de netteté assez faible pour éviter de faire apparaître des halos. Les halos sont des zones plus pâles près des contours de l’image qui peuvent apparaître lorsque les effets comme la clarté, l’accentuation ou le filtre passe haut sont appliqués.

Si vous voyez des halos apparaître, essayez de réduire votre effet jusqu’à ce qu’ils disparaissent.

Comment juger ses photos objectivement : quelques conseils pour éviter l’embarras

Il nous est tous déjà arrivé de publier une photo sur notre site web sur les médias sociaux pour ensuite recevoir des commentaires peu favorables. Ce genre de situation peut être vraiment embarrassante. Alors comment faire pour l’éviter?

Conseil numéro 1 : demander l’avis d’un ami photographe

Vous pouvez demander à tous vos amis si votre photo est réussie. Mais s’ils ne sont pas photographes, il trouveront toutes vos images belles.

C’est bon pour l’égo, un peu moins pour développer vos talents!

 Demandez à vos amis photographe ce qu’ils pensent de votre image avant de la publier. Ainsi, ils vous donneront l’heure juste et cela vous aidera à progresser!

Conseil numéro 2 : mettre la retouche sur pause!

Si vous retouchez une image depuis de longues minutes, essayez d’arrêter votre travail, puis de recommencer le lendemain matin. Vous aurez un regard nouveau sur votre image, et vous pourrez ainsi corriger le tir, au besoin.

Conseil numéro 3 : activez et désactivez vos effets souvent!

Dans Lightroom, chaque réglage peut être activé et désactivé séparément. Chaque onglet a un interrupteur qui permet d’activer ou non votre réglage.
 
Vous pouvez aussi retourner à n’importe quelle étape de votre retouche grâce à l’onglet historique du module de développement.

Dans Photoshop, vous pouvez activer et désactiver vos réglages avec le petit oeil qui se trouve à côté de chaque calque et chaque réglage. Vous pouvez ainsi voir un avant-après de chacune des étapes de votre workflow.

Je vous conseille également de garder une copie de la photo originale sur un calque en haut de tous les autres calques. De cette façon, vous pouvez voir rapidement la différence entre la photo de départ et là où vous en êtes.

Conclusion

Bien que la retouche soit un outil formidable pour amener vos photos au prochain niveau, il peut être difficile de retoucher correctement.

Tout comme la photographie, la retouche est un art qui demande de la pratique et beaucoup de minutie pour arriver à un beau résultat.

En résumé, vous avons vu les erreurs les plus communes en retouche ainsi que des manières simples de les éviter.

D’abord, nous avons parlé de l’importance de ne pas rendre la peau floue pour enlever les imperfections. Les techniques comme la séparation de fréquence ainsi que dodge and burn son beaucoup plus appropriées pour obtenir un effet réaliste.

Ensuite, pour la retouche des yeux, l’essentiel est de toujours garder à l’esprit que le réalisme est le but ultime. Donc, il est préférable d’éviter de trop éclaircir les yeux, trop saturer l’iris ou trop foncer certaines parties de l’oeil.

Puis, j’ai aussi abordé la question de la correction des couleurs. Il est fréquent de voir des images qui ont été trop saturées de manière globale, ce qui a tendance à créer plusieurs problèmes.

Premièrement, cela peut donner un teint très étrange aux modèles. De plus, trop de saturation ajoutée peut faire en sorte de faire diminuer les détails dans certaines parties de l’image.

J’ai aussi discuté de l’importance de ne pas ajouter trop de netteté, pour éviter les halos qui trahissent automatiquement cet effet.

Finalement, je vous ai donné quelque trucs pour juger de vos images objectivement. D’abord de demander conseil à un ami photographe. Ensuite, de ne pas hésiter pour prendre des pauses lors de la retouche. Finalement, d’activer et désactiver les effets appliqués régulièrement lorsque vous êtes en train de retoucher

Bref, j’espère que cet article vous aidera à améliorer vos habiletés en retouche, tout en vous évitant l’embarras! Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les écrire dans les commentaires!

Sur ce, je vous dit à la prochaine, et bonne photos! 

Pinterest, Instagram, magazines... L'inspiration peut être trouvée partout. Qu'on se l'avoue ou non, nous avons tous, tôt ou tard, copié la photo d'un autre photographe...ou tenté de le faire. En apparence, tout le monde semble condamner ce genre de pratique. Mais est-ce vraiment aussi diabolique qu'on le dit? Au risque de choquer les puristes du droit d'auteur, voilà mon opinion sur la question : oui, vous DEVEZ copier les autres photographes.

Quoi?

Attention, je ne vous dit pas de copier les photos des autres dans les moindres détails, de l'éclairage aux réglages en passant par le décor, le concept, la pose, voir même le physique du modèle lui-même!

Par contre, le fait de savoir analyser une image que vous aimez vous aidera énormément à progresser et à établir votre propre style.

Alors, comment reproduire les effets qui vous plaisent sans plagier? Comment devriez-vous analyser des images? En quoi copier les autres photographes peut vous aider à développer votre style? Aujourd'hui, je vous donne quelques pistes de solutions.

Copier les autres photographes sans plagier : quelques mots sur les droits d'auteurs

Avant de copier les photos d'autres photographes, il est important de faire mention des droits d'auteurs. Attention, je ne suis pas avocate. Je ne peux donc pas vous donner de conseils légaux, mais voici mon opinion sur la question.

Depuis 2012, au Québec, la loi sur le droit d'auteur accorde automatiquement aux photographes le droit d'auteur sur leurs images, du moment qu'ils appuient sur le déclencheur.

Donc, techniquement, si vous reproduisez la photo d'un autre, mais avec votre propre appareil, vous êtes propriétaire du droit d'auteur sur cette nouvelle image, n'est-ce pas?

Ce n'est pas aussi simple que cela. Aux États-Unis, le Copyright Act prévoit la protection des oeuvres basées sur d'autres oeuvres. À titre d'exemple, une chanson remixée ou une peinture imitée avec une variante ne sont pas considérées comme des violations du droit d'auteur aux yeux de la loi.

Une oeuvre dérivée d'une autre est ainsi protégée par la loi sur le droit d'auteur, en autant qu'elle contienne assez d'éléments nouveaux. C'est là qu'il y a beaucoup de place à l'interprétation.

Dans cet article publié sur Peta Pixel, il est question du cas d'un photographe dont la photo a été imitée par une agence de publicité. Selon l'auteur de l'article, Adam Remsen, avocat, l'agence de publicité n'est pas fautive, puisqu'il y a assez d'éléments différents entre les deux.

Légal, peut-être, mais pas éthique à mon avis.

Si vous voulez vous faire votre propre opinion, voici les deux images :

Mais au Canada, comment ça marche?

La loi canadienne sur le droit d'auteur ne prévoit pas de clauses particulières concernant les oeuvres dérivées. Il ne semble pas non plus y avoir de directives claires pour déterminer si une oeuvre a été plagiée.

Cependant, cela pourrait être appelé à changer! Le cas de Claude Robinson servira forcément d'exemple pour la suite des choses.

Pour faire une histoire courte, celui-ci avait présenté à Cinar son concept d'émission pour enfant intitulé Robinson Curiosité. Après une mésentente entre Robinson et Cinar, la compagnie de production a lancé Robinson Sucroe, une série copiant les personnages, la trame de l'histoire, le thème, etc. Les dessins originaux ont été refaits différemment, mais malgré cela, la cour suprême du Canada a donné raison à Robinson, après un combat de près de 20 ans.

La photographe Cindy Hains a voulu connaître la position de la cour quant au plagiat de concepts photo. Voyant qu'une de ses photos avait été imitée par une autre photographe, elle a intenté une poursuite pour plagiat.

La cour des petites créances lui a octroyé 2500$ pour la copie et la publication d'une photo presque identique à la sienne à des fins commerciales (la photographe fautive ayant produit la photo dans le cadre d'une séance photo payante). Pour avoir plus de détails sur ce cas, vous pouvez lire l'article publié sur le blogue de Francis Vachon.

Bref, inspirez-vous des autres photographes pour comprendre leurs techniques. Mais, lorsque vous faites des photos qui seront publiées, assurez-vous d'amener assez d'éléments nouveau en terme de pose, de cadrage, etc. Votre créativité s'améliorera beaucoup plus, et vous vous éviterez beaucoup de problèmes...

Que devriez-vous analyser pour reproduire vos photos préférées?

Comme je l'ai expliqué précédemment, l'objectif ici n'est pas de reproduire une photos dans ses moindres détails. En réalité, il s'agit plutôt de reconnaître ce que vous aimez dans une image pour ensuite le réutiliser dans vos photos. Comme le dit très bien Jake Hicks dans cet article, votre seul objectif devrait être de créer une copie évoluée de ce que vous avez vu. Je vous invite à aller consulter les images d'exemples qu'il a utilisées. Vous verrez que les photos ne sont jamais des copies conformes des originales!

Mais alors, si vous ne copiez pas la photo dans son ensemble, comment devriez-vous copier les autres photographes?

L'idée est d'observer d'abord l'éclairage, puisque c'est ce qui a le plus d'importance pour l'ambiance d'une image. Si vous êtes capable de reproduire l'éclairage d'une image, il ne restera plus qu'à utiliser votre créativité pour obtenir de superbes photos!

Trouver l'éclairage utilisé dans une photo : le secret est dans les yeux!

Le première étape pour découvrir quel éclairage a été utilisé pour une photo est d'observer la forme et l'emplacement des catchlights dans les yeux.  Pour en savoir plus à propos des catchlights, je vous recommande d'aller lire mon article sur la retouche des yeux! 

Voyons quelques exemples.

Dans cette photo, la réflection de la lumière dans les  yeux est en forme d'anneau. Donc, on peut déduire que cette photo a été prise avec un ring light. 

Comme le catchlight est presque en plein centre de l'oeil de la modèle,  cela nous indique que l'éclairage était positionné directement devant elle. La lumière est très douce et il n'y a presque aucune ombre sur le visage de la mannequin.

Pour avoir une lumière aussi douce,  il faut avoir une source de lumière très grande en relation avec le sujet. Dans ce cas ci, comme la plupart des ring lights sont plutôt petits en général, le photographe a du positionner la lumière très près du sujet. 

Pour l'effet halo derrière le sujet, il y a deux possibilités. L'effet a peut-être été créé à la retouche dans Photoshop. Sinon, il y a de bonnes probabilités que le photographe ait utilisé un flash pointé vers le fond, avec une grille en nid d'abeille pour contrôler l'étendue de la lumière. 

Contrairement à l'image précédente, celle-ci est beaucoup plus contrastée. Le reflet de la lumière dans l'oeil semble être en forme de croissant, et est située un peu plus à droite. 

Vous allez me dire qu'il n'y a pas de modificateurs de lumière en forme de croissant, et c'est tout à fait juste. En fait, si on observe  de plus près, on voit qu'il s'agit en fait du flash qui cache une partie du parapluie dans lequel il se réfléchit! 

Comme je ne vois pas  d'autres réflexions dans les yeux, je ne crois pas qu'il y ait de réflecteur. Comme les ombres ne sont pas complètement bouchées, je me risquerais à dire que la lumière qui se réfléchit sur les bras de la mannequin est ce qui éclaircit les ombres.

Enfin, à voir la couleur de fond, je crois que la modèle était assez loin de ce dernier. Le fond a probablement été éclairée de la même façon que pour la photo précédente, à faible intensité.

Comment copier l'éclairage d'une image prise en lumière naturelle? 

En lumière naturelle, vous trouverez des catchlights très indistincts, ou au contraire, vous saurez au premier coup d'oeil qu'il s'agissait du soleil. Les deux photos de cette publication sur instagram sont un bon exemple. Pour voir la deuxième image, cliquez sur la publication!

Sur la première image, la lumière est très douce et on ne distingue pas de forme précise pour le reflet de lumière dans les yeux.  À mon avis, cette photo a été prise alors qu'un nuage passait devant le soleil, ou à l'ombre, en gardant une partie du ciel visible dans les yeux.  

Pourquoi pas dos au soleil? Parce que si ça avait été le cas, il y aurait eu beaucoup plus de lumière dans l'arrière-plan et dans les cheveux de la mannequin.

Sur la deuxième photo, en revanche, c'est le soleil qui est la source de lumière principale. Remarquez comme le reflet dans les yeux est petit et rond. L'ombre du nez de la modèle est aussi très découpée. Une lumière aussi dure est souvent créée par le soleil ou un flash nu.

Il y a deux raisons qui me font dire que c'est le soleil et non un flash. La première, c'est que l'arrière plan est éclairée de la même façon et dans la même direction que le sujet. Si un flash avait été utilisé, l'arrière plan aurait probablement eu l'air plus sombre. La deuxième, c'est que la couleur de la photo dans son ensemble nous indique que la photo a probablement été prise au coucher du soleil. Ceci justifie donc que le catchlight soit plus bas dans les yeux.

Comment analyser l'éclairage lorsque les yeux ne sont pas visibles?

Vous avez vu une superbe photo que vous aimeriez reproduire, mais vous ne voyez pas de reflets? Dans ce cas, il faudra observer la direction et la qualité de la lumière! 

Prenons cette superbe photo de nouveau-né comme exemple. 

D'abord, on remarque que la photo est plus claire du coté gauche que du côté droit. Donc, la source de lumière principale est forcément de ce côté. 

Ensuite, la lumière est extrêmement douce. Il est presque impossible de dire avec certitude où les ombres commencent et où elles s'arrêtent. Pour obtenir un éclairage aussi doux et diffus, il faut une source de lumière très grande par rapport au sujet.

Dans ce cas-ci, j'aurais tendance à penser que la photo a été prise près d'une grande fenêtre. Si la fenêtre n'st pas une option pour vous, je vous recommande fortement d'utiliser  un gigantesque parapluie muni d'un diffuseur. Plusieurs photographes portraitistes très talentueux en font l'éloge régulièrement! 

Pour cette image, la lumière est diffuse et vient du côté gauche de l'image, puisque c'est ce côté qui est plus lumineux. Pour diffuser l'éclairage, la photographe a probablement utilisé un softbox de bonne dimension. 

L'ombre sous le nez de la mannequin laisse croire que le flash était positionné presque à la hauteur du visage, légèrement à gauche. 

Enfin, comme le côté droit de l'image n'est pas complètement noir, je crois qu'un réflecteur a été utilisé, ou encore un flash a plus faible intensité. Il semble y avoir beaucoup de jaune dans cette zone de l'image. On peut supposer qu'un réflecteur doré a été utilisé. Ou, peut-être que c'est le maquillage qui donne cet effet!  

Copier les autres photographes pour apprendre et trouver son style

Si vous essayez de reproduire l'éclairage des photos qui vous plaisent, vous allez apprendre énormément dans le processus! 

Les essais et erreur que vous allez faire vont vous permettre d'observer votre éclairage et de découvrir plusieurs possibilités. Vous verrez ce qui fonctionne, ce qui ne fonctionne pas, ce que vous aimez, ce que vous n'aimez pas... 

Petit à petit, vous allez trouver les types d'images et d'éclairage que vous préférez. Ce sont ces préférences qui vont forger votre style unique! 

Conclusion

Bref, même si le fait de copier les autres photographes peut sembler mauvais ou non éthique, c'est un processus qui peut être extrêmement formateur! 

Il ne s'agit pas de reproduire entièrement une photo. Ce serait du plagiat. L'idée de base est plutôt d'analyser ce que font les autres et de créer votre version améliorée de ce que vous aimez.

Pour trouver quel genre d'éclairage a été utilisé, observez les catchlights dans les yeux des modèles. Cela vous donnera une foule d'informations sur l'éclairage utilisé. 

Observez aussi la qualité et la direction de la lumière. Est-elle diffuse? Est-elle dure? Est-elle directement devant le modèle? Derrière? De côté? Les ombres sont-elles découpées ou estompées? Sont-elles complètement noires ou plus claires?

Se sont toutes des questions que vous pouvez poser afin de reproduire la lumière que vous préférez!

Bref, j'espère que cet article vous sera utile pour améliorer vos photos et créer un style qui vous est propre!  Vous avez des photos que vous aimeriez que j'analyse? Mettez le lien dans les commentaires!

À la prochaine, et bonnes photos! 

Aujourd’hui, on va parler d’un sujet qui vous frustre certainement, parce qu’aujourd’hui, on parle des PHOTOS FLOUES.

Que vous fassiez des photos depuis longtemps ou que vous soyez nouveau votre aventure d’apprenti photographe, vous rencontrerez forcément l’immense frustration de vous demander : « pourquoi mes photos sont floues »?

Erreur numéro 1 : vos photos sont floues parce que votre sujet bouge

« Oui, mais je photographie plein de sujets en mouvement! Mes photos de devraient pas être floues pour autant! » 

Vous avez raison. Cependant, il faut savoir que les sujets en mouvement nécessitent des réglages particuliers de votre appareil pour réussir à les figer dans votre image.

Pour y arriver, il faut que l’appareil photo soit plus rapide pour capturer la photo que la vitesse à laquelle le sujet bouge.

Pour modifier la vitesse à laquelle votre appareil capture vos photos, il faut modifier la vitesse d’obturation. Celle-ci, affichée en secondes ou en fractions de seconde, peut être contrôlée dans le mode manuel, le mode priorité à l’ouverture ou le mode programme.

En règle générale, si votre photo est floue, il faudra augmenter votre vitesse d’obturation jusqu’à ce que votre sujet soit bien figé dans votre image.

Comment savoir quelle vitesse choisir?

Il n’y a pas de nombres magiques, mais voici quelques indices!

Pour figer des animaux qui se déplacent lentement ou des personnes qui marchent, utilisez une vitesse d’au moins 1/250 de seconde.

Pour les sujets qui se déplacent plus vite, comme les animaux ou les personnes qui courent, les athlètes, etc, privilégiez une vitesse d’au moins 1/500 de secondes.

Pour les sports motorisés, une vitesse d’au moins 1/1000 de seconde sera nécessaire pour éviter les photos floues.

Erreur numéro 2 : vos photos sont floues parce que vous bougez

Si vous avez des photos sont floues au grand complet, même si votre sujet ne bougeait pas, il y a de fortes chances que vous et votre appareil ayez bougé.

Même si on a parfois l’impression d’être parfaitement immobile, il est très probable qu’on bouge quand même. Même si on s’est appuyé contre un arbre ou une table. Même si on retient son souffle. Eh oui! Du moment qu’on tient l’appareil à main levée, il est possible d’avoir des photos floues.

Pour que le collimateur soit sur votre sujet, deux options s’offrent à vous. Vous pouvez déplacer votre collimateur sur votre sujet avec les contrôles de votre appareil.

Vous pouvez aussi faire la mise au point en gardant le collimateur de mise au point au centre. Il suffit de mémoriser la mise au point, et de recadrer par la suite.

Comment faire la mise au point?

Il y a deux façons de faire la mise au point. La mise au point simple et la mise au point continue.

Avec la mise au point simple, vous appuyez sur le déclencheur à mi-course et l’appareil fait la mise au point sur votre sujet. Tant que vous ne lâchez pas le déclencheur, la mise au point restera inchangée. Ce mode de mise au point est parfait pour les sujets qui ne bougent pas.

Avec la mise au point continue, l’appareil tente de suivre le sujet, tant que vous tenez le déclencheur enfoncé à mi-course. Ce mode de mise au point est parfait pour éviter les photos floues lorsque votre sujet se déplace.

Erreur numéro 4 : vos photos sont floues parce que votre zone de netteté est trop courte

Si vous avez un objectif qui vous permet d’avoir une très grande ouverture, vous être probablement coupable de la prochaine erreur. Ce n’est pas parce que votre objectif vous permet une grande ouverture qu’il faut absolument l’utiliser pour tout, tout le temps.

Ce qu’il faut savoir, c’est que l’ouverture du diaphragme influence la taille de la zone de netteté, aussi appelée profondeur de champ. Plus votre ouverture est grande, et plus la zone de netteté sera courte. Dans la vraie vie, cela signifie que,, si vous faites un portrait à f/1.8, il est possible que seulement un seul des yeux de votre modèle soit net.

Si jamais vous voyez que c’est le cas de votre photo, essayez de réduire un peu l’ouverture du diaphragme.

Erreur numéro 5 : vos photos sont floues parce que votre objectif est mal calibré

Il est possible que votre objectif soit mal calibré, même si c’est un objectif tout neuf.

En effet, pour les appareils reflex, il arrive que l’appareil croie à tort que la mise au point est bonne, même si l’objectif n’est pas parfaitement au point.

Pour remédier à ce problème, il faut calibrer l’objectif avec une mire spéciale conçue à cet effet.

Ce ne sont pas tous les appareils qui permettent ce genre d’ajustements. Par contre, si votre appareil vous permet d’effectuer une calibration de vos objectifs, je vous invite à aller voir ce tutoriel pour apprendre à le faire vous-même. Si cela vous embête, vous pouvez aussi déléguer la tâche à un technicien chez tout bon réparateur.

Erreur numéro 6 : vos photos sont floues parce que vous utilisez mal la stabilisation de votre objectif

La stabilisation de l’objectif est un très bon outil pour éviter les photos floues.

Par contre, la stabilisation de l’objectif peut aussi vous jouer bien des tours si votre appareil photo est sur trépied.

En gros, si vous tenez votre appareil à main levée, utilisez la stabilisation de l’objectif.

Si votre appareil est sur trépied, en revanche, le moteur de stabilisation peut créer des vibrations qui nuiront à la netteté de votre image. Il est donc préférable, dans ce cas, de désactiver la stabilisation, surtout si vous utilisez une très longue focale.

Vous allez remarquer, normalement, 4 curseurs que vous pouvez ajuster.

Le gain, c’est ce qui détermine la quantité de netteté ajoutée. C’est un peu comme le bouton de volume, si on veut.

Le rayon, lui, détermine la taille des halos près des contours de l’image. En gros, la grosseur des détails appliqués.

Les deux autres réglages servent à limiter l’étendue de la netteté ajoutée. Le détail vous permet de réduire l’effet de halo près des contours de l’image.

Le masquage, lui, est très pratique, parce qu’il vous permet de déterminer où appliquer votre effet. Par exemple, avec un portrait, vous pourriez vouloir ajouter de la netteté au niveau des yeux, cheveux, etc, mais sans affecter la texture de la peau.

Pour voir plus facilement où s’appliquent vos réglages, vous pouvez maintenir la touche art ou option enfoncée lorsque vous faites vos réglages.

Comment ajouter de la netteté dans Photoshop

Pour ajouter de la netteté dans Photoshop, j’utilise le filtre passe-haut.

L’avantage de cette méthode est que vous pouvez mieux contrôler la quantité de netteté ajoutée, de même que l’endroit où vous voulez l’appliquer.

Pour utiliser cette méthode, il suffit de dupliquer votre image sur un deuxième calque.

Ensuite, allez dans filtre, divers, passe-haut. Avec le curseur de rayon, choisissez la quantité de netteté que vous voulez ajouter.

Maintenant, vous avez une image complètement grise. Pour ramener la couleur dans votre photo, vous devez changer le mode de fusion du calque de netteté.

Le mode de fusion choisi aura un impact sur la quantité de netteté qui s’appliquera à votre image. En général, j’utilise le mode de fusion Incrustation, qui est plus subtil.

À partir de là, vous pouvez modifier l’opacité de ce calque pour réduire l’effet.

Si vous préférez appliquer votre réglage seulement à certains endroits précis, ajoutez un masque de fusion sur votre calque, que vous remplirez de noir. Puis, avec un pinceau blanc, vous pourrez révéler l’effet uniquement aux endroits qui vous intéressent.

Souvent, en portrait, on utilisera un masque pour ajouter de la netteté au niveau des yeux, sourcils, lèvres, etc.

Conclusion

Aujourd’hui, nous avons vu les principales raisons pourquoi vos photos sont floues. Nous avons commencé par les erreurs les plus communes, suivi de trucs un peu plus avancés.

En premier lieu, nous avons vu qu’il est primordial d’utiliser une vitesse d’obturation qui soit adaptée au sujet photographié ainsi qu’à votre focale, si vous tenez votre appareil à main levée.

Puis, nous avons ensuite discuté de l’importance d’une bonne mise au point. Avez-vous fait votre mise au point au bon endroit? Avez-vous utilisé le bon mode de mise au point? Ce sont toutes des questions à garder en tête lorsque vous faites des photos.

Ensuite, nous avons vu que l’ouverture utilisée pouvait aussi créer des flous. En effet, lorsque l’ouverture est très grande, la zone de netteté est plus courte, ce qui peut faire en sorte que votre sujet soit en partie flou.

Si, après avoir réglé tous ces problèmes, vos photos sont encore floues, il y a d’autres solutions possibles.

Vous pouvez tenter de calibrer vos objectifs, si votre appareil vous le permet.

Méfiez-vous de la stabilisation d’objectif, qui peut causer des flous lorsque vous photographiez sur trépied.

Ajustez la dioptrie de votre appareil pour votre vision, pour éviter de corriger une mise au point qui était déjà correcte.

Enfin, je vous ai aussi parlé des façons d’ajouter un peu de netteté dans Lightroom et dans Photoshop, pour donner à vos images le « croustillant » qui leur manque. Évidemment, comme toute bonne retouche, la modération et le bon goût sont de mise!

J’espère que cet article vous aura aidé à ce que les photos floues soient chose du passé.

Si cet article vous a aidé, n’hésitez pas à le partager avec vos amis! Si vous avez des questions, n’hésitez pas à me les écrire en commentaires!

Sur ce, je vous dis à la prochaine, et bonnes photos!