Tu veux faire des superbes portraits que tout le monde va adorer, mais tu es tanné de te stresser avec la technique? 

Un conseil : abandonne le mode manuel. MAINTENANT! 

Si j'ai piqué ta curiosité, reste ici et lis ce qui suit!

Je vais t’expliquer pourquoi le mode manuel t’empêche de faire les photos de tes rêves, les mythes les plus répandus en photo et pourquoi ils te font perdre du temps et de l’argent et comment tu peux enfin créer de superbes photos sans avoir à gosser avec tes réglages pendant tes séances! 

Mais tu te demandes surement... 

Qui es-tu pour me promettre des photos parfaites sans le mode manuel?

Bref. Ce dont je vais te parler aujourd'hui est le fruit de plusieurs années d'expérience comme photographe, mais surtout comme pédagogue. Ma mission première est d'aider les photographes de portrait à atteindre l'excellence dans la plus grande simplicité possible.

Cet article est carrément le plus aligné avec ma mission, ever. 

Par contre, je préfère t'avertir que ce qui suit ne plait pas à tout le monde...

Ce texte n'est pas pour toi si...

Quand je dis que je ne fais pas dans le flafla et que j'aime faire simple, ça veut aussi dire que je ne veux pas te faire perdre ton temps. Si tu entres dans une des catégories suivantes, quitte cette page tout de suite, sans rancune! 

Tu ne photographie pas les gens...

Si tu fais des photos de fleurs, de paysages ou de tes animaux de compagnie, ou encore que tu veux seulement faire des photos avec ton cellulaire… 

Cet article ne t’aideras pas vraiment.

Par contre, si tu photographie des gens, mais que...

• Tu es souvent déçu des résultats parce que tes photos sont trop claires, trop sombres, floues,
• Tu es super stressé pendant tes séances à force de tout gérer en même temps…
• Tu as l’impression que malgré tes efforts, tes photos manquent encore de wow et que tu rêves de faire des portraits que tout le monde va adorer en ayant du plaisir et sans te stresser…

Tu vas adorer!

Tu te considères comme un puriste...

Pour vrai, les puristes m'haïssent. 

Si tu pense que :

• Tes connaissances sont bien au dessus de mes enseignements
• La photographie s'adresse uniquement à une sorte d'élite 
• Tu es frustré contre les amateurs ou les sois-disant «faux-tographes» (ughhhh je déteste cette expression...comme si il y avait des «vrais» et des «faux» photographes... tu fais des photos, t'es un photographe, c'est tout!)

On ne s'entendra pas.

Mais si tu as une ouverture à apprendre une approche différente et plus simple qui te permettra d'avoir une méthode de travail plus rapide et efficace, de réduire ta marge d'erreur et d'être plus présent pour les gens que tu photographie...Reste ici, tu vas adorer ça!

Comment une photographe professionnelle se retrouve-t-elle en croisade contre le mode manuel!?

Quand la photographie passe d'une passion à une horrible corvée...jusqu'à l'épuisement

En 2022, le lancement de l'une de mes formations a été un point tournant dans ma carrière de photographe et de mentor. 

J'étais en live sur les réseaux sociaux pendant plusieurs jours d'affilée. Mais chaque fois que j'apparaissais en live, j'avais l'air de plus en plus cernée, usée, fatiguée. En une semaine, juste à me regarder, on aurait cru que j'avais vieilli d'une décennie. 

C'était marquant à un point tel que certains de mes abonnés ont commencé à m'écrire qu'il était temps que je me repose, qu'ils étaient inquiets. 

Je m'empressais de les rassurer, mais la vérité c'est qu'ils avaient entièrement raison. 

À l'automne 2022, je souffrais énormément. 

J'en était venue à détester la photographie. J'étais de plus en plus cynique et déprimée. J'avais l'impression que ce que j'enseignait n'avait pas l'impact que je voulais, que je n'avais plus rien à dire. J'étais constamment stressée à force d'avoir le sentiment de courir sur place.

Non seulement mon esprit était éteint, mais mon corps aussi en avais ras-le bol. J'étais si épuisée que j'avais de la difficulté à sortir de mon lit le matin. Mon stress avait créé tellement de tension dans mes muscles que tout mon corps me faisait mal. J'avais tellement trop sollicité mon cerveau qu'il m'a abandonnée, me laissant moins d'une heure de concentration par jour... et ma tête me faisait tellement mal que je peinais à juste me garder les yeux ouverts.

J’avais choisi la photo comme carrière parce que c’était ma passion, mais j’avais l’impression que tout était rendu lourd, compliqué et stressant en photo, autant pour moi que mes clients en coaching. Je ne pouvais plus voir un appareil photo en peinture. J'étais vraiment écoeurée.

C'est là que mon partner, André, m'a fortement conseillé d'aller voir mon médecin. J'ai fini par écouter. 

Le verdict : BURNOUT. 

J'avais le choix : tout abandonner... ou changer complètement ma façon de travailler, d'enseigner... et de VIVRE.

Je ne voulais pas anéantir toutes mes années d’efforts à bâtir cette carrière de rêve en abandonnant complètement la photographie.

Par contre, pour guérir et renouer avec ma passion, il fallait que je change ma façon de travailler pour me rendre la photo simple et amusante à nouveau.

Alors je me suis demandée : qu’est-ce qui m’écoeure et me gruge le plus d’énergie en photo? Qu’est-ce qui allonge mon travail de photographe? Si j'avais une baguette magique pour faire disparaître tout ce que je déteste en photo, qu'est-ce que je ferais?

C’est là que j’ai pensé à tout ce qui rend la photographie compliquée, longue et (parfois) carrément chiante autant pour moi que pour tous les photographes passés sous ma tutelle... 

Les Plus gros irritants en photographie...

• Préparer, recharger, transporter et installer une tonne d'équipement (et dépenser des fortunes pour l’acheter)
• Avoir la tête pleine et être toujours stressé à force de gérer 500 affaires en même temps (les réglages d’un appareil photo, d’un flash, le placement d’un accessoire ou un autre, le cadrage, la lumière, les poses du sujet, blablabla)
• Prendre un temps fou à télécharger, cataloguer et séparer les bonnes photos des photos ratées techniquement ou juste ennuyantes à mourir…
• Retoucher chaque photo une à une pendant de longues minutes pour réparer des erreurs qu’on aurait voulu éviter…et se retrouver avec des photos pas terribles quand même…

En repensant à tous mes étudiants, le plus gros blocage pour atteindre notre but de faire des photos parfaites m’est apparu tout d’un coup comme une énorme évidence! 

Deuxième RAISON D'ABANDONNER LE MODE MANUEL : dès que l’éclairage change le moindrement, il faut tout recommencer…

Un nuage passe devant le soleil?

Tu t'es déplacé d'un endroit ensoleillé à plus ombragé?

Ton sujet s'est tourné dans la direction opposé et l'éclairage est différent?

BAM! Tes réglages ne sont plus bons. Alors retour à la case départ... et à notre problème numéro 1!

Troisième RAISON D'ABANDONNER LE MODE MANUEL : pendant qu’on se casse la tête à trouver et balancer nos réglages, on ne peut pas penser à toutes les autres choses importantes pour créer de belles photos...

Bien faire la mise au point, bien cadrer, vérifier l’éclairage, aider les gens à se placer, tenir une conversation avec eux sont toutes des choses que nous devons faire absolument pour satisfaire les gens qu'on photographie.

Mais faire TOUT CELA en plus de gérer les réglages, c'est vraiment compliqué.

Donc, inévitablement, ça nous arrive de cadrer un peu tout croche, d’avoir des photos embrouillées, mal éclairées, et avoir des gens qui sont gênés parce que ça fait 5 minutes qu’on gosse avec l’appareil photo au lieu de les aider à bien poser.

Et qu’est-ce qui arrive quand on se retrouve devant l’ordinateur après? On est déçu de la majorité des photos, mais en plus, pour le peu de photos intéressantes qu’il reste, il faut retoucher toutes nos erreurs et ça prend une éternité.

Je ne sais pas pour toi, mais moi, quand ça me prend 10 fois plus de temps à retoucher qu’à faire des photos… ça me fait ch*er! 

Maintenant regarde celle-ci. Je l’ai prise sans le mode manuel, avec rien d’autre que mon appareil photo, et sans faire de retouche dans Photoshop…et c’est mieux!

Mes sujets sont bien mis en valeur, la composition est meilleure, leur expression est plus authentique...

Non seulement ça, mais durant cette séance, j'ai supprimé très peu de photos lors de mon tri, parce que l'exposition était parfaite sur toutes les images, aucun recadrage n'a été nécessaire, et les poses étaient meilleures car je pouvais m'y consacrer entièrement.

Le secret pour avoir le plein contrôle de ton appareil... sans le mode manuel!

NON, la solution n'est pas de faire des photos en mode automatique! 😅 

Tu dois simplement connaître l'effet visuel de chacun des principaux réglages sur tes images.

Ensuite, tu places ton appareil dans le mode de prise de vue qui donne priorité à ce réglage-là et tu choisis la valeur qui te donne l'effet que tu veux. 

Puis, pour t'assurer d'éviter les problèmes causés par les autres réglages, il suffit d'utiliser une fonction que très peu de photographes connaissent mais qui va changer ta vie! 

Le savais-tu? Il existe un réglage caché dans les menus de ton appareil photo qui permet de fixer des LIMITES sécuritaires aux réglages gérés automatiquement!

Exactement comme les anti-dalots au bowling, le cruise control pour éviter les excès de vitesse en auto... you get the picture (toudoum tsi! 🥁)

Oui, ça se fait avec tous les appareils photo! Nikon, Canon, Fuji, Sony…ils ont tous ces fonctions là!

Après ça, tes réglages sont ajustés et tu peux les oublier complètement pour le reste de ta séance pour te concentrer sur ta création!

Imagine, avoir un arrière plan flou exactement comme tu voulais, l'exposition quasi parfaite tout le temps, mais sans flou de mouvement, sans excès de grain... LA BELLE VIE!

Mythe numéro 1 : Ça prend beaucoup de matériel pour faire une belle séance photo

Pas du tout.

La pièce d’équipement la plus importante, c’est ton appareil photo (ton appareil photo est très bien, en passant! Pas besoin de le changer!)

Mais encore plus important, l’objectif que tu mets dessus. Tant que cet objectif est bien choisi en fonction de ce que tu fais le plus comme photos, tu vas avoir toute la qualité que tu espères dans tes images et ça ne va t’en prendre qu’un seul pour 90% des photos que tu vas prendre. 

Mythe numéro 2 : Pour que l’éclairage soit beau, ça me prend des flashs et plein d’accessoires.

Encore là, non!

De la lumière, ça reste de la lumière, peu importe d’où elle provient.

Un gros flash, le soleil qui se réfléchi sur une grosse surface pâle, une fenêtre ou un ciel nuageux peuvent tous donner un résultat similaire si on fait bien attention à comment la source de lumière est positionnée par rapport aux gens et si on arrive à reconnaitre un bel éclairage d’un éclairage pas terrible.

Donc, tu peux très bien avoir de superbes photos sans flash. Et c’est plus facile à gérer! 

Mythe numéro 3 : Faire de la photo, ça prend du temps

Ça aussi, c’est un MENSONGE. 

Quand on met notre appareil photo à notre service au lieu d’être son esclave à faire des maths avec nos réglages, on est capables de se concentrer sur ce qu’on voit.

On peut faire le focus correctement au bon endroit, on cadre correctement, on éclaire bien avec ce qu’on a et on interagit avec les sujets pour les aider à bien poser et on clique au bon moment.

Donc : fini les photos floues, plus besoin de recadrer les photos une par une au traitement,  pas besoin de trainer un flash et de le gérer, pas besoin de retoucher des ombres disgracieuses, plus besoin de retoucher la peau à n’en plus finir…plus de temps à perdre à supprimer les photos avec les yeux fermés, les mauvaises expressions ou les postures qui n'avantage pas les gens!

Les tutoriels et explications complexes, ça boost l'égo des formateurs

On veut tous avoir l'air intelligents, créatifs et géniaux. C'est bien normal.

Mais des fois, j'ai juste envie de lancer mon smartphone de toutes mes forces quand j'écoute une vidéo sur une technique photographique.

Pourquoi? Parce qu'au lieu d'aller droit au but, le formateur nous endort avec un étalage de connaissances pas possibles et des théories à coucher dehors.

Ça donne l'impression qu'il (ou elle) veut juste essayer de jouer au plus fin. ÇA GOSSE!

Ah et si tu poses des questions dans des communautés web au sujet de la photo, je mettrais un p'tit 10 piastres sur la table que tu as des noms en tête de gens qui t'expliquent des affaires full compliquées comme si c'était une évidence totale, quasiment pour rire de toi.

Ça donne une raisons aux photographes pros de jouer aux victimes parce que leur métier est telllllllement difficile!

Okay. Avant de me lancer des roches, sache que je me permet de faire la blague parce que j'étais la première à penser que la valeur de mon travail de photographe était dans sa complexité. 

Spoiler alert (et je l'ai appris à la dure): les gens que tu photographies n'en ont rien à foutre d'à quel point ton équipement est couteux, à quel point les techniques que tu utilise sont complexes, à quel point c'est long de faire des retouches et à quel point c'est donc difficile d'être un travailleur autonome. 

Les textes de chialage du style...

«chers clients cheaps et impatients, sachez que pour faire mon merveilleux métier créatif super amusant qui a l'air bien plus le fun que votre job de bureau, j'ai besoin de me former en photographie de mariage en république dominicaine, d'avoir de l'équipement sophistiqué à la fine pointe de la technologie qui m'a coûté un rein et de passer des longues heures à retoucher vos boutons en pyjamas donc je ne peux pas livrer vos photos pour hier» 

STOPPPP! Ça me gosse énormément... et ça gosse tellement nos clients!

(Oui, peu importe à quel point le texte est supposément phrasé diplomatiquement, le client le lit exactement comme je l'ai écrit ici)

Les gens veulent de belles photos d'eux, dans lesquelles ils ont l'air naturels, qu'ils sont beaux, et qui sont 1000 fois meilleures que leurs photos de cellulaire. Ils veulent un photographe qui va les faire sentir bien devant l'appareil, et non tout pogné parce que tu gosse avec tes réglages et tes gadgets au lieu de leur PARLER.

Donne-leur tout ça et ils vont t'ADORER! Et ils vont t'aimer encore plus si tu rends les photos rapidement!

PLEIN D'EXTRAS!

PRÊT À ENFIN MAÎTRISER TON APPAREIL PHOTO ET FAIRE DES PORTRAITS QUE LES GENS VONT ADORER?

Cette image présente plusieurs problèmes. Bien que l'arrière plan ait un beau flou (ce qui indique une grande ouverture de l'objectif), l'ISO était probablement trop haut inutilement, ce qui a causé beaucoup de grain. Une vitesse d'obturation un peu plus lente aurait pu aider...et une bonne exposition... un meilleur cadrage...et une meilleure pose!

COMMENT CHOISIR LA BONNE COMBINAISON DE RÉGLAGES?

Pense à l'effet que tu veux obtenir en premier, selon si tu veux contrôler la profondeur de champ, l'effet du mouvement dans l'image, ou surveiller la quantité de grain dans ta photo. Ensuite, choisi les autres réglages pour compléter l'apport de lumière dont tu as besoin.

Par exemple, si je veux une photo avec un bel arrière-plan flou, je dois m'assurer de bien contrôler mon ouverture d'abord. 

Ensuite, une fois que j'ai choisi une ouverture qui me permet d'avoir le résultat visuel que je veux (l'arrière-plan flou), je vais terminer de régler mon appareil pour obtenir la bonne exposition. 

Je vais m'assurer d'avoir une vitesse d'obturation suffisante pour figer le mouvement de mon sujet (si c'est ce que je veux, bien sûr). 

Enfin, s'il manque encore de la lumière, je vais augmenter l'ISO pour avoir l'exposition voulue.

Je peux faire tout cela dans le mode manuel... ou placer mon appareil en mode priorité à l'ouverture et laisser mon appareil décider du reste! 

Le comment est moins important que le pourquoi! Si je peux arriver au résultat voulu plus rapidement... pourquoi pas!

Cette image est un bon exemple d'une belle gestion des réglages : l'arrière plan a un bokeh fantastique, la photo est bien exposée, il n'y a pas de flou indésirable et la photo est bien clean, sans avoir trop de bruit numérique.

Deuxième RAISON POURQUOI TU N'AIMES PAS TES PHOTOS : tes photos sont souvent floues!

Il n'y a rien de plus frustrant que de faire une photo magnifique exactement au bon moment pour ensuite constater que celle-ci est floue! 

Quand on a des photos floues à répétition, on vient à se demander si le problème pourrait être l'objectif ou l'appareil. 

Je te rassure : ton appareil est très probablement tout à fait normal...et ton objectif aussi! 

Alors c'est quoi le problème? 

Il s'agit très probablement d'un problème de mise au point. Soit la façon de faire la mise au point n'est pas bonne. Soit c'est plutôt la zone de mise au point qui n'était pas adaptée.

Cette image est un bon exemple d'une mise au point faite au mauvais endroit. Le blé devant le jeune homme est plus net que ce dernier, ce qui indique que la mise au point s'est faite à cet endroit au lieu du visage du sujet.

Comment obtenir des photos nettes?

J'ai déjà écrit un article détaillé sur la mise au point que tu pourras consulter au besoin juste ici.

Je vais quand même en résumer les grandes lignes ici. 

En gros, faire la mise au point de l'appareil correctement, c'est un peu plus complexe que d'appuyer sur le déclencheur! 

En réalité, faire la mise au point nécessite une séquence précise de petits gestes rapides, mais importants. 

1. Choisir le bon mode de mise au point
2. Choisir le bon mode de zone de mise au point et placer la cible (ou collimateur) de mise au point sur le sujet ou la partie du sujet qu'on souhaite avoir parfaitement nette
3. Appuyer à mi-course sur le bouton déclencheur pour s'assurer que l'appareil fait bel et bien la mise au point sur le sujet
4. Déclencher

Il suffit d'un seul mauvais choix ou une seule mauvaise manipulation à l'une de ces étapes pour que la photo soit floue! 

Le mode de mise au point

Tu dois choisir la bonne façon de faire la mise au point. Si ton sujet ne se déplace pas, il faudra utiliser le mode de mise au point ponctuel.

Ainsi, l'appareil va mémoriser la mise au point quand tu appuies à mi-course sur le déclencheur et restera bloqué au même endroit tant que tu ne relâcheras pas le déclencheur.

S'il se déplace, il faudra utiliser le mode de mise au point continu pour que l'appareil suive le déplacement du sujet.

Attention! L'appareil ne suit le sujet que si celui-ci est dans la cible!

La zone de mise au point

Tu dois dire à l'appareil quel est le sujet que tu souhaites avoir net. 

Pour ça, tu dois choisir un mode de zone de mise au point. La zone de mise au point permet de déterminer plus facilement dans quelle partie de la photo la mise au point doit se faire.

Dépendant ton choix, la mise au point sera plus ou moins précise et la cible de mise au point dans ton viseur sera d'une taille et d'une forme variable.

N'oublie pas que quoi qu'il arrive, la cible doit être vis-à-vis le sujet pendant que la mise au point se fait, sinon la photo sera floue!

Appuyer à mi-course sur le déclencheur

Le moment où appuyer à mi-course sur le déclencheur est très important. 

Un peu trop tôt ou un peu trop tard et c'est le mauvais objet qui se trouve dans la cible de mise au point au moment où l'appareil fait le focus! 

Par exemple, une erreur fréquente est d'appuyer à mi-course sur le déclencheur, le relâcher, recadrer, puis faire la photo ensuite.

Dans ce cas, la cible de mise au point se trouve au mauvais endroit après le recadrage, et la mise au point est faite par la suite sur la mauvaise chose.

Bien que la composition de cette image ne soit pas mauvaise en soi, l'arbre derrière la demoiselle attire beaucoup l'attention puisqu'il occupe autant d'espace que cette dernière dans l'image. Ajoutons à cela la netteté relative de tous les éléments du décor et le spectateur a de la difficulté à se concentrer sur son visage!

Comment avoir une photo intéressante et claire pour les spectateurs?

Une photo intéressante devrait avoir un sujet principal évident qui surpasse tout le reste en importance. 

Comme disait Saint-Exupéry : «La perfection, ce n'est pas quand il n'y a plus rien à ajouter, mais quand il n'y a plus rien à enlever!»

Donc, assure-toi d'éliminer TOUT le superflu et ne garder que ce qui est réellement utile pour mettre ton sujet en valeur. 

Puis, tu peux essayer de faire ressortir ton sujet du reste du décor en utilisant des contrastes de lumière ou de couleur, ou en utilisant différentes techniques pour encadrer ton sujet avec des éléments du décor!

Même si le cadrage est un peu large pour cette photo, notre regard est attiré directement vers les sujets. Ils font contraste aux tons foncés de la photo et son encadrés par le trou de lumière dans le décor.

Ici, de changer la position du sujet afin d'éviter les taches sur son visage causées par la lumière du soleil aurait été un ajustement simple et efficace!

Comment avoir un bel éclairage?

Le secret pour avoir un bel éclairage, c'est d'abord d'observer l'éclairage sur le visage du sujet.

Est-ce qu'il y a des ombres où il ne faudrait pas? Est-ce qu'il y a des taches de lumière à certains endroits? Est-ce qu'il y a différentes couleurs sur le visage du sujet? Est-ce que les imperfections de la peau sont plus visibles que la normale? 

Si tu réponds oui à l'une de ces questions, essaie de déplacer ton sujet ailleurs pour obtenir un éclairage plus flatteur. Cela réglera le problème dans la majorité des cas.

Honnêtement, c'est aussi beaucoup plus facile de simplement déplacer le sujet plutôt que de chercher à modifier l'éclairage existant avec un flash un un tas d'autres accessoires! 

Pour en savoir plus sur les erreurs fréquentes en éclairage et comme y remédier, tu peux jeter un oeil à cet article : https://joannietherrien.com/5-erreurs-eclairage-portraits/

Parfois, un photo spontanée prise sur le vif peut être géniale. D'autre fois, on se retrouve avec un sujet qui a une moins bonne posture qui ne l'avantage pas...

COMMENT ÉVITER DE MANQUER D'IDÉES DE POSES?

Le secret pour ne jamais manquer d'idées de poses, c'est d'apprendre une série de poses de base pour tous les types de séances que tu fais. 

Commence par en apprendre entre 3 et 5. 

Je sais, ce n'est pas beaucoup, mais tu peux créer plusieurs autres poses à partir d'une pose de base! 

Regardons par exemple les poses de base que j'utilise pour les couples.

Chacune de ses poses peut être modifiée pour créer une foule de nouvelles photos en changeant les interactions, les regards, le placement des mains, le cadrage et ainsi de suite.

COMMENT AVANTAGER LES GENS?

Tout part de ce que chaque personne qui passe devant ton appareil veut! 

Chaque personne qui se fait photographier a des insécurités à l'idée de se faire photographier. 

C'est probablement pour ça qu'environ 90 à 95% des gens qui se présentent à un photographe disent ne pas être photogéniques. 

Notre travail comme photographe est de découvrir quelles sont les insécurités des gens en lien avec leur apparence et de porter une attention particulière à cela durant nos séances.

Par exemple, si une personne est dérangée par un éventuel double menton, on peut lui rappeler constamment durant la séance d'avancer et baisser le menton pour créer une meilleure séparation entre le visage et le cou.

On pourrait aussi utiliser un éclairage qui crée une ombre marquée sous le menton pour remédier à ce problème.

Si ça t’arrive, tu n’es pas seul. Même qu’au moment même où tu lis ces lignes, je parie que c’est en train d’arriver à quelqu’un.

Mais ce n’est pas parce que Photoshop est si complexe que ça. En réalité, Photoshop peut être très simple. 

La vraie raison pourquoi photoshop semble compliqué...et comment le simplifier

Le problème, c’est que la plupart des gens ne l’abordent pas de la bonne manière. Ils pensent qu’il faut simplement cliquer sur quelque chose pour l’effacer, le déplacer, le transformer. Ils pensent qu’une retouche est censée se faire en une seule étape avec un outil magique caché quelque part. 

Mais inévitablement, quand on essaie de tout faire en une seule étape, ça ne marche jamais. 

Ensuite, ils pensent qu’on peut passer l’étape d’apprendre le fonctionnement de base du logiciel avant de sauter dans les retouches. Qu’ils peuvent juste aller voir un tutoriel sur YouTube pour retoucher un truc précis et suivre les étapes. Ça, c’est un désastre assuré!

Pourquoi? Parce que la plupart des instructeurs passent par des chemins vraiment complexes avec des outils compliqués que tu n'utiliseras probablement plus jamais, sans t’expliquer les bases les plus fondamentales. Donc tu n'arrives pas à maîtriser quoi que ce soit. 

Les 6 outils qui vont faire la plus grosse différence

Je te garantis une chose. Tu peux devenir un maître de la retouche de portrait dans Photoshop en connaissant juste SIX outils et fonctions. SIX. 

Les voici :

1. L’outil Pinceau
2. L’outil correcteur et correcteur localisé
3. L’outil tampon
4. Le fonctionnement des calques
5. Le fonctionnement des calques de réglages
6. Le fonctionnement des masques

Si tu comprends bien le fonctionnement de chacun de ces outils et fonctions, je te promets que tout va bien aller pour retoucher au moins 80 à 90% des choses qui t’énervent dans tes photos et avoir de magnifiques résultats.

Mythe numéro 2 : Photoshop, c'est vraiment cher 

Plusieurs me disent qu’ils n’ont pas envie de s’abonner au logiciel et payer un montant par mois. Après tout, quand on consulte le site web d’Adobe, Photoshop est affiché à 28$ canadiens par mois. Cela fait cher assez rapidement, et je comprends.

Toutefois, plusieurs ne le savent pas, mais il existe une formule spéciale exprès pour les photographes, à seulement 13$ canadiens par mois. La formule comprend toutes les mises à jour de Photoshop, Lightroom Classic, Lightroom mobile, Photoshop express pour mobile, en plus de plein de bonus intéressants.

Parmi mes bonus préférés, on retrouve Adobe Portfolio, qui permet de se créer un beau site web pour afficher son travail complètement gratuitement, ainsi que Creative Cloud express, qui ressemble énormément à Canva. 

Petite démonstration d'Adobe portfolio, qui est gratuit avec ton abonnement à Creative cloud!

Dans le passé, acheter la dernière version de Lightroom coûtait environ 100$ par an, et Photoshop environ 600$. 

Avec tous les ajouts du forfait Creative Cloud pour la photographe, de payer 156$ canadiens par an pour avoir toujours la dernière version des logiciels les plus utilisés par les pros de l’industrie, ça semble bien peu en comparaison…surtout qu’on peut annuler l’abonnement à tout moment si on n’en a plus besoin.

Alors, pourquoi se contenter d’autres logiciels moins performants pour éviter de s’abonner? 

Mythe numéro 3 : Je n’ai pas besoin de Photoshop pour faire de belles photos, je veux juste faire des corrections mineures

Lightroom Classic est maintenant très puissant. Pour quelqu’un qui n’a que des retouches globales à faire, ou seulement de toutes petites retouches très mineures, Lightroom peut tout à fait convenir.

Je le crois sincèrement. J’ai d’ailleurs créé une formation complète sur la retouche de portrait en utilisant seulement Lightroom, exprès pour les gens qui n’ont pas envie de s’aventurer dans Photoshop, que tu peux voir en cliquant ici.

Lightroom ne peut pas tout faire : ce que Photoshop fait mieux...

Qu’est-ce qui arrive si on doit retoucher une distraction plus importante? Que faire si on a une retouche un peu plus complexe? 

Lightroom ne peut tout simplement pas remplacer un visage dans une photo de groupe, enlever efficacement les mauvais plis dans les vêtements, changer entièrement un arrière-plan, enlever un reflet de lunette, etc.

Si on essaie de faire ce genre de retouche, on ne trouvera dans Lightroom que de la frustration, et beaucoup de ralentissement de l’ordinateur. 

Bref, tu auras compris que Lightroom, bien que très efficace pour la plupart des retouches qu’on doit faire tous les jours, il faut apprendre Photoshop pour sauver des photos qui seraient bonnes pour la poubelle autrement. 

En plus, comme mentionné au point précédent, que tu aies Lightroom seulement ou Lightroom ET Photoshop…c’est le même prix!

Mythe numéro 4 : Retoucher dans Photoshop, c’est beaucoup trop long

Je vais y aller avec une métaphore. Qu’est-ce qui va plus vite? Construire la charpente d’une maison avec un simple marteau et des clous ou apprendre comment manoeuvrer une cloueuse pneumatique? 

Oui, tu vas pouvoir construire la maison avec ton marteau et tes clous, mais ça va prendre une éternité. La cloueuse, elle, ira beaucoup plus vite, même si elle demande un temps d’adaptation et plus de prudence au début.

Avec Photoshop, c’est pareil. Tu as à ta disposition plein d’outils pour faire les retouches que tu veux. Il y a mille et une façons d’arriver à ton but. 

Par contre, pour 10 façons de faire, il y en a 7-8 qui ne sont pas terribles…et elles sont lentes et compliquées! 

Mon conseil : réfère-toi à des pros qui connaissent le logiciel par cœur pour connaître les façons les plus efficaces de faire les choses. Crois-moi, ça peut être très simple, surtout si tu connais bien les 6 outils et fonctions que j’ai nommés au point 1!

Mythe numéro 5 : Photoshop dénature les gens! Je n’ai pas envie que mes sujets aient l’air d’avoir la peau en plastique!

Comme dans toute chose, tout est une question de dosage. Il existe des méthodes de retouche de peau, par exemple, qui rendent la peau beaucoup trop lisse et floue. 

Un petit peu trop d’intensité sur l’effet, et WOUPS on l'échappe. 

Si tu as peur de faire des retouches qui donnent ce genre de résultat un peu trop artificiel, je te comprends! Par contre, on peut éviter cela en changeant nos méthodes de retouche!

Pour bien retoucher sans que ce soit trop, il faut utiliser les bonnes techniques!

Il existe des méthodes qui respectent beaucoup plus les détails de la photo pour accentuer et parfaire ce qui est déjà là… plutôt que de tout bousiller.

Par exemple, la séparation de fréquences est une technique de retouche de peau très populaire puisqu’elle donne généralement de bons résultats rapidement. Par contre, il est facile d’en faire trop en ajoutant trop de flou. 

Bien que c’était ma méthode préférée lorsque j’ai débuté ce blogue (tu peux d’ailleurs trouver mon tuto à ce sujet ici), je préconise plutôt la méthode de dodge and burn désormais pour égaliser le teint sans rendre la peau floue et sans détails. 

Cette méthode consiste à éclaircir les zones trop foncées et rendre plus sombres les zones trop claires. En minimisant les écarts entre les couleurs, on obtient un teint plus harmonieux…mais sans effacer la texture qui fait de nous des…HUMAINS.

TLDR : Alors, comment on fait pour apprivoiser Photoshop?

D’abord, il faut aborder Photoshop comme un outil puissant pour la retouche d’image, qui peut carrément faire de petits miracles… et non comme un gros monstre qui n’attend que le bon moment pour faire exploser nos ordinateurs. 

La formule d’Adobe Creative Cloud pour la photographie à 13$ par mois est très accessible et avantageuse pour tout ce qu’elle contient, donc on peut s'y mettre à peu de frais et cesser les paiements si on change d’avis.

Ensuite,  au lieu de chercher des tutoriels de qualité variable sur le web et de se lancer dans la gueule du loup les yeux fermés, il vaut mieux apprendre les outils et fonctions les plus essentiels et leur fonctionnement avec une bonne formation structurée donnée par de vrais experts.

En ayant des bases solides, on évite les erreurs irritantes qui nous ralentissent dans notre travail et on bâti notre confiance une étape à la fois, dans la bonne séquence. 

Pour cela, je recommande ma formation Les essentiels de Photoshop, une formation de 11h de vidéos pour maîtriser le logiciel le plus puissant du monde, afin que tu puisses retoucher avec confiance sans frustration!

En plus, si tu bloques, mon équipe et moi sommes là pour t’aider à continuer! 

Au plaisir de t’accompagner dans tes belles retouches! 

À bientôt, 

Ton inspiratrice

pourquoi prendre des photos pendant l'heure bleue?

Il y a de nombreuses raisons pourquoi l'heure bleue est un excellent moment de la journée pour la photographie.

L'heure bleue est moins populaire 

Peu de gens prennent des photos à l'heure bleue par rapport au lever et au coucher du soleil.

Cela vous donne la possibilité de capturer des images uniques et de photographier des lieux populaires sans que la foule soit problématique.

L'Heure bleue fait ressortir l'émotion différemment 

L'heure bleue est un excellent moyen de transmettre certaines émotions dans vos photos qui pourraient être difficiles à capturer autrement. 

Les images de l'heure bleue sont généralement sombres et contrastées. La couleur bleue porte également sa propre signification: sérénité, tristesse, paix, etc.

Ces émotions ne fonctionnent pas pour chaque photo, mais si votre scène exige l'obscurité et les tons bleus, il est difficile de battre cette heure de la journée.

LES paysages À L'HEURE BLEUE

L’allure monochrome de l’heure bleue donne un effet intéressant sur les photos de paysages.

De plus, comme l’intensité de la lumière ambiante est plus forte que la nuit, c’est un bon moment pour intégrer la lune dans vos photos sans qu’elle n’ait l’allure d’un gros point blanc.

LES Photos urbaines immobilières À L'HEURE BLEUE

Durant l’heure bleue, il arrive un moment où la lumière artificielle des bâtiments et la lumière ambiante arrivent à la même intensité pour quelques minutes.

C’est donc le moment idéal pour photographier les bâtiments dans leur environnement avec tous les détails, mais sans surexposer l’éclairage artificiel.

Pour réussir votre prise de vue, arrivez sur les lieux avant le coucher du soleil afin de décider de votre cadrage au préalable et ajuster progressivement vos réglages jusqu’au moment propice.

à propos de moi

Un emballage cadeau digne des magazines : ce dont vous avez besoin

Pour réaliser l’emballage cadeau que je vous propose aujourd’hui, vous aurez besoin des articles suivants : 

• Un morceau de votre fond de papier à recycler
• Un ruban à mesurer
• Un fusil à colle chaude
• Des ciseaux et/ou un couteau exacto
• De la ficelle de chanvre ou de jute pour un effet rustique
• De la peinture acrylique liquide et un pinceau plat assez large 
• Des décorations pour vos cadeaux. J’ai choisi des branches décoratives de Noël du magasin à 1$, mais vous pouvez aussi utiliser des ornements de Noël à accrocher sur la ficelle! Utilisez votre créativité! 

Étape 1 : coupez votre nouveau papier cadeau

Commencez par couper votre fond de studio en papier pour enlever la partie usée. Il est préférable d’utiliser un couteau exacto. Ainsi, la coupe sera plus rapide et vous pourrez faire une coupe plus droite. 

Comme votre papier est sale du côté utilisé pour les photos, il faudra cacher cette face du papier. Étendez votre papier par terre et examinez-en l’endos. Choisissez une section du papier qui n’est pas trop sale. C’est ce côté qui sera visible. 

Placez votre boîte cadeau sur le papier pour déterminer approximativement la quantité de papier nécessaire. Vous pouvez finir la découpe au ciseau pour faire de belles lignes droites. Essayez de garder juste assez de papier pour faire vos pointes aux extrémités. Comme le papier est très épais, less is more! 

Étape 2 : mesurez votre papier

À la première étape, vous aurez certainement remarqué que le papier de studio est beaucoup plus rigide que le papier traditionnel. 

Si vous tentez d’emballer vos cadeaux de la façon habituelle, vous risquez d’avoir un peu de mal! 

Je vous conseille donc de mesurer les faces de votre boîte au préalable et de plier votre papier où les arrêtes se trouvent. Ainsi, le papier sera plus serré sur la boîte et vous obtiendrez un meilleur résultat. 

Étape 3 : collez et ajustez!

Commencez par coller l’extrémité du papier sous la boîte cadeau avec le fusil à colle chaude. 

J’utilise la colle pour éviter de laisser des morceaux de ruban adhésif visibles. Même si la colle n’est pas sèche à 100% dès le départ, ce n’est pas grave. Si vous avez plié le papier aux arrêtes à l’étape précédente, il n’y aura pas de tension sur le papier, et donc aucun risque que ça décolle.

Une fois que le tour de la boîte est emballé, il faudra créer les jolies pointes aux extrémités. 

Comme votre papier d’emballage est très rigide et épais, je vous conseille de couper le papier aux 4 coins. Rabattez et collez les côtés gauche et droit. 

Puis, pour les pointes, pliez d’abord le carton à l’envers sur la boîte. Puis, pliez vos triangles vers l’intérieur et collez- les, parce que le carton rigide tend à vouloir se déplier!) 

Enfin, rabattez et collez vos pointes sur la boîte.

Étape 4 : créer un effet avec la peinture

Pour mes cadeaux, j’ai utilisé de la peinture blanche pour donner l’illusion de neige qui serait tombée sur mes boîtes. 

Mais, dans cet exemple, je vais utiliser de la peinture noire puisque mon papier usé est blanc! 

Placez votre cadeau sur du papier journal (ou le reste de fond en papier que vous n’utiliserez pas). 

Pour créer l’effet de gouttelettes de peinture, trempez votre pinceau plat dans la peinture. Appliquez la peinture généreusement.

Passez votre doigt à travers les poils du pinceau pour créer les éclaboussures. 

Étape 5 : ajoutez les décorations

Attendez quelques minutes que la peinture sèche. 

Ensuite, vous pourrez ajouter les décorations de votre choix. Personnellement, j’ai coupé les branches de décorations avec des pinces. 

Puis, j’ai d’abord collé mes décorations sur les boîtes.

Enfin, j’ai ajouté de la corde de jute par dessus, pour créer un effet rustique. 

Conclusion

Bref, j’espère que cet article vous aura donné une bonne dose d’inspiration pour emballer des cadeaux qui se feront remarquer durant les fêtes, en plus de donner une deuxième vie à vos fonds de studio usés! 

N’hésitez pas à me partager vos résultats! 

À bientôt, et joyeuses fêtes!